Culture / Fantôme contre fantômes
© Sony Pictures
Rare suite hollywoodienne à dépasser la logique du tiroir-caisse, «S.O.S. Fantômes – L'héritage» («Ghostbusters – Afterlife») de Jason Reitman est un plaisir de tous les instants. Le fils du réalisateur original s'y approprie la franchise avec aplomb, en centrant son scénario de transmission sur la figure du grand disparu, Harold Ramis.
Et si c'était devenu ça, la plus grande rareté du cinéma d'aujourd'hui: le «blockbuster» intelligent et vraiment rassembleur? Dans un genre toujours plus dispendieux, accaparé par les cyniques et les sous-doués, Ghostbusters - Afterlife fait figure d'exception. On y allait sans grand espoir, faute d'avoir été à l'époque un grand fan de de l'original signé Ivan Reitman (S.O.S. Fantômes, 1984), sans parler de sa piètre suite (1989) ni d'une récente tentative de reboot féminisé par Paul Feig (2016). Seule inconnue, le degré d'investissement de Jason Reitman, fils d'Ivan mais cinéaste au talent supérieur (Juno, Up in the Air, Tully, etc.), jusqu'ici spécialiste de la comédie dramatique mi-sociale mi-psychologique. Tentative désespérée de s'imposer enfin au plus haut niveau à Hollywood ou plutôt geste sincère de filiation? D'avoir clairement fait le second choix pourrait bien valoir à Jason Reitman cette position tant enviée, non sans avoir créé une jolie surprise au passage.
Au concept de départ – une comédie fantastique à base d'humour potache et d'effets spéciaux dernier cri –, il a en effet su ajouter au moins deux niveaux: le sérieux et la réflexivité. Et ce n'est pas que le résultat manquerait dès lors de drôlerie ou de spectaculaire. Au contraire, Reitman junior a parfaitement rempli son cahier des charges de ce côté-là. Mais il a surtout senti qu'il pourrait sensiblement l'améliorer avec un peu de retenue, de goût et de profondeur, sans oublier d'offrir une porte d'entrée identificatoire à toute une nouvelle génération. D'où un plaisir de tous les instants, qui ne disparaît même pas lorsque l'action débridée et les effets spéciaux viennent occuper l'avant-plan.
Ambiances et temporalités travaillées
Tout commence plus tranquillement, dans un ambiance plus Nomadland que Ghostbusters. Callie, une mère célibataire dans la dèche (la merveilleuse Carrie Coon, de The Nest) avec deux enfants adolescents, Trevor et Phoebe (les étonnants Finn Wolfhard et McKenna Grace, au diapason), se voit forcée de quitter leur logement pour retourner s'installer dans la vieille maison qu'elle a héritée de son père, dans un trou perdu en Oklahoma. Ils s'adaptent tant bien que mal à leur nouvel environnment avant que Phoebe ne découvre un atelier/laboratoire caché abritant un étrange matériel ayant appartenu à son défunt grand-père, Egon Spengler. Et si ce dernier avait été autre chose qu'un fermier misanthrope? Et si cet ex-scientifique était venu s'installer là par sens du devoir plutôt qu'après avoir baissé les bras?
Le nom de Spengler ravivera des souvenirs chez les fans tandis que les autres s'installeront confortablement durant ces 50 premières minutes sans autre fantôme à l'horizon que quelques discrets phénomènes surnaturels de maison hantée classique. On s'interroge plus sur l'étrange malédiction familiale qui pousse la mère dans les bras d'hommes obsessionnels, tandis que sa fille semble développer un lien privilégié avec ce grand-père qu'elle n'a pas connu. Et on accueille avec intérêt des nouveaux venus locaux, que ce soit Grooberson, le professeur d'école flemmard de Phoebe (qui laisse sa classe devant de vieilles VHS!), le petit surdoué Podcast (qui chronique sa vie sur les réseaux sociaux) ou la jeune Lucky, dont s'éprend Trevor. Que ces derniers soient respectivement Sino-et Afro-Américains apporte une touche de modernité dans cette ambiance de Midwest assoupi, comme resté croché dans le XXème siècle.
L'hommage d'un gamin hanté
Bien sûr, l'entité qui menaçait la Terre en lâchant toutes sortes d'ectoplasmes dans le film original ne va pas tarder à faire sa réapparition depuis la montagne voisine et sa mine abandonnée. Mais les premières manifestations de fantômes rigolos s'avèrent soigneusement mesurées, jusqu'aux marshmallows qui interagissent avec l'excellent Paul Rudd (dans un clin d'oeil à son superhéros miniature d'Ant-Man). Surtout, après avoir fort bien installé son atmosphère rurale avec une «touche Amblin» (les productions Spielgerg de l'époque), Reitman ne laisse pas la bride sur le cou de ses spécialistes d'effets en tous genres, comme dernièrement Chloé Zhao dans Les Eternels. Il privilégie un look vintage, un montage elliptique et un design d'ensemble cohérent pour ne jamais perdre de vue l'essentiel: à savoir que ceci est véritablement un film d'héritier, hanté par ses souvenirs d'enfance sur les plateaux paternels ainsi que par un vrai disparu, son «tonton» Harold Ramis (plus tard l'auteur du cultissime Groundhog Day / Un Jour sans fin, décédé en 2014). Lorsque les autres anciens Ghostbusters arrivent à la rescousse, ce sera ainsi au nom de ce dernier et non sans que le scénario ait inventé des raisons parfaitement vraisemblables à leur séparation.
Du coup, on n'est pas loin de penser que Jason Reitman a surpassé ici J.J. Abrams et son Super 8, hommage spielbergien unanimement apprécié de 2011. En mêlant hier et aujourd'hui, réalisme social et psychologique, humour adolescent et plus sophistiqué, grand spectacle et métaphore (le cinéma comme intrument à conjurer la mort), il a réussi une sorte de cocktail idéal, capable de parler à tous les publics, d'ordinaire de plus en plus renvoyés à leur «cinéma de niches» sur mesure. Une partition parfaitement maîtrisée qui n'exclut pas de réelles trouvailles de mise en scène et même des beautés inattendues, sans oublier un coda avec la dernière star manquante de l'original plus un teaser qui récompensera les fans restés jusqu'à la dernière seconde du générique. Pour une fois, on est vraiment curieux de ce que pourrait amener cette suite éventuelle!
S.O.S. Fantômes: l'héritage (Ghostbusters - Afterlife), de Jason Reitman (Etats-Unis, 2021), avec Carrie Coon, Paul Rudd, Finn Wolfhard, McKenna Grace, Logan Kim, Celeste O'Connor Annie Potts, Harold Ramis. 2h04.
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Dans un genre sur lequel la critique a peu de prise tant le sujet tend à primer, il faut pourtant bien reconnaître que la méthode, la sensibilité, l'art narratif et la profondeur intellectuelle du l'auteur(e) peuvent faire la différence. Et il n'en fallait pas moins pour s'attaquer à un sujet tel que Leni Riefenstahl, déjà documenté une bonne vingtaine de fois pour la télévision, notamment dans un mémorable <i>Leni Riefenstahl - Le Pouvoir des images</i> (Ray Müller, 1993). Trois décennies plus tard, avec cette fois un accès illimité aux archives personnelles de la dame, décédée en 2003 à l'âge de 101 ans, Andres Veiel n'a pas tremblé. Pour le grand écran, après ses déjà mémorables <i>Black Box BRD</i> (2001) et <i>Beuys</i> (2017), il a signé un sobrement intitulé <i>Riefenstahl,</i> présenté hors compétition à la dernière Mostra de Venise plutôt qu'à la Berlinale.</p> <p>A l'heure du retour en grâce du nazisme chez certains jusqu'en Allemagne, d'une possible apologie féministe chez d'autres, c'était sans doute plus sage pour ce film qui réexamine le cas de cette figure hautement controversée, artiste de grand talent mais qui a failli humainement. Qu'ils semblent lointains, ses anciens triomphes à la Mostra fasciste des années 1930! Depuis, on n'ose quasiment plus montrer ses documentaires de propagande nazie <i>Le Triomphe de la volonté </i>(1935) et <i>Les Dieux du stade (Olympia, </i>1938) et, côté fictions, son superbe début <i>La Lumière bleue</i> (1932) ou son dernier opus compromis <i>Tiefland</i> (1944/1954). Aujourd'hui, ne reste plus guère de Leni Riefenstahl que sa réputation de cinéaste officielle du IIIe Reich, qui paya pour tous les autres par une mise à l'écart définitive (même Veit Harlan, l'auteur du tristement fameux <i>Juif Süss,</i> le très problématique Karl Ritter ou encore Alfred Weidenmann, chantre des Jeunesses hitlériennes<i>,</i> retouvèrent le chemin des plateaux dans les années 1950, tandis que Hans Seinhoff, le plus nazi d'entre tous, mourut opportunément en 1945).</p> <h3>Une irrésistibe ascension</h3> <p>Le travail remarquable de Veiel rend justice à la femme et à l'artiste tout en se concentrant sur les questions du degré de son implication et de sa responsabilité. Ensuite, il met en lumière toute une seconde partie de son existence passée à se justifier et réécrire sa légende. Où il apparaît que pour Leni Riefenstahl, la seule vraie catastrophe fut en définitive la guerre. 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Coup d'essai, coup de maître: à la fois idéaliste, féministe et mystique, <i>La Lumière bleue</i> (1932) la propulse à 30 ans cinéaste à part entière.</p> <p>C'est à ce moment qu'un collaborateur, le scénariste juif Carl Mayer, l'avertit que ce film risque bien de faire d'elle l'égérie des nazis, alors aux portes du pouvoir. En vain, puisqu'elle se jettera littéralement dans leurs bras, demandant peu après à rencontrer personnellement Adolf Hitler. Lourdement courtisée (jusqu'à une tentative de viol) par le ministre de la propagande Josef Goebbels, elle ne se donna apparemment ni à l'un ni à l'autre, finissant par épouser plutôt l'officier Hans-Peter Jacob. Mais alors même qu'elle ne jurait que par la fiction, elle se lança avec enthousiasme dans la confection de documentaires à la gloire du régime, séduite par les budgets illimités mis à sa disposition. C'est ainsi qu'elle fut impliquée aux côtés de l'architecte Albert Speer dès la préparation du fameux Congrès de Nuremberg puis des Jeux Olympiques de Berlin – où elle dit n'avoir jamais voulu que saisir la beauté, son unique souci. Et à en revoir des extraits, il faut bien avouer que le résultat fut grandiose, cinématographiquement parlant.</p> <h3>Une simple suiveuse?</h3> <p>Mais par la suite, tout s'est effectivement gâté pour Leni Riefenstahl. Embrigadée pour immortaliser l'invasion de la Pologne, elle emploie des prisonniers comme figurants avant de jeter l'éponge. Ses soutiens s'étiolent pour <i>Tiefland,</i> qui doit marquer son retour à la fiction et à ses chères montagnes. La guerre interfère avec le tournage et, à 40 ans, elle paraît trop âgée pour tenir le rôle principal. Elle utilise aussi des jeunes tziganes recrutés dans des camps, enfants qu'elle prétendra avoir revus plus tard alors qu'ils furent pour la plupart assassinés à Auschwitz. Arrêtée dès la fin de la guerre, elle sera néanmoins déclarée simple <i>Mitläuferin</i> (ceux qui suivirent juste le mouvement). Autrement dit, officiellement innocentée, même si l'industrie lui fermera désormais ses portes, si ce n'est pour la sortie très retardée de <i>Tiefland</i> – un flop.</p> <p>Passé ce survol, qui regorge de documents prouvant sans le moindre doute possible qu'elle trempa jusqu'au cou dans le bain nazi, le film la montre reprendre du poil de la bête dans diverses émissions télévisées à partir des années 1970. S'il y a des choses qu'elle ne saurait nier, elle plaide sa naïveté politique, argue qu'elle n'était en fait que dans une quête artistique. Et bien sûr qu'elle n'a rien su de la «solution finale» – ce qui est fort possible, vu sa relative disgrâce qui l'éloigna du premier cercle décisionnel. Par contre, il y a tout un art de s'aveugler, qu'elle pratiqua très activement, jusqu'à devenir par là-même la porte-parle de toute une BRD (l'Allemagne de l'Ouest d'alors) qui aurait préféré ne jamais avoir à se confronter à son passé.</p> <p>Divorcée en 1947, sans revenus et réfugiée auprès de sa vieille mère, Leni Riefenstahl se refait une santé économique dès le début des années 1960 en devenant photographe. Une expédition au sud du Soudan, d'où elle rapporte des photos du peuple Nuba, sont particulièrement remarquées. Sponsorisée, elle y retournera maintes fois, albums et expositions à la clé. En 1967, c'est surtout la rencontre avec Horst Kettner, un étrange jeune homme de 40 ans son cadet qui devient son assistant et son compagnon jusqu'à la fin de sa vie. C'est ensemble qu'ils s'attellent à la lourde tâche de sa réhabilitation, fondée sur un formidable travail d'archivage et l'écriture de ses <i>Mémoires</i>, publiés en 1987.</p> <h3>De la défense au réarmement</h3> <p>Il faut la voir alors, septuagénaire puis octogénaire, toujours dans une forme étonnante pour son âge, dans leur grande maison bavaroise avec jardin; courant le cachet sur les plateaux TV, défendant mordicus sa version contre des journalistes tous mal intentionnés; retrouvant son vieil ami Albert Speer sorti de prison et discutant avec lui de leurs honoraires; ou encore dirigeant avec une autorité retrouvée et très colonialiste ses chers Nubas dans des images filmées restées inédites. C'est sûr, cette femme se sera renforcée dans l'adversité, éloignant toute possibilité de remise en question.</p> <p>Impeccable dans son travail de montage toujours dialectique, Andres Veiel se garde bien de porter un jugement. Mais le film rend bien perceptible un ego parfaitement proportionnel à son ambition artistique. Et en définitive, c'est bien de la place de l'artiste dans la société, du sens de son travail et de sa responsabilité humaine qu'il est question. C'est ainsi que l'idéal esthétique de Riefenstahl devient suspect en lui-même. A la question «Auriez-vous filmé de la sorte des athlètes handicapés?», la dame répond du tac au tac par un «Jamais de la vie!» scandalisé. Et si on ne saura jamais le degré de son antisémitisme, on peut là aussi soupçonner une certaine compatibilité avec le national-socialisme, elle qui s'employa très vite à effacer la participation décisive du fameux théoricien juif hongrois Béla Balász à <i>La Lumière bleue..</i>.</p> <p>Le réalisateur conclut sur des extraits parlants de deux émissions. L'une de la TSR («Destins», 1982) qui voit Claude Torracinta annoncer la défection de Leni Riefenstahl à l'entretien durant lequel il avait prévu de la confronter aux plus terribles images des camps de la mort. Une autre en Allemagne qui se clôt par des appels de soutien d'auditeurs auxquels elle répond, philosophe et confiante, qu'il faudra au moins deux générations pour finir par faire reconnaître leur innocence, mais qu'elle est certaine «que le peuple allemand a cela en lui». 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Edité en 1980 par une petite maison d'édition disparue depuis et devenu quasiment introuvable, il a été réédité en 2015 en Italie et je me suis rendu à une soirée de présentation à la Casa del Popolo de Bellinzone. J'ai été très remué par cette découverte, stupéfait de ne jamais avoir entendu parler avant de ce Bréguet, si proche puisqu'il était aussi allé au lycée à Lugano mais surtout de par sa jeunesse militante. Je suis pourtant quelqu'un qui s'informe beaucoup! Il m'est donc apparu que son histoire méritait d'être approfondie et pourrait intéresser un plus large public.</p> <p><strong>Dans le film, vous citez assez peu ce livre...</strong></p> <p>Il y a des citations au début, pour évoquer ses années de prison en Israël, de 1970 à 1977. Mais ce livre ne chronique justement que cette expérience-là. 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Après son arrestation en Israël, sa radicalisation est vraiment venue de ses longues années de prison – et encore, il n'en aura purgé que la moitié! Puis il s'est installé à Berlin avec sa première compagne, au bénéfice d'une bourse fédérale d'études universitaires... C'est à ce moment qu'il est entré en contact avec le terroriste Carlos, à l'époque le terroriste le plus recherché au monde.</p> <p><strong>A-t-on facilement accès aux archives le concernant, en tant que chercheur?</strong></p> <p>A Berne, aux Archives fédérales, ça s'est fait en plusieurs étapes. J'ai pu consulter presque tous les dossiers contre signature d'une promesse de non-divulgation. En plus du détail de sa surveillance, on y trouve même les photocopies de tous les documents est-allemands de la Stasi le concernant. Puis je suis retourné avec une demande plus précise d'utilisation de certains documents, en expliquant mon projet et son intérêt public. Ce qui n'a pas posé de problèmes. En fait, je pense que les derniers dossiers encore gardés secrets sont ceux liés à sa disparition.</p> <p><strong>Et pour essayer de retracer son parcours international?</strong></p> <p>Là, je me suis contenté d'archives de presse ou filmiques, comme l'INA. L'essentiel de son activité est alors souterraine et donc difficile à cerner. En Grèce, où il s'est insallé avec une deuxième compagne anglaise, je n'ai retrouvé que le lieu où il habitait – un village où tout le monde l'appréciait sans savoir vraiment qui il était. Mais j'ai eu la chance de pouvoir m'appuyer sur les recherches d'Adrian Hänni, qui apparaît dans le film et qui a eu accès à des archives des services secrets américains déclassifiées. C'est lui qui a révélé ce dernier chapitre inattendu du parcours de Bréguet dans son récent livre <i>Terroriste et agent de la CIA - l’incroyable histoire du Suisse Bruno Bréguet</i> (2023): désillusionné et «retourné» par la CIA, ou seulement en apparence?</p> <p><strong>Que retenez-vous essentiellement de toute cette histoire?</strong></p> <p>J'ai surtout compris que les engagements de ma génération, marquée par les manifestations anti-G8 de Gênes en 2001, l'altermondialisme, le combat écologiste ou la revendication d'espaces culturels alternatifs, n'ont rien de nouveau. Tout est lié, d'abord à travers des gens qui peuvent transmettre leur expérience, mais aussi par les concepts dont on hérite. J'ai également pu mesurer à quel point le contexte a changé. La génération de Bréguet était animée par l'idée qu'on pouvait encore changer le monde par la révolution, ce qui n'est plus le cas aujourd'hui. 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Avec le coming out d'Ellen Page, le petite actrice canadienne adoptée par Hollywood dans les années 2000 <i>(Hard Candy, Juno, Bliss, X-Men, Inception, Free Love,</i> etc.), on passe un nouveau cap. Disparue des radars depuis le catastrophique <i>Flatliners</i> de 2017, la/le voici qui ressurgit comme Elliot Page, au terme d'une transition déjà largement rendue publique par la publication de mémoires intitulées <i>Pageboy.</i> Et le film choisi pour entériner cette transition est... un drame de la transidentité. Bref, un geste hautement politique.</p> <p>Désormais, un site comme I'Internet Movie Data Base (imbd.com) ne s'autorise même plus à offrir de renvoi à partir du nom d'Ellen Page! Par contre, le film en question, <i>Close to You</i> de Dominic Savage, un ciné-téléaste britannique de 60 ans, a bien peu de chances de rester dans les mémoires. 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Lorsque surviennent coup sur coup deux événements inouïs, un retournement interne suivi d'un coup de théâtre externe, cette interrogation devient encore plus claire. Voulons-nous le chaos ou un semblant d'ordre, sommes-nous pour l'irresponsabilité ou pour un rappel aux actes commis?</p> <p>Les déçus affirment qu'il ne se passe quasiment rien dans ce film, qu'il n'est même pas cohérent avec son projet initial de «récit des origines». Pour ce qui est de l'action, on dira au contraire: quelle belle idée que ces personnages ramenés à une dimension réaliste, tellement plus intéressante que ces exploits répétitifs à base d'effets spéciaux. Après les images choc de la prise d'assaut du Capitole en 2021, ce retour de sobriété introspective était la meilleure chose à faire. 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