Média indocile – nouvelle formule
Norbert Creutz
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<p>Après un premier détour par la fiction tenté avec l'aide de sa compagne Marion Richoux, <i>Reprise en main</i> (ancré dans cette même réalité ouvrière, avec Pierre Deladonchamps et Laetitia Dosch), le voici qui revient au sujet de son premier film, <i>Trois frères pour une vie</i> (1999), portrait de paysans de son village. A l'époque, les trois frères restés célibataires étaient sur le point de transmettre leur exploitation laitière d’une centaine de bêtes à un neveu et son épouse. 25 ans plus tard, c'est cette dernière qui se prépare à la retraite, bientôt remplacée par des robots...</p>
<p>Riche idée que cette mise en regard entre hier et aujourd'hui, qui parle de pénibilité et de progrès, de sacrifices et de transmission, d'une vie de labeur comme on ne l'imagine plus guère. Simple et direct, mais réalisé dans une relation de proximité et de confiance rares, <i>La Ferme des Bertrand</i> n'en est que plus frappant, tout en abordant nombre de questions cruciales d'aujourd'hui. Entretien.</p>
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<p><strong>Norbert Creutz</strong>: <strong>Félicitations, <i>La Ferme des Bertrand</i> est votre plus gros succès à ce jour en France et le premier film à décrocher une vraie distribution en Suisse, via Filmccoopi Zurich...</strong></p>
<p><strong>Gilles Perret</strong>: En effet, et c'est assez inespéré! Il faut dire que la crise agricole actuelle nous a donné un sacré coup de pouce, même si le film ne parle bien sûr pas directement de ça. Soudain, j'ai eu accès à des médias qui ne s'étaient jamais intéressés à mon travail jusqu'ici. Et le bouche-à-oreille a particulièrement bien fonctionné. En France, on approche les 250'000 spectateurs, alors que d'habitude, je me situe dans une fourchette entre 100'000 et 200'000. Et pour la Suisse, tout finit par arriver. En fait, même en restant très local, j'aspire toujours à une forme d'universalité. Et les retours dans les débats qu'on a pu faire entre Bulle, La Chaux-de-Fonds ou Morges prouvent que la réalité des paysans d'ici n'est pas si différente.</p>
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<p><strong>GP</strong>: A l'époque, c'était juste la réalité que j'avais sous les yeux: j'ai grandi à 80 mètres de cette ferme! Depuis tout petit je suis monté sur le tracteur des frères Bertrand et je dois avoir passé des centaines d'heures avec eux. J'avais donc profité de cette proximité pour essayer de réaliser un film qui leur corresponde vraiment, qui soit attentif à leurs gestes et à leur façon de s'exprimer, en montrant que ce sont des gens qui ont su se projeter dans l'avenir. Pour la nouvelle génération, que j'ai connue comme bébés, le regard s'est un peu inversé, puisque là, c'est moi l'aîné.</p>
<p><strong>Marion Richoux</strong>: De mon côté, je suis d'Annecy. J'ai fait des études de cinéma et j'ai travaillé à la Cinémathèque des Pays de Savoie et de l'Ain. Je connaissais ce premier film de Gilles, <i>Trois frères pour une vie,</i> dont la frontalité m'avait frappée mais qui n'avait presque pas eu de visibilité. Je me disais que c'était dommage et quand, après <i>Reprise en main,</i> on a cherché quel serait le projet suivant, j'ai proposé d'y revenir. C'était l'occasion de parler de tout ce qui avait changé depuis.</p>
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<p><strong>On voit aussi dans le film une achive TV en noir et blanc avec les trois frères, Jean, Joseph et André, en 1972. D'où provient-elle?</strong></p>
<p><strong>GP</strong>: Elle figurait déjà dans le film de 1999. Je m'étais souvenu de l'événement qu'avait été la venue de la télé dans notre hameau – je devais avoir 4 ou 5 ans – et j'étais donc parti à sa recherche. Avant l'apparation de reportages télévisés plus formatés, c'était une sorte d'émission de promotion rurale à l'intention des paysans eux-mêmes, diffusée sur un créneau spécifique de FR3. Retrouver ça n'a pas été une mince affaire!</p>
<p><strong>MR</strong>: En fait, je pense que ces images ont aussi influencé Gilles dans sa manière de faire. On y sent une approche bienveillante, pas intimidante, qui laisse un vrai temps de parole et permet d'aborder des questions existentielles tout sauf évidentes.</p>
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<p><strong>A l'encontre de la crise agricole actuelle, on découvre ici une agriculture de montagne qui s'en sort plutôt bien. D'où peut-être votre film le moins militant à ce jour!</strong></p>
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<p><strong>MR</strong>: Il a bien fallu se focaliser sur la ferme, la question de sa survie économique et de sa transmission. Si la nouvelle génération est parvenue à prendre sa place dans le film, ce n'était pas du tout évident au début, face à des personnages tels que ces trois oncles! Au bout du compte, malgré les inévitables «oublis», ils se sont tous déclarés satisfaits de l'image qu'on donne du métier. Même le vieil André, en général si négatif.</p>
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Depuis son hameau de Quincy (commune de Mieussy) niché derrière le Môle, une montagne bien connue des habitants du bout du Léman, il mène une carrière unique en son genre, qui prouve qu'on peut traiter du global à partir du local. En témoignent une vingtaine de titres, dont une dizaine de longs-métrages de <i>Ma Mondialisation</i> (2006), sur l'industrie du décolletage dans la vallée de l'Arve toute proche, à deux films récents avec le député Insoumis François Ruffin <i>(J'veux du soleil!</i> et <i>Debout les femmes!).</i></p> <p>Après un premier détour par la fiction tenté avec l'aide de sa compagne Marion Richoux, <i>Reprise en main</i> (ancré dans cette même réalité ouvrière, avec Pierre Deladonchamps et Laetitia Dosch), le voici qui revient au sujet de son premier film, <i>Trois frères pour une vie</i> (1999), portrait de paysans de son village. A l'époque, les trois frères restés célibataires étaient sur le point de transmettre leur exploitation laitière d’une centaine de bêtes à un neveu et son épouse. 25 ans plus tard, c'est cette dernière qui se prépare à la retraite, bientôt remplacée par des robots...</p> <p>Riche idée que cette mise en regard entre hier et aujourd'hui, qui parle de pénibilité et de progrès, de sacrifices et de transmission, d'une vie de labeur comme on ne l'imagine plus guère. Simple et direct, mais réalisé dans une relation de proximité et de confiance rares, <i>La Ferme des Bertrand</i> n'en est que plus frappant, tout en abordant nombre de questions cruciales d'aujourd'hui. Entretien.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1714035944_lafermedesbertrand1.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Le réalisateur Gilles Perret. © DR</em></h4> <hr /> <p><strong>Norbert Creutz</strong>: <strong>Félicitations, <i>La Ferme des Bertrand</i> est votre plus gros succès à ce jour en France et le premier film à décrocher une vraie distribution en Suisse, via Filmccoopi Zurich...</strong></p> <p><strong>Gilles Perret</strong>: En effet, et c'est assez inespéré! Il faut dire que la crise agricole actuelle nous a donné un sacré coup de pouce, même si le film ne parle bien sûr pas directement de ça. Soudain, j'ai eu accès à des médias qui ne s'étaient jamais intéressés à mon travail jusqu'ici. Et le bouche-à-oreille a particulièrement bien fonctionné. En France, on approche les 250'000 spectateurs, alors que d'habitude, je me situe dans une fourchette entre 100'000 et 200'000. Et pour la Suisse, tout finit par arriver. En fait, même en restant très local, j'aspire toujours à une forme d'universalité. Et les retours dans les débats qu'on a pu faire entre Bulle, La Chaux-de-Fonds ou Morges prouvent que la réalité des paysans d'ici n'est pas si différente.</p> <p><strong>Vous-même n'êtes pas d'une famille paysanne, mais ouvrière. Pourtant, vous revenez ici sur des gens que vous aviez déjà filmés à vos débuts?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, c'était juste la réalité que j'avais sous les yeux: j'ai grandi à 80 mètres de cette ferme! Depuis tout petit je suis monté sur le tracteur des frères Bertrand et je dois avoir passé des centaines d'heures avec eux. J'avais donc profité de cette proximité pour essayer de réaliser un film qui leur corresponde vraiment, qui soit attentif à leurs gestes et à leur façon de s'exprimer, en montrant que ce sont des gens qui ont su se projeter dans l'avenir. Pour la nouvelle génération, que j'ai connue comme bébés, le regard s'est un peu inversé, puisque là, c'est moi l'aîné.</p> <p><strong>Marion Richoux</strong>: De mon côté, je suis d'Annecy. J'ai fait des études de cinéma et j'ai travaillé à la Cinémathèque des Pays de Savoie et de l'Ain. Je connaissais ce premier film de Gilles, <i>Trois frères pour une vie,</i> dont la frontalité m'avait frappée mais qui n'avait presque pas eu de visibilité. Je me disais que c'était dommage et quand, après <i>Reprise en main,</i> on a cherché quel serait le projet suivant, j'ai proposé d'y revenir. C'était l'occasion de parler de tout ce qui avait changé depuis.</p> <p><strong>GP</strong>: En fait, tout est parti de Suisse, parce que ce premier film autoproduit a été primé au Festival du film alpin des Diablerets et de ce fait, acheté pour une version raccourcie par la TSR. C'est cet achat qui a lancé la machine... </p> <p><strong>On voit aussi dans le film une achive TV en noir et blanc avec les trois frères, Jean, Joseph et André, en 1972. D'où provient-elle?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Elle figurait déjà dans le film de 1999. Je m'étais souvenu de l'événement qu'avait été la venue de la télé dans notre hameau – je devais avoir 4 ou 5 ans – et j'étais donc parti à sa recherche. Avant l'apparation de reportages télévisés plus formatés, c'était une sorte d'émission de promotion rurale à l'intention des paysans eux-mêmes, diffusée sur un créneau spécifique de FR3. Retrouver ça n'a pas été une mince affaire!</p> <p><strong>MR</strong>: En fait, je pense que ces images ont aussi influencé Gilles dans sa manière de faire. On y sent une approche bienveillante, pas intimidante, qui laisse un vrai temps de parole et permet d'aborder des questions existentielles tout sauf évidentes.</p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, j'avais encore tout à apprendre. Je me suis formé sur le tas, avec une approche très télé-journalistique. C'est intuitivement que j'ai découvert qu'en me plaçant à hauteur d'homme, dans une interaction naturelle et sans pression, cela fonctionnait mieux. Dès qu'il y a trop de gens, ça peut devenir le bazar. Depuis, j'ai continué de tout faire tout seul, l'image et le son – sauf pour des scènes de groupe où il faut forcément une perche. Ce qu'on perd en qualité technique, on le gagne largement en termes de prise de parole et de réactivité.</p> <p><strong>A l'encontre de la crise agricole actuelle, on découvre ici une agriculture de montagne qui s'en sort plutôt bien. D'où peut-être votre film le moins militant à ce jour!</strong></p> <p><strong>GP</strong>: C'est vrai. Contre les discours politiques qui simplifient, cela rappelle qu'il existe en France beaucoup de réalités rurales très différentes. Ici, derrière les trois frères qui ont souffert pour tout mettre en place, on a une génération qui a vraiment choisi ce métier et qui en vit bien, parvenant à réinvestir sans surendettement. A priori, on peut ne pas voir la robotisation de la traite d'un très bon œil, mais de leur point de vue c'est un réel progrès. Leur modèle fonctionne bien, sous la protection de l'AOC Reblochon. Car il faut se rendre compte que c'est grâce à elle que leur lait est payé deux fois plus cher qu'un lait de plaine, qui lui est en concurrence avec d'autres laits européens.... Même si ce n'est pas explicite dans le film, je tiens à ramener cette dimension politique dans les débats. Alors que de nombreux paysans clament qu'ils veulent moins de règles, surtout environnementales, ici, ce sont bien les règles contraignantes édictées par l'AOC qui les protègent!</p> <p><strong>MR</strong>: C'est un film où il y a beaucoup de thèmes sous-jacents, en particulier du fait que tout est appréhendé sur le temps long. Le montage non-chronologique, qui fait des retours dans le passé, permet de se rendre compte de tout ce qui a évolué. Cadré sous le même angle, le paysage n'a peut-être pas changé, mais on voit la ferme se moderniser, le travail se mécaniser, les gens prendre de l'âge et la vie passer...</p> <p><strong>Tout documentaire est forcément sélectif. Ici, on se demande ce que ces paysans font à part travailler du matin au soir. Il n'y a donc pas de place pour d'autres passions?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Les trois frères n'ont pas vraiment connu de loisirs, encore moins pris de vacances. Et l'heure de la retraite arrivée, ils n'en manifestent pas le désir. Mais c'était des gens étonnamment érudits et intéressés, capables de discuter d'autres sujets que juste leur travail! Le grand-père était un grand lecteur et il leur avait transmis ça. André, celui qui est encore en vie et qui tire un bilan plutôt amer de leur existence, sans femmes pour la partager, lit toujours le <i>Courrier International!</i> Ils ont aussi un peu regardé la TV, même si on ne la voit pas: elle était cachée dans un coin sous un tissu, dans cet intérieur d'une totale austérité.</p> <p><strong>MR</strong>: Il a bien fallu se focaliser sur la ferme, la question de sa survie économique et de sa transmission. Si la nouvelle génération est parvenue à prendre sa place dans le film, ce n'était pas du tout évident au début, face à des personnages tels que ces trois oncles! Au bout du compte, malgré les inévitables «oublis», ils se sont tous déclarés satisfaits de l'image qu'on donne du métier. Même le vieil André, en général si négatif.</p> <p><strong>Les thèmes du regroupement des terres, de la construction galopante, de l'écologie et du réchauffement climatique sont juste effleurés. Que peut-on en dire?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Le regroupement foncier s'est fait naturellement, en parallèle à la mécanisation. A présent, les Bertrand possèdent la moitié des terres à Quincy et gèrent tout le reste. Mais si le hameau est resté inchangé, au contraire d'autres villages de la même commune où la population a doublé, c'est bien grâce à son classement comme terrain agricole. Encore une règle salutaire! Parce qu'entre l'industrie de la vallée de l'Arve, le tourisme et la proximité de Genève, la pression démographique est très forte dans la région. Sans même parler des résidences secondaires...</p> <p><strong>MR</strong>: Même si André paraît se moquer de ces écologistes citadins, il faut aussi voir que dans la pratique, on trouverait difficilement plus vertueux que lui! En termes de bilan carbone, on est tous loin derrière, même si la nouvelle génération n'en est évidemment plus là non plus. Dans le film, on voit encore comment l'entretien du paysage et le bien-être de leurs vaches leur ont toujours tenu à cœur. Comme quoi les paysans ne sont pas forcément les ennemis de l'écologie.</p> <p><strong>GP</strong>: Quant au réchauffement climatique, je dirais qu'ils ne sont pas dans la panique, plutôt dans l'anticipation. Les foins se font déjà plus tôt dans l'année et les retours à l'étable plus tard. Alors, ils se préparent à des années avec «deux hivers»: c'est-à dire qu'en plein été aussi il va falloir rentrer les vaches pendant un ou deux mois. Cela paraît inéluctable quand on voit toute la neige qui a déjà disparu en hiver, les pics de chaleur et la sécheresse qui commence à s'installer en été. En fait, il me semble que nous sommes plutôt plus inquiets qu'eux: trente degrés en avril l'autre jour à Morges, ce n'est pas vraiment rassurant!</p> <hr /> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/HEuj2tlBWxw?si=hqtciVWRIo7iR2WG" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p> <h4>«La Ferme des Bertrand», documentaire de Gilles Perret (France, 2024). 1h22</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 're-localisation-au-pays-du-reblochon', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 8, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 2414, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'tags' => [ (int) 0 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Tag) {} ], 'attachments' => [ (int) 0 => object(Cake\ORM\Entity) {} ], 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ '*' => true, 'id' => false ], '[dirty]' => [], '[original]' => [], '[virtual]' => [], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [], '[invalid]' => [], '[repository]' => 'Posts' }count - [internal], line ?? 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Culture / (Re)localisation au pays du Reblochon
Sur les écrans depuis une semaine, le documentaire français «La Ferme des Bertrand» nous rapproche d'un monde rural trop ignoré. Son grand atout est de travailler sur trois temps, retraçant ainsi cinquante ans d'évolutions dans une ferme d'élevage de Haute-Savoie où – surprise – tout ne va pas si mal. Rencontre avec ses auteurs, Gilles Perret et Marion Richoux.
Norbert Creutz
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'content' => '<p>D'abord, un terrible aveu, celui de n'avoir pas lu un seul livre de Christine Angot et de m'être contenté du brouhaha médiatique la concernant. C'est mal, je sais, mais c'est aussi la réalité du critique de cinéma, qui trouve trop peu le temps pour lire et ne se jette pas forcément sur la dernière auto-fiction en vogue. De loin, il m'est juste apparu qu'Angot avait ouvert les vannes à un moment où la dénonciation d'abus sexuels était tout sauf évidente – grâce lui en soit rendue. Et aussi que la question de son importance littéraire restait suspendue, forcément en retrait des polémiques. Puis le cinéma a commencé à s'intéresser à elle, Laëtitia Masson (non-)adaptant de manière originale <i>Pourquoi (pas) le Brésil</i> bien avant qu'une Claire Denis peu inspirée n'illustre ses scénarios <i>Un Beau soleil intérieur</i> et <i>Avec amour et acharnement.</i> Quant à l'adaptation d'<i>Un amour impossible</i> par Catherine Corsini, elle est hélas restée inédite sous nos cieux.</p>
<p>Tout cela pour dire que lorsque dame Angot décide de faire un film, ce n'est pas en oie blanche qu'elle débarque, mais entourée de grands professionnels, de ses producteurs (Alice Girard et Bertrand Faivre) à sa cheffe opératrice (Caroline Champetier). Et qu'il convient donc de prendre le résultat au sérieux, d'autant plus qu'elle est devenue une icône pour toute une nouvelle vague féminine. L'ennui, c'est qu'<i>Une Famille</i> est aussi la suite de sa vingtaine de productions littéraires et que forcément, si on a manqué les épisodes précédents, la perception s'en ressent. Est-ce la raison pour laquelle j'ai ressenti un fort tiraillement entre adhésion et réserves, bien loin du concert de louanges des collègues français?</p>
<h3>Demander des comptes</h3>
<p>Dans ce film, Christine Angot va en gros demander des comptes à ceux auxquels elle reproche de n'être pas intervenus lorsqu'elle a subi un inceste de la part de son père, entre 13 et 16 ans, alors qu'elle et lui venaient de faire connaissance (il avait quitté sa mère et Châteauroux avant sa naissance). Le déclencheur est un passage par Strasbourg, où vit l'épouse de son père décédé en 1999. Appliquant la méthode du pied dans la porte, Angot force l'entrée et confronte (avec caméra et perche son) une dame d'un certain âge. N'obtenant que de vagues excuses de cette digne bourgeoise germanique qui prétend n'avoir rien su de l'inceste qui a eu lieu sous ce même toit, elle repart à peine moins fâchée. Qui croire? La violence employée ne plaide pas forcément en faveur de celle qui réclame des excuses...</p>
<p>Suit heureusement toute une remise en contexte, avec narration en voix off et images d'archives familiales qui montrent l'enfant puis la belle jeune femme, épouse et mère, que Christine Angot a aussi été. Les mots choisis sonnent juste, les images habilement amenées touchent, sa jeunesse saccagée ne fait aucun doute derrière une apparence faussement tranquille. S'ensuivent d'autres rencontres, avec son ex-mari, sa mère et pour finir sa propre fille, qui justifient pleinement le titre d'<i>Une famille.</i> Drôle de famille, ou plutôt infiniment triste.</p>
<h3>Posture victimaire problématique</h3>
<p>Et puis, il y a aussi l'évocation du tribunal médiatique qu'Angot a subi depuis la publication de <i>L'Inceste,</i> en 1999. Pièce à conviction, cet extrait devenu célèbre qui la voit quitter le plateau de l'émission <i>Tout le monde en parle</i> alors que Thierry Ardisson insiste qu'ils «s'amusaient si bien». Là, on est totalement de son côté et on les bafferait tous volontiers. Mais n'est-ce pas la même Angot qui un peu plus tard, «bonne cliente» du petit écran malgré tout, alla jusqu'à en devenir une chroniqueuse zélée? Bref, il y a là une dimension de plaidoyer <em>pro</em> <em>domo</em> sélectif dont il convient de de pas être dupe.</p>
<p>La rencontre la plus révélatrice est celle, douce-amère, avec son ex-mari, qui fut lui-même victime d'un viol dans son enfance. Survient alors ce moment où elle lui reproche de ne pas être intervenu alors que, dans leur maison à Nice, elle «rechutait» avec son père à l'étage. Lui se défend en affirmant que c'était par respect pour sa personne, supposant qu'à ce moment de sa vie elle devait savoir ce qu'elle faisait. Ignoble lâcheté ou au contraire retenue admirable? Apparaît alors, aveuglante, l'infinie complexité de ces histoires d'emprise et de consentement, de désir et de honte, de demande d'amour et de responsabilité qui peut fluctuer avec le temps. Car à ce moment, qui est la victime, surtout si cette histoire a mené à l'éclatement de leur couple?</p>
<p>Toute à sa posture victimaire, Christine Angot ne peut envisager un regard extérieur différent du sien, admettre ne serait-ce qu'une hésitation. Lorsqu'elle fait intervenir son compagnon antillais, le musicien Charly Clovis, c'est pire encore: elle lui coupe simplement la parole par une coupe de montage. Apparemment, sa réponse était hors sujet ou alors ne lui a pas convenu... La seule question qui vaille vraiment, elle la pose en fin de compte à nous tous: «Comment un homme peut-il faire ça, se l'autoriser moralement?» Autrement dit, comment un homme peut-il abuser d'une enfant qui, de surcroît, est sa propre fille? En l'absence de l'intéressé, nous n'en aurons jamais la réponse. Dès lors, à moins d'aller la chercher dans d'autres histoires, l'écrivain-cinéaste autocentrée se condamne à tourner en rond.</p>
<h3>Creuser son trou ou en sortir</h3>
<p>«J'en ai marre de parler de ça, j'en ai marre que mon travail soit envahi par ça…» se lamente vers la fin Christine Angot, aujourd'hui 65 ans. Et encore une fois, ses accents sonnent parfaitement sincères. Mais la réalité, c'est qu'on peut aussi la soupçonner d'avoir creusé son propre trou, de se complaire dans ce malheur, surtout depuis qu'il est devenu la clé de son succès. Même la prise de connaissance du journal intime de sa mère, qui s'arrête le jour où celle-ci a décidé de passer à autre chose après trop de malentendus, ne saurait l'aider. Elle-même ne peut ou ne veut pas. Un peu de baume sur son cœur n'arrive que lorsque sa popre fille trouve enfin les mots qu'elle attendait: «Maman, je suis si désolée qu'il te soit arrivé ça.» Retrouvailles émouvantes sur fond de Méditerrannée apaisante.</p>
<p>A l'évidence, c'est aussi mis en scène que le final d'un autre remarquable documentaire actuellement sur nos écrans, <i>Joan Baez – I Am a Noise,</i> où l'on découvrait avec stupéfaction qu'elle aussi, apparemment... Sauf que la chanteuse américaine, militante généreuse de toutes les causes, l'avait occulté jusqu'au déni dans un contexte familial pour finir lui aussi saccagé. Ce sont là deux attitudes très différentes qui se répondent, dans deux films très contrôlés (même si Joan Baez n'est pas officiellement réalisatrice du sien). L'essentiel est de ne pas perdre de vue que même dans un documentaire, tout est affaire de construction d'une image et d'un récit qu'on veut transmettre et qui n'est pas forcément toute la réalité.</p>
<hr />
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Et aussi que la question de son importance littéraire restait suspendue, forcément en retrait des polémiques. Puis le cinéma a commencé à s'intéresser à elle, Laëtitia Masson (non-)adaptant de manière originale <i>Pourquoi (pas) le Brésil</i> bien avant qu'une Claire Denis peu inspirée n'illustre ses scénarios <i>Un Beau soleil intérieur</i> et <i>Avec amour et acharnement.</i> Quant à l'adaptation d'<i>Un amour impossible</i> par Catherine Corsini, elle est hélas restée inédite sous nos cieux.</p> <p>Tout cela pour dire que lorsque dame Angot décide de faire un film, ce n'est pas en oie blanche qu'elle débarque, mais entourée de grands professionnels, de ses producteurs (Alice Girard et Bertrand Faivre) à sa cheffe opératrice (Caroline Champetier). Et qu'il convient donc de prendre le résultat au sérieux, d'autant plus qu'elle est devenue une icône pour toute une nouvelle vague féminine. L'ennui, c'est qu'<i>Une Famille</i> est aussi la suite de sa vingtaine de productions littéraires et que forcément, si on a manqué les épisodes précédents, la perception s'en ressent. Est-ce la raison pour laquelle j'ai ressenti un fort tiraillement entre adhésion et réserves, bien loin du concert de louanges des collègues français?</p> <h3>Demander des comptes</h3> <p>Dans ce film, Christine Angot va en gros demander des comptes à ceux auxquels elle reproche de n'être pas intervenus lorsqu'elle a subi un inceste de la part de son père, entre 13 et 16 ans, alors qu'elle et lui venaient de faire connaissance (il avait quitté sa mère et Châteauroux avant sa naissance). Le déclencheur est un passage par Strasbourg, où vit l'épouse de son père décédé en 1999. Appliquant la méthode du pied dans la porte, Angot force l'entrée et confronte (avec caméra et perche son) une dame d'un certain âge. N'obtenant que de vagues excuses de cette digne bourgeoise germanique qui prétend n'avoir rien su de l'inceste qui a eu lieu sous ce même toit, elle repart à peine moins fâchée. Qui croire? La violence employée ne plaide pas forcément en faveur de celle qui réclame des excuses...</p> <p>Suit heureusement toute une remise en contexte, avec narration en voix off et images d'archives familiales qui montrent l'enfant puis la belle jeune femme, épouse et mère, que Christine Angot a aussi été. Les mots choisis sonnent juste, les images habilement amenées touchent, sa jeunesse saccagée ne fait aucun doute derrière une apparence faussement tranquille. S'ensuivent d'autres rencontres, avec son ex-mari, sa mère et pour finir sa propre fille, qui justifient pleinement le titre d'<i>Une famille.</i> Drôle de famille, ou plutôt infiniment triste.</p> <h3>Posture victimaire problématique</h3> <p>Et puis, il y a aussi l'évocation du tribunal médiatique qu'Angot a subi depuis la publication de <i>L'Inceste,</i> en 1999. Pièce à conviction, cet extrait devenu célèbre qui la voit quitter le plateau de l'émission <i>Tout le monde en parle</i> alors que Thierry Ardisson insiste qu'ils «s'amusaient si bien». Là, on est totalement de son côté et on les bafferait tous volontiers. Mais n'est-ce pas la même Angot qui un peu plus tard, «bonne cliente» du petit écran malgré tout, alla jusqu'à en devenir une chroniqueuse zélée? Bref, il y a là une dimension de plaidoyer <em>pro</em> <em>domo</em> sélectif dont il convient de de pas être dupe.</p> <p>La rencontre la plus révélatrice est celle, douce-amère, avec son ex-mari, qui fut lui-même victime d'un viol dans son enfance. Survient alors ce moment où elle lui reproche de ne pas être intervenu alors que, dans leur maison à Nice, elle «rechutait» avec son père à l'étage. Lui se défend en affirmant que c'était par respect pour sa personne, supposant qu'à ce moment de sa vie elle devait savoir ce qu'elle faisait. Ignoble lâcheté ou au contraire retenue admirable? Apparaît alors, aveuglante, l'infinie complexité de ces histoires d'emprise et de consentement, de désir et de honte, de demande d'amour et de responsabilité qui peut fluctuer avec le temps. Car à ce moment, qui est la victime, surtout si cette histoire a mené à l'éclatement de leur couple?</p> <p>Toute à sa posture victimaire, Christine Angot ne peut envisager un regard extérieur différent du sien, admettre ne serait-ce qu'une hésitation. Lorsqu'elle fait intervenir son compagnon antillais, le musicien Charly Clovis, c'est pire encore: elle lui coupe simplement la parole par une coupe de montage. Apparemment, sa réponse était hors sujet ou alors ne lui a pas convenu... La seule question qui vaille vraiment, elle la pose en fin de compte à nous tous: «Comment un homme peut-il faire ça, se l'autoriser moralement?» Autrement dit, comment un homme peut-il abuser d'une enfant qui, de surcroît, est sa propre fille? En l'absence de l'intéressé, nous n'en aurons jamais la réponse. Dès lors, à moins d'aller la chercher dans d'autres histoires, l'écrivain-cinéaste autocentrée se condamne à tourner en rond.</p> <h3>Creuser son trou ou en sortir</h3> <p>«J'en ai marre de parler de ça, j'en ai marre que mon travail soit envahi par ça…» se lamente vers la fin Christine Angot, aujourd'hui 65 ans. Et encore une fois, ses accents sonnent parfaitement sincères. Mais la réalité, c'est qu'on peut aussi la soupçonner d'avoir creusé son propre trou, de se complaire dans ce malheur, surtout depuis qu'il est devenu la clé de son succès. Même la prise de connaissance du journal intime de sa mère, qui s'arrête le jour où celle-ci a décidé de passer à autre chose après trop de malentendus, ne saurait l'aider. Elle-même ne peut ou ne veut pas. Un peu de baume sur son cœur n'arrive que lorsque sa popre fille trouve enfin les mots qu'elle attendait: «Maman, je suis si désolée qu'il te soit arrivé ça.» Retrouvailles émouvantes sur fond de Méditerrannée apaisante.</p> <p>A l'évidence, c'est aussi mis en scène que le final d'un autre remarquable documentaire actuellement sur nos écrans, <i>Joan Baez – I Am a Noise,</i> où l'on découvrait avec stupéfaction qu'elle aussi, apparemment... Sauf que la chanteuse américaine, militante généreuse de toutes les causes, l'avait occulté jusqu'au déni dans un contexte familial pour finir lui aussi saccagé. Ce sont là deux attitudes très différentes qui se répondent, dans deux films très contrôlés (même si Joan Baez n'est pas officiellement réalisatrice du sien). 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Culture / Le film de madame Angot
Salué par une presse unanime, «Une Famille» de Christine Angot est un premier film qui prouve surtout le nouveau statut d'intouchable de son auteure, quasiment sanctifiée par le mouvement #MeToo. Pourtant, c'est un «auto-documentaire» passionnant qui mérite qu'on s'y attarde avec un minimum de circonspection.
Norbert Creutz
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<p>Car on en est là. Depuis cette présentation désastreuse hors compétition à la dernière Mostra, précédée d'appels au boycott, plus personne ne semble vouloir de ce film. Déjà son tournage à Gstaad, avec un montage financier acrobatique suite au désistement de nombreuses vedettes, fut tout sauf simple. Malgré l'aura du cinéaste palmé et oscarisé de <i>The Pianist</i> et de son co-scénariste Jerzy Skolimowski <i>(EO),</i> le projet était devenu comme pestiféré déjà avant le premier clap. Et à présent que toute chance de succès commercial a disparu, c'est la débandade.</p>
<p>Certes, <i>The Palace </i>est encore sorti plus ou moins normalement dans une poignée de pays (Italie, Pologne, Russie, Hongrie, Suède et Allemagne). Mais dans le monde anglo-saxon, personne n'ose s'en approcher, surtout après son assassinat en règle par les donneurs de ton <i>Variety, The Hollywood Reporter</i> et <i>Screen.</i> En France, après six mois de tergiversations, seule une petite compagnie spécialisée dans la réédition de classiques américains, Swashbuckler Films, a fini par assumer le risque d'une distribution, en espérant que suffisamment de salles suivront d'ici la date annoncée du 15 mai. Et en Suisse, autre pays co-producteur derrière l'Italie et la Pologne? Ici aussi, c'est un mini-distributeur occasionnel, Mont-Blanc, qui est venu à la rescousse, sortant d'abord le film en Suisse allemande le 18 janvier (flop à 4'600 d'entrées) tandis que presque tous les exploitants romands se défilaient. Même notre Cinémathèque se cache courageusement. Ne reste pour l'instant plus que le Ciné 17 de Genève, qui sort le film le 10 avril – qu'on se le dise.</p>
<h3>C'est quoi, ce <i>Palace?</i></h3>
<p>Car enfin, ce n'est «que» d'une œuvre qu'il sagit, pas d'anciennes affaires de mœurs sur lesquelles nous n'avons ni les moyens ni l'autorité pour juger! Et <i>The Palace,</i> malgré tous les bâtons mis dans ses roues, vaut largement le détour. Peut-être que seuls ceux qui se souviennent encore de <i>What? </i>(1972), la dernière franche comédie de Polanski, comprendront vraiment d'où sort ce film absurde et grotesque, cosmopolite en diable et peuplé de monstres tous plus ou moins escrocs. Après une villa isolée au bord la Méditerranée, c'est dans un grand hôtel de l'Oberland bernois – à Gstaad, où il possède un chalet et passa une année en résidence surveillée sous la menace d'une extradition aux Etats-Unis – que notre auteur a situé sa nouvelle farce. Et à la place de son vieux complice Gérard Brach, décédé en 2006, c'est cette fois son ami de jeunesse Skolimowski qui, avec son épouse Ewa Piaskowska, co-signe le scénario. Soixante ans après leur mémorable collaboration du <i>Couteau dans l'eau,</i> un bel exemple de fidélité.</p>
<p>Pays hôte, la Suisse n'en sort pas grandie, et on peut dès lors comprendre que la Confédération n'ait pas lâché le moindre centime au courageux co-producteur CAB Films. Mais elle n'est de loin pas la seule à en prendre pour son grade dans ce qui s'apparente à un grand jeu de massacre géopolitique. Seul épargné, ce «reste du monde», pays du Golfe, Chine, Inde ou Brésil, qui n'a atteint le statut puissance mondiale qu'après l'an 2000. Ce règlement de comptes est donc avec l'ancien monde, celui du XXème siècle qu'a traversé Polanski, aujourd'hui âgé de 90 ans. Mais il concerne tout autant une certaine «belle» société huppée qu'il a aussi côtoyée. Et là, il y a peu de chances que quoi que ce soit ait changé depuis, les nouveaux riches valant bien les anciens.</p>
<h3>Jeunesse qui s'enfuit, argent aux abris</h3>
<p>Tout commence donc avec l'arrivée des convives pour un réveillon du millénaire qui s'annonce festif tandis que le personnel s'active pour leur accueil. Hansueli Kopf, l'impeccable directeur du palace (Oliver Masucci, un des principaux acteurs allemands actuels), sera particulièrement mis à contribution. Il est le clown blanc de l'affaire, qui se plie aux exigences les plus extravagantes de ses hôtes, arrangeant des services discrets par-ci et éteignant des incendies par-là avec l'aide de ses adjoints Tonino (Fortunato Cerlino) et Mrs. Frautschi (Beatrice Frey). Et parmi les habitués déjà installés, qui d'autre pour ouvrir le bal que... Sydne Rome, l'héroïne de <i>What?</i></p>
<p>Las! Ex-beauté d'une fraîcheur exquise, cette juive américaine installée en Italie n'est plus que l'ombre d'elle-même après trop de passages sous les bistouris (à sa décharge, dans la vie réelle, c'est suite à un accident de voiture lors duquel un airbag lui explosa au visage). Vitrine de tous les autres «monstres» à venir, elle remercie un certain Dr. Lima (Joaquim de Almeida, star portugaise du cinéma international) pour les années de jeunesse qu'il lui aurait fait gagner. Très demandé, ce prince de la chirurgie esthétique ne se souvient pas des noms de ses innombrables patientes, plus préoccupé qu'il est par une épouse gagnée par Alzheimer. Claquemurée dans sa suite, une autre de ses clientes, une marquise française (Fanny Ardant), voue son affection à son petit chien Mr. Toby. Mais un souci d'écoulement lui fait bientôt reporter son intérêt sur Karol, un beau plombier polonais.</p>
<p>Et ainsi vogue la comédie, de chambre en chambre et de nouvel arrivant en nouvelle crise. Il y a là l'octogéraire milliardaire américain Arthur William Dallas III (John Cleese, des Monty Python) et Magnolia, sa jeune épouse texane enveloppée (la non moins britannique Bronwyn James), surtout intéressée à hériter. Autre Américain quoique d'âge indéfinissable grâce à sa moumoute et son fond de teint orangé, Bill Crush (Mickey Rourke, ou ce qu'il en reste) est un escroc qui s'est invité sans réservation pour faire affaire avec Jacob Tell (Milan Peschel, autre excellent comédien allemand), un timide banquier suisse. Mais qui est donc ce Vaclav, surgi de quelque pays d'Europe centrale avec femme et enfants, qui se présente soudain comme son fils? A l'autre bout du spectre, voici un groupe de jeunes et bruyants oligarques russes avec leurs blondes escorts venus retrouver un ambassadeur corrompu avec des sacs remplis de billets à «blanchir». Trop volumineux pour être accueillis par le safe de l'hôtel, ils trouveront place dans l'abri anti-atomique...</p>
<h3>La vanité des monstres</h3>
<p>On peut trouver le trait gros, mais la caricature à la Daumier est précise et cruelle, de même que la mise en scène reste affûtée. Par moments, Polanski manque visiblement de moyens (l'envol depuis un balcon qui révèle enfin l'ensemble du bâtiment, réalisé en effets spéciaux) et ses blagues ne sont pas toujours du meilleur goût, comme celles concernant le signor Minetti, alias Bongo, ancienne star du porno bien membré (Luca Barbareschi, complice de longue date et principal producteur du film). Mais un pansement bien placé en souvenir de <i>Chinatown</i> a tôt fait de nous le rendre plus amusant. En fait, tous se valent dans cette grande course à l'argent, contre le temps qui file et qui finira tout de même par les rattraper.</p>
<p>Mr. Crush veut convaincre Tell de parier avec lui sur le «bug» informatique prédit pour l'an 2000. A la télévision, en direct, un Boris Eltsine épuisé passe la main à un jeune successeur prometteur, un certain Vladimir Poutine, lequel assure un peu plus tard à tous la protection d'un Etat de droit. Un pingouin offert par le vieux milliardaire à sa petit-fille – pardon, sa jeune épouse – s'échappe dans les couloirs de l'hôtel, pauvre petit intrus dans ce monde de fous. Pour finir, il y aura des morts, mais on ne dévoilera pas ici lesquelles. Par contre, il n'y pas de mal à révéler que, de manière parfaitement réaliste, les riches resteront riches et la Suisse saura en profiter. Quant à Tell, il sortira de là tout ébaudi, déclarant avoir vécu là «la plus belle soirée de sa vie». Clin d'œil au titre du film qu'Ettore Scola tira en 1972 de <i>La Panne</i> de Friedrich Dürrenmatt?</p>
<p>Toujours est-il que c'est bien la satire jusqu'au-boutiste des dernières grandes comédies italiennes qui vient ici à l'esprit (bien plus que les récents <i>Youth</i> de Paolo Sorrentino ou <i>Sans filtre/Triangle of Sadness</i> de Ruben Östlund). C'est comme si Polanski avait choisi de rester un cinéaste du siècle passé, pour le meilleur et pour le pire. Quant à l'humour, il n'y a bien sûr rien de plus personnel. Par le passé, il est arrivé au cinéaste de toucher le grand public <i>(Cul-de-sac, Le Bal des vampires)</i> comme de rater sa cible <i>(What?, Pirates). </i>Pour notre part, nous nous sommes bien amusés. En tous cas, ne croyez pas ceux qui clament que Polanski serait soudain devenu gâteux et aurait perdu tout talent. Secondé par ses fidèles collaborateurs, le monteur Hervé de Luze (12ème film en commun), le chef opérateur Pawel Edelman (8ème) et le compositeur Alexandre Desplat (6ème), réunis depuis <i>The Ghost Writer</i> et ses ennuis helvétiques de 2009, cet éternel fugitif a réalisé le film qu'il voulait. Sans doute le dernier d'un esprit libre, qui aura estimé qu'il n'avait plus rien à perdre.</p>
<hr />
<p>(<strong>Rédaction</strong>) <em>Nous apprenons que le producteur-délégué du film de Polanski, Jean-Louis Porchet, a été victime d’un grave accident de circulation le dimanche 24 mars, près de Rivaz. Il se trouve dans un état grave au CHUV, à Lausanne. Sa société, CAB-Productions, établie à Lausanne, connaît de sérieuses difficultés en raison du boycott dans quasiment toutes les salles suisses de cette œuvre tournée à Gstaad, avec un grand nombre de techniciens locaux. Ce qui d’ailleurs, outre la notoriété du réalisateur, n’a pas suffi à convaincre la RTS, Cinéforom et l’Office fédéral de la Culture de soutenir le projet. Il a néanmoins pu voir le jour grâce à des coproducteurs italiens et polonais, ainsi qu’avec l’appui de mécènes suisses.</em></p>
<hr />
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<h4>«The Palace» de Roman Polanski (Italie / Pologne / Suisse / France, 2023), avec Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Bronwyn James, Mickey Rourke, Milan Peschel, Joaquim de Almeida, Luca Barbareschi, Fortunato Cerlino, Alexander Petrov. 1h40</h4>',
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Non, il ne s'agit pas d'un grand film et pourtant, il y a là une liberté de ton, une capacité à mêler burlesque raffiné et mauvais goût le plus trash, à concilier un cynisme apparemment total et un regard moral, qui fait le plus grand bien. Est-ce trop demander aujourd'hui qu'un peu de respect pour cet artiste majeur en fin de carrière et, surtout, le droit de vérifier par soi-même plutôt que de subir de nouveaux censeurs auto-institués</p> <p>Car on en est là. Depuis cette présentation désastreuse hors compétition à la dernière Mostra, précédée d'appels au boycott, plus personne ne semble vouloir de ce film. Déjà son tournage à Gstaad, avec un montage financier acrobatique suite au désistement de nombreuses vedettes, fut tout sauf simple. Malgré l'aura du cinéaste palmé et oscarisé de <i>The Pianist</i> et de son co-scénariste Jerzy Skolimowski <i>(EO),</i> le projet était devenu comme pestiféré déjà avant le premier clap. Et à présent que toute chance de succès commercial a disparu, c'est la débandade.</p> <p>Certes, <i>The Palace </i>est encore sorti plus ou moins normalement dans une poignée de pays (Italie, Pologne, Russie, Hongrie, Suède et Allemagne). Mais dans le monde anglo-saxon, personne n'ose s'en approcher, surtout après son assassinat en règle par les donneurs de ton <i>Variety, The Hollywood Reporter</i> et <i>Screen.</i> En France, après six mois de tergiversations, seule une petite compagnie spécialisée dans la réédition de classiques américains, Swashbuckler Films, a fini par assumer le risque d'une distribution, en espérant que suffisamment de salles suivront d'ici la date annoncée du 15 mai. Et en Suisse, autre pays co-producteur derrière l'Italie et la Pologne? Ici aussi, c'est un mini-distributeur occasionnel, Mont-Blanc, qui est venu à la rescousse, sortant d'abord le film en Suisse allemande le 18 janvier (flop à 4'600 d'entrées) tandis que presque tous les exploitants romands se défilaient. Même notre Cinémathèque se cache courageusement. Ne reste pour l'instant plus que le Ciné 17 de Genève, qui sort le film le 10 avril – qu'on se le dise.</p> <h3>C'est quoi, ce <i>Palace?</i></h3> <p>Car enfin, ce n'est «que» d'une œuvre qu'il sagit, pas d'anciennes affaires de mœurs sur lesquelles nous n'avons ni les moyens ni l'autorité pour juger! Et <i>The Palace,</i> malgré tous les bâtons mis dans ses roues, vaut largement le détour. Peut-être que seuls ceux qui se souviennent encore de <i>What? </i>(1972), la dernière franche comédie de Polanski, comprendront vraiment d'où sort ce film absurde et grotesque, cosmopolite en diable et peuplé de monstres tous plus ou moins escrocs. Après une villa isolée au bord la Méditerranée, c'est dans un grand hôtel de l'Oberland bernois – à Gstaad, où il possède un chalet et passa une année en résidence surveillée sous la menace d'une extradition aux Etats-Unis – que notre auteur a situé sa nouvelle farce. Et à la place de son vieux complice Gérard Brach, décédé en 2006, c'est cette fois son ami de jeunesse Skolimowski qui, avec son épouse Ewa Piaskowska, co-signe le scénario. Soixante ans après leur mémorable collaboration du <i>Couteau dans l'eau,</i> un bel exemple de fidélité.</p> <p>Pays hôte, la Suisse n'en sort pas grandie, et on peut dès lors comprendre que la Confédération n'ait pas lâché le moindre centime au courageux co-producteur CAB Films. Mais elle n'est de loin pas la seule à en prendre pour son grade dans ce qui s'apparente à un grand jeu de massacre géopolitique. Seul épargné, ce «reste du monde», pays du Golfe, Chine, Inde ou Brésil, qui n'a atteint le statut puissance mondiale qu'après l'an 2000. Ce règlement de comptes est donc avec l'ancien monde, celui du XXème siècle qu'a traversé Polanski, aujourd'hui âgé de 90 ans. Mais il concerne tout autant une certaine «belle» société huppée qu'il a aussi côtoyée. Et là, il y a peu de chances que quoi que ce soit ait changé depuis, les nouveaux riches valant bien les anciens.</p> <h3>Jeunesse qui s'enfuit, argent aux abris</h3> <p>Tout commence donc avec l'arrivée des convives pour un réveillon du millénaire qui s'annonce festif tandis que le personnel s'active pour leur accueil. Hansueli Kopf, l'impeccable directeur du palace (Oliver Masucci, un des principaux acteurs allemands actuels), sera particulièrement mis à contribution. Il est le clown blanc de l'affaire, qui se plie aux exigences les plus extravagantes de ses hôtes, arrangeant des services discrets par-ci et éteignant des incendies par-là avec l'aide de ses adjoints Tonino (Fortunato Cerlino) et Mrs. Frautschi (Beatrice Frey). Et parmi les habitués déjà installés, qui d'autre pour ouvrir le bal que... Sydne Rome, l'héroïne de <i>What?</i></p> <p>Las! Ex-beauté d'une fraîcheur exquise, cette juive américaine installée en Italie n'est plus que l'ombre d'elle-même après trop de passages sous les bistouris (à sa décharge, dans la vie réelle, c'est suite à un accident de voiture lors duquel un airbag lui explosa au visage). Vitrine de tous les autres «monstres» à venir, elle remercie un certain Dr. Lima (Joaquim de Almeida, star portugaise du cinéma international) pour les années de jeunesse qu'il lui aurait fait gagner. Très demandé, ce prince de la chirurgie esthétique ne se souvient pas des noms de ses innombrables patientes, plus préoccupé qu'il est par une épouse gagnée par Alzheimer. Claquemurée dans sa suite, une autre de ses clientes, une marquise française (Fanny Ardant), voue son affection à son petit chien Mr. Toby. Mais un souci d'écoulement lui fait bientôt reporter son intérêt sur Karol, un beau plombier polonais.</p> <p>Et ainsi vogue la comédie, de chambre en chambre et de nouvel arrivant en nouvelle crise. Il y a là l'octogéraire milliardaire américain Arthur William Dallas III (John Cleese, des Monty Python) et Magnolia, sa jeune épouse texane enveloppée (la non moins britannique Bronwyn James), surtout intéressée à hériter. Autre Américain quoique d'âge indéfinissable grâce à sa moumoute et son fond de teint orangé, Bill Crush (Mickey Rourke, ou ce qu'il en reste) est un escroc qui s'est invité sans réservation pour faire affaire avec Jacob Tell (Milan Peschel, autre excellent comédien allemand), un timide banquier suisse. Mais qui est donc ce Vaclav, surgi de quelque pays d'Europe centrale avec femme et enfants, qui se présente soudain comme son fils? A l'autre bout du spectre, voici un groupe de jeunes et bruyants oligarques russes avec leurs blondes escorts venus retrouver un ambassadeur corrompu avec des sacs remplis de billets à «blanchir». Trop volumineux pour être accueillis par le safe de l'hôtel, ils trouveront place dans l'abri anti-atomique...</p> <h3>La vanité des monstres</h3> <p>On peut trouver le trait gros, mais la caricature à la Daumier est précise et cruelle, de même que la mise en scène reste affûtée. Par moments, Polanski manque visiblement de moyens (l'envol depuis un balcon qui révèle enfin l'ensemble du bâtiment, réalisé en effets spéciaux) et ses blagues ne sont pas toujours du meilleur goût, comme celles concernant le signor Minetti, alias Bongo, ancienne star du porno bien membré (Luca Barbareschi, complice de longue date et principal producteur du film). Mais un pansement bien placé en souvenir de <i>Chinatown</i> a tôt fait de nous le rendre plus amusant. En fait, tous se valent dans cette grande course à l'argent, contre le temps qui file et qui finira tout de même par les rattraper.</p> <p>Mr. Crush veut convaincre Tell de parier avec lui sur le «bug» informatique prédit pour l'an 2000. A la télévision, en direct, un Boris Eltsine épuisé passe la main à un jeune successeur prometteur, un certain Vladimir Poutine, lequel assure un peu plus tard à tous la protection d'un Etat de droit. Un pingouin offert par le vieux milliardaire à sa petit-fille – pardon, sa jeune épouse – s'échappe dans les couloirs de l'hôtel, pauvre petit intrus dans ce monde de fous. Pour finir, il y aura des morts, mais on ne dévoilera pas ici lesquelles. Par contre, il n'y pas de mal à révéler que, de manière parfaitement réaliste, les riches resteront riches et la Suisse saura en profiter. Quant à Tell, il sortira de là tout ébaudi, déclarant avoir vécu là «la plus belle soirée de sa vie». Clin d'œil au titre du film qu'Ettore Scola tira en 1972 de <i>La Panne</i> de Friedrich Dürrenmatt?</p> <p>Toujours est-il que c'est bien la satire jusqu'au-boutiste des dernières grandes comédies italiennes qui vient ici à l'esprit (bien plus que les récents <i>Youth</i> de Paolo Sorrentino ou <i>Sans filtre/Triangle of Sadness</i> de Ruben Östlund). C'est comme si Polanski avait choisi de rester un cinéaste du siècle passé, pour le meilleur et pour le pire. Quant à l'humour, il n'y a bien sûr rien de plus personnel. Par le passé, il est arrivé au cinéaste de toucher le grand public <i>(Cul-de-sac, Le Bal des vampires)</i> comme de rater sa cible <i>(What?, Pirates). </i>Pour notre part, nous nous sommes bien amusés. En tous cas, ne croyez pas ceux qui clament que Polanski serait soudain devenu gâteux et aurait perdu tout talent. Secondé par ses fidèles collaborateurs, le monteur Hervé de Luze (12ème film en commun), le chef opérateur Pawel Edelman (8ème) et le compositeur Alexandre Desplat (6ème), réunis depuis <i>The Ghost Writer</i> et ses ennuis helvétiques de 2009, cet éternel fugitif a réalisé le film qu'il voulait. Sans doute le dernier d'un esprit libre, qui aura estimé qu'il n'avait plus rien à perdre.</p> <hr /> <p>(<strong>Rédaction</strong>) <em>Nous apprenons que le producteur-délégué du film de Polanski, Jean-Louis Porchet, a été victime d’un grave accident de circulation le dimanche 24 mars, près de Rivaz. Il se trouve dans un état grave au CHUV, à Lausanne. Sa société, CAB-Productions, établie à Lausanne, connaît de sérieuses difficultés en raison du boycott dans quasiment toutes les salles suisses de cette œuvre tournée à Gstaad, avec un grand nombre de techniciens locaux. 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Culture / Jeu de massacre à Gstaad
Film maudit depuis sa présentation à la dernière Mostra de Venise, «The Palace» de Roman Polanski est une comédie satirique sauvage située dans un grand hôtel au tournant de l'an 2000. Sans doute pas du meilleur cru et plus vraiment dans l'esprit du temps, mais très drôle et personnel tout de même. A vérifier dès le 10 avril, à Genève seulement.
Norbert Creutz
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<p>Evidemment, personne n'attend plus un film novateur de la part d'Anne Fontaine, 64 ans, cinéaste dont le principal mérite est d'avoir su se maintenir à un niveau honorable depuis trois décennies. Mais même si elle ne saurait clamer que son Maurice Ravel, c'est elle, ce 19ème opus a déjà l'immense mérite de résister aussi bien à cet académisme formel qui guette tout «film d'époque» qu'au diktat féministe actuel. Toujours produite par son mari Philippe Carcassonne (ça aide), l'auteure de <i>Coco avant Chanel</i> (2009) y approche son grand homme avec une délicatesse rare, qui respecte autant sa musique que les zones d'ombre du personnage. Au point que son film devrait au minimum intriguer ceux qui n'aurait pas été profondément émus!</p>
<h3>Cinq femmes autour de Ravel</h3>
<p>Après une scène qui voit le jeune Ravel incapable de remporter un Prix de Rome convoité (il s'y reprit à cinq fois), <i>Bolero</i> débute vraiment une vingtaine d'années plus tard, lorsque, compositeur reconnu, il reçoit la commande d'un ballet de la fantasque Ida (Jeanne Balibar, au sommet de sa préciosité). C'est un bel homme de petite stature, élégant et discret, qui se consacre entièrement à la musique, au point qu'elle seule semble compter dans sa vie. Il a des amitiés féminines mais on ne lui connaît pas d'amours, et la principale à le taquiner à ce sujet n'est autre que Misia (Doria Tillier), la mécène et «reine» du tout-Paris d'alors. Eh oui, la même Misia Godebska (ou Edwards ou Sert, selon ses mariages) que l'on a pu voir tout récemment dans le <i>Bonnard</i> de Martin Provost, sous les traits d'Anouk Grinberg! Toujours est-il que même très disponible, Ravel sèche sérieusement sur cette nouvelle commande.</p>
<p>Or, c'est justement de cette non-action que le film tire sa particularité et,<i> in fine,</i> sa réussite. A côté de dialogues toujours bien sentis, les tentatives répétées de se mettre au travail, la procrastination, les distractions et les souvenirs composent l'essentiel du scénario. Et c'est tout à fait prenant, du fait de ce double mystère: d'où vient donc l'inspiration de l'artiste, d'autant plus s'il n'est apparemment pas mû par le désir? Il en résulte un portrait singulièrement complexe, qui suggère plutôt qu'il n'affirme. «Détail» qui compte, on entend aussi d'autres compositions de Ravel avant d'en arriver au <i>Bolero,</i> sans oublier quantité de sons auxquels il semble avoir été particulièrement attentif. Et on voit le compositeur entouré de femmes – et même fréquenter le bordel à sa manière, mais sans rien de conclusif – comme dans le classique <i>Cinq femmes autour d'Utamaro,</i> biopic du fameux peintre japonais par Kenji Mizoguchi (1946).</p>
<p>Oh, il y aura bien la suggestion d'une sublimation érotique, voire sentimentale, à travers une histoire de gants oubliés par Misia. Mais aussi d'une musique réputée trop froide, lors de confrontations avec la fidèle interprète-amie Marguerite Long (Emmanuelle Devos) et le critique Pierre Lalo (campé par le pianiste Alexandre Tharaud!). D'une nostalgie d'enfance tenace, via des flash-backs auprès d'une mère aimante (Anne Alvaro). D'une insistante piste espagnole, avec l'idée première d'orchestrer la suite <i>Iberia </i>d'Isaac Albéniz puis une source plus populaire révélée par son aide de maison (Sophie Guillemin). D'une pression économique enfin, qui, alliée au délai qui se rapproche inexorablement, pousse Ravel à une solution «de facilité» qui s'avèrera radicalement moderne (le <i>Bolero</i>, source de la musique répétitive et des boucles électro d'aujourd'hui?). Pour finir, le choc avec une chorégraphie aussi érotisée que vouée à la poussière d'Ida Rubinstein donnera lieu à une séquence mémorable, qui oppose le musicien rongé par le doute et l'insatisfation à la danseuse pleine d'assurance mais aussi de suffisance.</p>
<h3>Anne Fontaine bien inspirée</h3>
<p>A ce moment, on se dit que Raphaël Personnaz, cet acteur au physique de jeune premier un peu démodé, vient de trouver le rôle de sa carrière. Mais, surprise, le film ne s'arrête pas là, pour évoquer encore le déclin du compositeur, frappé par une maladie neurodégénérative et hanté par ce triomphe involontaire. Ne valait-il pas mieux rester un «perdant», cet éternel recalé du Prix de Rome, plutôt que devenir un créateur fêté par tous ceux qui ne sauront jamais rien des affres traversées? Et là encore, Anne Fontaine s'en sort très bien dans l'évocation ramassée (c'est l'un des grands défis de mise en scène du genre) d'une confusion mentale croissante ainsi que de la popularité paradoxale de ce «tube» qui était aussi le comble d'une musique dite savante.</p>
<p>Acquise depuis toujours à une forme classiquement commerciale, la cinéaste trahit ses limites dans le manque de regard sur les différents espaces traversés. Egalement par certains mouvements de caméra de pur remplissage, là où un détail-idée ou une attention plus marquée aux personnages (les femmes sont réduites à une seule note) auraient pu encore enrichir son film. Mais sa manière de conclure stylisée ne manque pas de panache, qui prouve la durabilité et la malléabilité du <i>Bolero</i> à travers une nouvelle interprétation dansée par François Alu. Après le déjà remarquable <i>Police</i> (2020, avec Virginie Efira et Omar Sy), Anne Fontaine vient de signer là un film qui comptera assurément parmi ses meilleurs. Et qui en remontre à bien des trousseurs de biopics dépourvus de l'essentiel: la quête de l'inspiration.</p>
<hr />
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<h4>«Bolero» d'Anne Fontaine (France, 2024), avec Raphaël Personnaz, Doria Tillier, Jeanne Balibar, Emmanuelle Devos, Sophie Guillemin, Vincent Perez, Anne Alvaro, Alexandre Tharaud. 1h52</h4>',
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Pauvre Ravel, très contrarié que ce qu'il considérait comme un simple exercice de style éclipse toute son œuvre, au point de regretter l'avoir composé! Heureusement qu'une séquence pré-générique située dans une usine, avec Ravel qui tente vainement d'expliquer la musicalité de cet environnement sonore à sa commanditaire, la danseuse Ida Rubinstein, a déjà posé d'autres bases, qui font la part d'une certaine modernité.</p> <p>Evidemment, personne n'attend plus un film novateur de la part d'Anne Fontaine, 64 ans, cinéaste dont le principal mérite est d'avoir su se maintenir à un niveau honorable depuis trois décennies. Mais même si elle ne saurait clamer que son Maurice Ravel, c'est elle, ce 19ème opus a déjà l'immense mérite de résister aussi bien à cet académisme formel qui guette tout «film d'époque» qu'au diktat féministe actuel. Toujours produite par son mari Philippe Carcassonne (ça aide), l'auteure de <i>Coco avant Chanel</i> (2009) y approche son grand homme avec une délicatesse rare, qui respecte autant sa musique que les zones d'ombre du personnage. Au point que son film devrait au minimum intriguer ceux qui n'aurait pas été profondément émus!</p> <h3>Cinq femmes autour de Ravel</h3> <p>Après une scène qui voit le jeune Ravel incapable de remporter un Prix de Rome convoité (il s'y reprit à cinq fois), <i>Bolero</i> débute vraiment une vingtaine d'années plus tard, lorsque, compositeur reconnu, il reçoit la commande d'un ballet de la fantasque Ida (Jeanne Balibar, au sommet de sa préciosité). C'est un bel homme de petite stature, élégant et discret, qui se consacre entièrement à la musique, au point qu'elle seule semble compter dans sa vie. Il a des amitiés féminines mais on ne lui connaît pas d'amours, et la principale à le taquiner à ce sujet n'est autre que Misia (Doria Tillier), la mécène et «reine» du tout-Paris d'alors. Eh oui, la même Misia Godebska (ou Edwards ou Sert, selon ses mariages) que l'on a pu voir tout récemment dans le <i>Bonnard</i> de Martin Provost, sous les traits d'Anouk Grinberg! Toujours est-il que même très disponible, Ravel sèche sérieusement sur cette nouvelle commande.</p> <p>Or, c'est justement de cette non-action que le film tire sa particularité et,<i> in fine,</i> sa réussite. A côté de dialogues toujours bien sentis, les tentatives répétées de se mettre au travail, la procrastination, les distractions et les souvenirs composent l'essentiel du scénario. Et c'est tout à fait prenant, du fait de ce double mystère: d'où vient donc l'inspiration de l'artiste, d'autant plus s'il n'est apparemment pas mû par le désir? Il en résulte un portrait singulièrement complexe, qui suggère plutôt qu'il n'affirme. «Détail» qui compte, on entend aussi d'autres compositions de Ravel avant d'en arriver au <i>Bolero,</i> sans oublier quantité de sons auxquels il semble avoir été particulièrement attentif. Et on voit le compositeur entouré de femmes – et même fréquenter le bordel à sa manière, mais sans rien de conclusif – comme dans le classique <i>Cinq femmes autour d'Utamaro,</i> biopic du fameux peintre japonais par Kenji Mizoguchi (1946).</p> <p>Oh, il y aura bien la suggestion d'une sublimation érotique, voire sentimentale, à travers une histoire de gants oubliés par Misia. Mais aussi d'une musique réputée trop froide, lors de confrontations avec la fidèle interprète-amie Marguerite Long (Emmanuelle Devos) et le critique Pierre Lalo (campé par le pianiste Alexandre Tharaud!). D'une nostalgie d'enfance tenace, via des flash-backs auprès d'une mère aimante (Anne Alvaro). D'une insistante piste espagnole, avec l'idée première d'orchestrer la suite <i>Iberia </i>d'Isaac Albéniz puis une source plus populaire révélée par son aide de maison (Sophie Guillemin). D'une pression économique enfin, qui, alliée au délai qui se rapproche inexorablement, pousse Ravel à une solution «de facilité» qui s'avèrera radicalement moderne (le <i>Bolero</i>, source de la musique répétitive et des boucles électro d'aujourd'hui?). Pour finir, le choc avec une chorégraphie aussi érotisée que vouée à la poussière d'Ida Rubinstein donnera lieu à une séquence mémorable, qui oppose le musicien rongé par le doute et l'insatisfation à la danseuse pleine d'assurance mais aussi de suffisance.</p> <h3>Anne Fontaine bien inspirée</h3> <p>A ce moment, on se dit que Raphaël Personnaz, cet acteur au physique de jeune premier un peu démodé, vient de trouver le rôle de sa carrière. Mais, surprise, le film ne s'arrête pas là, pour évoquer encore le déclin du compositeur, frappé par une maladie neurodégénérative et hanté par ce triomphe involontaire. Ne valait-il pas mieux rester un «perdant», cet éternel recalé du Prix de Rome, plutôt que devenir un créateur fêté par tous ceux qui ne sauront jamais rien des affres traversées? Et là encore, Anne Fontaine s'en sort très bien dans l'évocation ramassée (c'est l'un des grands défis de mise en scène du genre) d'une confusion mentale croissante ainsi que de la popularité paradoxale de ce «tube» qui était aussi le comble d'une musique dite savante.</p> <p>Acquise depuis toujours à une forme classiquement commerciale, la cinéaste trahit ses limites dans le manque de regard sur les différents espaces traversés. Egalement par certains mouvements de caméra de pur remplissage, là où un détail-idée ou une attention plus marquée aux personnages (les femmes sont réduites à une seule note) auraient pu encore enrichir son film. Mais sa manière de conclure stylisée ne manque pas de panache, qui prouve la durabilité et la malléabilité du <i>Bolero</i> à travers une nouvelle interprétation dansée par François Alu. Après le déjà remarquable <i>Police</i> (2020, avec Virginie Efira et Omar Sy), Anne Fontaine vient de signer là un film qui comptera assurément parmi ses meilleurs. 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Culture / Le mystère Ravel densifié
«Bolero» d'Anne Fontaine saisit Maurice Ravel au moment de la création de son plus fameux morceau, en 1927-28. Surprise, c'est un film qui explore sérieusement le mystère de l'inspiration et le lie à un autre, celui de l'apparente asexualité du compositeur. D'où un modèle de biopic, qui a trouvé en Raphaël Personnaz son interprète idéal.
Norbert Creutz
B Article réservé aux abonnés
Warning (2): count() [<a href='https://secure.php.net/function.count'>function.count</a>]: Parameter must be an array or an object that implements Countable [APP/View/Helper/PosterHelper.php, line 21]Code Contextpublic function hasPoster($post){return ($post->poster_attachment || count($post->attachment_images) > 0);}$post = object(App\Model\Entity\Post) { 'id' => (int) 4747, 'created' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'modified' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'publish_date' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'notified' => null, 'free' => false, 'status' => 'PUBLISHED', 'priority' => null, 'readed' => null, 'subhead' => null, 'title' => 'Chronique d'un naufrage (pour rire)', 'subtitle' => 'Trois mois après son remarquable «L'Affaire Goldman», Cédric Kahn est déjà de retour avec «Making of». Une comédie qu'il a pu tourner dans la foulée et non moins brillante à sa manière, dans laquelle le Français, entre Truffaut et Moretti, s'amuse des paradoxes du cinéma. 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<p>Cédric Kahn aurait-il été inspiré par la mésaventure de Terry Giliam, dont la première tentative de tourner son <i>Don Quichotte</i> se solda par un documentaire du désastre composé à partir de son «making of» <i>(Lost in La Mancha</i> de Keith Fulton et Louis Pepe, 2002)? Toujours est-il qu'il semble vouloir exorciser ses pires angoisses à travers cette histoire de tournage d'un film socialement engagé basé sur des faits réel – une affaire d'ouvriers s'opposant à la fermeture de leur usine – qui part à vau-l'eau. Simon (Denis Podalydès) a beau être un réalisateur aguerri, soutenu par son producteur de longue date Marquez (Xavier Beauvois) et protégé par sa directrice de production Viviane (Emmanuelle Bercot), dès le premier jour de tournage, tout va de travers. Y aura-t-il vraiment un film à l'arrivée? Et bien le brulôt politique que Simon avait imaginé?</p>
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<p>Tout se joue sur un lieu unique d'usine désaffectée dans une morne banlieue française, que le cinéma a investi tel un cirque en tournée. Lors d'une réunion d'urgence demandée par les co-producteurs, il transpire que Marquez leur avait soumis un scénario modifié, avec un <em>happy end</em>, alors que pour Simon il n'en a jamais été question! Et c'est parti à la recherche de nouveaux financiers tandis que le tournage se poursuit de manière précaire. Il y a aussi le problème Alain (Jonathan Cohen), la star aussi indispensable qu'insupportable: même totalement investi, il ne peut s'empêcher de ramener la couverture à lui alors même que ce film se tourne au milieu de ceux à qui le malheur est arrivé. Enfin, il y a Joseph (Stefan Crepon), un figurant local que Simon recrute au pied levé pour réaliser ce fameux «making of». C'est ce jeune fou de cinéma bientôt amoureux de l'actrice principale Nadia (Souheila Yacoub) qui deviendra le cœur battant du récit.</p>
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<p>En fait, Cédric Kahn présente tellement de situations parallèles problématiques (pourtant encore bien moins nombreuses que dans la réalité) qu'un film abouti pourrait presque paraître tenir du miracle. C'était déjà plus ou moins la leçon de <i>La Nuit américaine</i> de François Truffaut, si juste sur les multiples réalités d'un tournage qu'on se fichait bien du «film dans le film», clairement ringard. Ici, l'ambition de Simon de faire œuvre utile à la manière d'un Stéphane Brizé <i>(En guerre,</i> avec Vincent Lindon) en rajoute une couche. Pour autant, la mise en abyme ne se veut pas aussi clairement politique, artistique et morale que celles de Nanni Moretti dans ses récents <i>Mia Madre</i> et <i>Vers un avenir radieux. </i>Sans doute juste le plus réaliste possible.</p>
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<p>Où s'arrête le cinéma et où commence la vraie vie? Un film peut-il seulement prétendre approcher celle-ci, voire la dépasser et permettre d'en tirer des leçons? Ou bien tout n'est-il que vanité et compromis? Pour finir, chacun apparait pétri de contradictions, seule la gestionnaire Viviane jouant vraiment franc-jeu. Car pour elle au moins, tout est clair: quelles que soient les intentions, l'argent reste le nerf de la guerre! Inutile de préciser comment tout cela se termine. Armé de sa longue expérience des deux côtés de la caméra, Cédric Kahn n'a rien d'un catastrophiste. Du moins en ce qui concerne le cinéma, clairement désigné comme une entreprise de privilégiés qui s'ignorent, d'illusionnistes qui s'illusionnent et de (sympathiques) filous. Tandis que ceux qui sont dans la vraie vie, les mains dans le cambouis, eux, s'enfoncent.</p>
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Simon (Denis Podalydès) a beau être un réalisateur aguerri, soutenu par son producteur de longue date Marquez (Xavier Beauvois) et protégé par sa directrice de production Viviane (Emmanuelle Bercot), dès le premier jour de tournage, tout va de travers. Y aura-t-il vraiment un film à l'arrivée? Et bien le brulôt politique que Simon avait imaginé?</p> <h3>L'usine en folie</h3> <p>Tout se joue sur un lieu unique d'usine désaffectée dans une morne banlieue française, que le cinéma a investi tel un cirque en tournée. Lors d'une réunion d'urgence demandée par les co-producteurs, il transpire que Marquez leur avait soumis un scénario modifié, avec un <em>happy end</em>, alors que pour Simon il n'en a jamais été question! Et c'est parti à la recherche de nouveaux financiers tandis que le tournage se poursuit de manière précaire. Il y a aussi le problème Alain (Jonathan Cohen), la star aussi indispensable qu'insupportable: même totalement investi, il ne peut s'empêcher de ramener la couverture à lui alors même que ce film se tourne au milieu de ceux à qui le malheur est arrivé. Enfin, il y a Joseph (Stefan Crepon), un figurant local que Simon recrute au pied levé pour réaliser ce fameux «making of». C'est ce jeune fou de cinéma bientôt amoureux de l'actrice principale Nadia (Souheila Yacoub) qui deviendra le cœur battant du récit.</p> <p>Marquez a tôt fait de disparaître, promettant par téléphone des pistes de financement de plus en plus improbables. De son côté, Viviane est forcée de revoir le planning et de négocier avec les différents corps de métier pour rogner sur le budget. Alain, qui squatte sans vergogne chez le syndicaliste qu'il est censé interpréter, porte de plus en plus sur les nerfs de sa partenaire Nadia, dont la situation sentimentale est plutôt compliquée. 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Pour autant, la mise en abyme ne se veut pas aussi clairement politique, artistique et morale que celles de Nanni Moretti dans ses récents <i>Mia Madre</i> et <i>Vers un avenir radieux. </i>Sans doute juste le plus réaliste possible.</p> <p>C'est en tous cas avec une dextérité extraordinaire que l'auteur imbrique les différents niveaux de son récit. Le format change entre le film dans le film (large), le tournage (moyen) et son «making of» (réduit), de sorte à ce qu'on sache toujours où l'on se situe; les acteurs sont tous d'un précision bluffante, en particulier un Jonathan Cohen déchaîné; et jamais le rythme de la comédie n'est perdu, même dans des scènes ostensiblement dramatiques. Le vertige atteint son comble lorsque les techniciens à cran (ils ne sont plus payés) menacent eux aussi de tout arrêter ou quand Joseph se retrouve perdu dans le jeu de miroirs que lui offre l'insaisissable Nadia.</p> <h3>Du cynisme bien tempéré</h3> <p>Où s'arrête le cinéma et où commence la vraie vie? Un film peut-il seulement prétendre approcher celle-ci, voire la dépasser et permettre d'en tirer des leçons? Ou bien tout n'est-il que vanité et compromis? Pour finir, chacun apparait pétri de contradictions, seule la gestionnaire Viviane jouant vraiment franc-jeu. Car pour elle au moins, tout est clair: quelles que soient les intentions, l'argent reste le nerf de la guerre! Inutile de préciser comment tout cela se termine. Armé de sa longue expérience des deux côtés de la caméra, Cédric Kahn n'a rien d'un catastrophiste. Du moins en ce qui concerne le cinéma, clairement désigné comme une entreprise de privilégiés qui s'ignorent, d'illusionnistes qui s'illusionnent et de (sympathiques) filous. Tandis que ceux qui sont dans la vraie vie, les mains dans le cambouis, eux, s'enfoncent.</p> <p>Une vision cynique? Pas à une contradiction près, elle n'en déborde pas moins de générosité et d'affection pour les uns comme les autres. 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Culture / Chronique d'un naufrage (pour rire)
Trois mois après son remarquable «L'Affaire Goldman», Cédric Kahn est déjà de retour avec «Making of». Une comédie qu'il a pu tourner dans la foulée et non moins brillante à sa manière, dans laquelle le Français, entre Truffaut et Moretti, s'amuse des paradoxes du cinéma. Un film à découvrir à Lausanne et Genève grâce à une importation directe.
Norbert Creutz
B Article réservé aux abonnés
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<p>Yorgos Lanthimos n'en est pourtant pas à son coup d'essai. Ce Grec qui avait fait sensation en 2009 avec <i>Canine,</i> un petit drame familial surréaliste et caustique, a depuis commodément pris le large (en pleine crise économique et politique) pour s'installer à Londres avec son épouse, la comédienne Ariane Labed, et devenir un incontournable du cinéma d'auteur mondial. Sa première recette, développée jusqu'à <i>The Killing of a Sacred Deer</i> en passant par <i>Alps</i> et <i>The Lobster:</i> des fables absurdes plutôt séduisantes mais dont on sort en se grattant le crâne, tant leur sens échappe. Puis, avec <i>The Favourite,</i> il bifurque vers la satire ricanante, dont le sens n'est devenu que trop évident: épater la galerie avec une cible facile (la royauté d'un autre temps) et une mise en scène devenue tape-à-l'œil. Un virage plus que confirmé aujourd'hui dans cette adaptation d'un roman éponyme (1992) de l'Ecossais Alasdair Gray (1934-2019), fantaisie post-moderne mêlant les styles gothique et picaresque dans un XIXème siècle fantasmatique.</p>
<h3>Une exhibition sans émotions</h3>
<p>Toute trace d'histoire écossaise et de narrateurs multiples évacuée, le récit peut se concentrer sur Bella Baxter (Emma Stone), une étrange jeune femme ramenée à la vie après son suicide. En fait, elle est le résultat d'une expérience hardie du Dr Godwin Baxter (Willem Dafoe), qui a remplacé son cerveau par celui de son propre bébé sur le point de naître! Infantile et maladroite, la jeune femme qu'il garde sous sa tutelle n'en découvre pas moins les plaisirs du sexe et captive son assistant Max au point que ce dernier veuille l'épouser. Cependant, l'avoué engagé pour établir un contrat de mariage, Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), s'avère être un fieffé coquin qui éconduit la jolie créature. Avec des étapes à Lisbonne, Alexandrie et Paris, leur «lune de miel» va surtout devenir pour Bella un voyage d'apprentissage et d'émancipation qui lui permettra de renverser la table en sa faveur...</p>
<p>Jusque-là, sur le papier, pas de problème. L'expérience du savant fou, par ailleurs lui-même défiguré autrefois par une expérience de son père, offre des perspectives inédites qui intriguent tandis que le comportement bizarre de la jeune femme met salement à mal la bienséance victorienne. Par la suite, le voyage émancipatoire durant lequel elle se libère de son amant égoïste pour devenir une femme en pleine possession de son corps et de son esprit est parfaitement dans l'air du temps – comme le sont la critique d'un progrès purement masculiniste et la moquerie de mœurs clairement dépassées. Bref, c'est <i>Frankenstein</i> et <i>Pygmalion</i> remis au goût du jour. Mais qu'est-ce donc qui cloche, alors? La forme, assurément: impossible d'en faire abstraction, puisqu'elle est toujours à l'avant-plan, si voyante qu'elle vous détourne de toute expérience participative.</p>
<p>Ici, il n'est pas un plan «naturel», sans surcharge décorative, distorsion visuelle ou quelque autre effet plus ou moins spécial. Les objectifs grand angle qui déforment les perspectives accentuent le grotesque des clichés? Les effets spéciaux digitaux donnent toujours un sentiment d'artificialité? L'alternance entre noir et blanc et couleur est devenue la dernière tarte à la crème tandis qu'une musique agressive fait toujours son petit effet? Eh bien, imaginez un film qui ne serait fait que de ça, sans doute justifié par quelque stratégie de distanciation. La direction d'acteurs – même la très vantée performance d'Emma Stone, qui témoigne en effet d'un bel abandon à une vision d'auteur – est à l'avenant: tout dans l'exhibition grotesque et plus rien qui soit laissé à l'imagination.</p>
<h3>L'autopromotion comme moteur</h3>
<p>A partir de là, comment s'étonner que même les intentions évoquées plus tôt tombent à plat, traitées qu'elles sont à la limite de la comédie? Lorsque, dans une Lisbonne réimaginée, Bella se découvre un vague à l'âme à l'écoute d'un fado, on est surtout consterné par l'énormité du cliché. A Alexandrie, elle apprend la compassion à la vue de miséreux laissés-pour-compte, sans jamais que leur réalité ne vienne salir la belle image léchée. Et à Paris, quand elle décide de vendre son corps dans une maison close pour gagner son indépendance économique, le cinéaste ne peut s'empêcher d'en rajouter dans le glauque voyeuriste. Piètre émancipation, en vérité, qui la verra ensuite rentrer en Angleterre, échapper à un prétendant brutal et hériter de la fortune «paternelle» suite à l'échec d'une tentative de remplacement...</p>
<p>Rarement les limites d'une imagination masculine au service d'une cause féministe auront plus sauté aux yeux qu'ici. Et ce, jusque dans cette séquence de croisière qui voit Bella prendre une leçon d'opportunisme intellectualisé de Hanna Schygulla, l'égérie de Fassbinder brandie comme fétiche d'un cinéma d'auteur progressiste. Comment ne pas être désappointé à la découverte du petit «paradis» qu'elle finira par se constituer dans son jardin? Nulle générosité et encore moins de transcendance dans cette image kitschissime. Juste un ricanement misanthrope qu'on avait déjà deviné dans les films précédents de Yorgos Lanthimos et qui devient ici assourdissant. Comme quoi, fond et forme finissent par se rejoindre dans une laideur commune.</p>
<p>Entièrement tourné dans des studios... hongrois, <i>Pauvres créatures</i> n'est pas sans rappeler superficiellement les récents <i>The Story of My Wife</i> (Ildiko Enyedi, 2021) et <i>Three Thousand Years of Longing</i> (George Miller, 2022), dans un étrange effet d'entraînement et d'émulation «auteuriste». Comme pour ces films-là, pas sûr pourtant que le grand public suive l'enthousiasme festivalier, tant l'objet semble par ailleurs déconnecté du réel et boursouflé avec ses 2h20 de projection. Lanthimos deviendra-t-il un jour un cinéaste majeur, de la trempe d'un Luis Buñuel, son maître en surréalisme, d'un Robert Altman, cet autre grand satiriste, ou d'un Lars von Trier, sûrement son modèle en matière de provocation? Pour l'heure, l'hypothèse d'une imposture tapageuse à la manière de Damien Hirst dans le domaine des arts platiques paraît bien plus probable.</p>
<hr />
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<h4>«Pauvres créatures (Poor Things)» de Yorgos Lanthimos (Irlande / Royaume-Uni / Etats-Unis / Hongrie, 2023), avec Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Margaret Qualley, Hanna Schygulla. 2h21</h4>',
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Infantile et maladroite, la jeune femme qu'il garde sous sa tutelle n'en découvre pas moins les plaisirs du sexe et captive son assistant Max au point que ce dernier veuille l'épouser. Cependant, l'avoué engagé pour établir un contrat de mariage, Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), s'avère être un fieffé coquin qui éconduit la jolie créature. Avec des étapes à Lisbonne, Alexandrie et Paris, leur «lune de miel» va surtout devenir pour Bella un voyage d'apprentissage et d'émancipation qui lui permettra de renverser la table en sa faveur...</p> <p>Jusque-là, sur le papier, pas de problème. L'expérience du savant fou, par ailleurs lui-même défiguré autrefois par une expérience de son père, offre des perspectives inédites qui intriguent tandis que le comportement bizarre de la jeune femme met salement à mal la bienséance victorienne. Par la suite, le voyage émancipatoire durant lequel elle se libère de son amant égoïste pour devenir une femme en pleine possession de son corps et de son esprit est parfaitement dans l'air du temps – comme le sont la critique d'un progrès purement masculiniste et la moquerie de mœurs clairement dépassées. Bref, c'est <i>Frankenstein</i> et <i>Pygmalion</i> remis au goût du jour. Mais qu'est-ce donc qui cloche, alors? La forme, assurément: impossible d'en faire abstraction, puisqu'elle est toujours à l'avant-plan, si voyante qu'elle vous détourne de toute expérience participative.</p> <p>Ici, il n'est pas un plan «naturel», sans surcharge décorative, distorsion visuelle ou quelque autre effet plus ou moins spécial. Les objectifs grand angle qui déforment les perspectives accentuent le grotesque des clichés? Les effets spéciaux digitaux donnent toujours un sentiment d'artificialité? L'alternance entre noir et blanc et couleur est devenue la dernière tarte à la crème tandis qu'une musique agressive fait toujours son petit effet? Eh bien, imaginez un film qui ne serait fait que de ça, sans doute justifié par quelque stratégie de distanciation. La direction d'acteurs – même la très vantée performance d'Emma Stone, qui témoigne en effet d'un bel abandon à une vision d'auteur – est à l'avenant: tout dans l'exhibition grotesque et plus rien qui soit laissé à l'imagination.</p> <h3>L'autopromotion comme moteur</h3> <p>A partir de là, comment s'étonner que même les intentions évoquées plus tôt tombent à plat, traitées qu'elles sont à la limite de la comédie? Lorsque, dans une Lisbonne réimaginée, Bella se découvre un vague à l'âme à l'écoute d'un fado, on est surtout consterné par l'énormité du cliché. A Alexandrie, elle apprend la compassion à la vue de miséreux laissés-pour-compte, sans jamais que leur réalité ne vienne salir la belle image léchée. Et à Paris, quand elle décide de vendre son corps dans une maison close pour gagner son indépendance économique, le cinéaste ne peut s'empêcher d'en rajouter dans le glauque voyeuriste. Piètre émancipation, en vérité, qui la verra ensuite rentrer en Angleterre, échapper à un prétendant brutal et hériter de la fortune «paternelle» suite à l'échec d'une tentative de remplacement...</p> <p>Rarement les limites d'une imagination masculine au service d'une cause féministe auront plus sauté aux yeux qu'ici. Et ce, jusque dans cette séquence de croisière qui voit Bella prendre une leçon d'opportunisme intellectualisé de Hanna Schygulla, l'égérie de Fassbinder brandie comme fétiche d'un cinéma d'auteur progressiste. Comment ne pas être désappointé à la découverte du petit «paradis» qu'elle finira par se constituer dans son jardin? Nulle générosité et encore moins de transcendance dans cette image kitschissime. Juste un ricanement misanthrope qu'on avait déjà deviné dans les films précédents de Yorgos Lanthimos et qui devient ici assourdissant. Comme quoi, fond et forme finissent par se rejoindre dans une laideur commune.</p> <p>Entièrement tourné dans des studios... hongrois, <i>Pauvres créatures</i> n'est pas sans rappeler superficiellement les récents <i>The Story of My Wife</i> (Ildiko Enyedi, 2021) et <i>Three Thousand Years of Longing</i> (George Miller, 2022), dans un étrange effet d'entraînement et d'émulation «auteuriste». Comme pour ces films-là, pas sûr pourtant que le grand public suive l'enthousiasme festivalier, tant l'objet semble par ailleurs déconnecté du réel et boursouflé avec ses 2h20 de projection. Lanthimos deviendra-t-il un jour un cinéaste majeur, de la trempe d'un Luis Buñuel, son maître en surréalisme, d'un Robert Altman, cet autre grand satiriste, ou d'un Lars von Trier, sûrement son modèle en matière de provocation? Pour l'heure, l'hypothèse d'une imposture tapageuse à la manière de Damien Hirst dans le domaine des arts platiques paraît bien plus probable.</p> <hr /> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/RC6Fmy8XhQg?si=-DPXFa_s_B7vnyyR" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p> <h4>«Pauvres créatures (Poor Things)» de Yorgos Lanthimos (Irlande / Royaume-Uni / Etats-Unis / Hongrie, 2023), avec Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Margaret Qualley, Hanna Schygulla. 2h21</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 'le-cinema-a-trouve-son-damien-hirst', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 57, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 2414, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'tags' => [ (int) 0 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 3 => object(App\Model\Entity\Tag) {} ], 'attachments' => [ (int) 0 => object(Cake\ORM\Entity) {} ], 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ '*' => true, 'id' => false ], '[dirty]' => [], '[original]' => [], '[virtual]' => [], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [], '[invalid]' => [], '[repository]' => 'Posts' }count - [internal], line ?? 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Culture / Le cinéma a trouvé son Damien Hirst
Fort du succès de «The Favourite», le Grec Yorgos Lanthimos rajoute une couche de mise en scène tape-à-l'œil dans «Pauvres créatures (Poor Things)», Lion d'Or de la dernière Mostra de Venise. A l'évidence, d'aucuns crient au génie. Et si cette adaptation pseudo-féministe d'un roman gothico-picaresque était au contraire le piège ultime d'un certain cinéma «artistique»?
Norbert Creutz
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<p>Tout commence en effet par un étrange trio assis à un bar à une heure tardive. Au milieu, une femme asiatique discute avant tout avec un homme également asiatique tandis qu'un Blanc barbu, de l'autre côté, semble réduit à faire de la figuration. Il faut préciser qu'on n'entend pas ce qu'ils se disent. Non, ce qui fait le prix de cette séquence d'ouverture, c'est plutôt le commentaire d'un homme et d'une femme maintenus invisibles qui les observent de loin. Ils s'interrogent: frère, sœur et mari, simples amis ou triangle amoureux, et dans ce cas, lequel de ces trentenaires finissants est le perdant de l'histoire?</p>
<h3>Séparés, retrouvés</h3>
<p>Cette histoire, on le découvre peu après, a commencé un quart de siècle plus tôt à Séoul. Ecoliers et voisins, Na-young et Hae-sun, 12 ans, s'entendent à merveille. Il est toujours là pour l'écouter, la soutenir et la consoler (et c'est là qu'on devine que le point de vue est celui d'une femme). Puis un jour, ses parents à elle, des artistes, décident de quitter une société qui les étouffe et de partir tenter leur chance au Canada. L'heure de la séparation a sonné, qui se fait tout simplement, le cœur lourd, mais sans la moindre effusion. Juste un plan qui les voit chacun partir de son côté, lui par la rue du bas, elle par une ruelle montante en escalier. Puis c'est l'arrivée excitante à l'aéroport, la promesse d'une nouvelle vie sous le nom d'emprunt de Nora. Fin d'une belle amitié?</p>
<p>Douze ans plus tard, Nora (Greta Lee, actrice longtemps réduite aux utilités à Hollywood) vivote désormais seule à New York où elle tente de percer comme dramaturge sur la scène «off» tandis que Hae-sun (Teo Yoo, révélé par Kirill Serebrennikov dans <i>Leto,</i> où il campait le chanteur Viktor Tsoï) accomplit son service militaire à la frontière nord-coréenne. Un soir alors qu'elle repense soudain à lui, elle entre son nom sur Internet et découvre qu'il l'a cherchée sur Facebook! Renouant le contact par visiophonie, ils se racontent ce qu'ils sont respectivement devenus (lui étudie la mécanique) mais surtout se redécouvrent une complicité intacte.</p>
<p>Et c'est là que les sentiments commencent vraiment à s'en mêler. Mais ce qui est particulier ici, c'est une incertitude indissociablement liée à la distance, à la solitude et à la nostalgie de leur enfance. Bref, un immense non-dit que la cinéaste parvient néanmoins à nous faire ressentir. A un moment, il devient clair que la possibilité de se retrouver est encore bien lointaine et Nora décide de couper court. Tandis qu'elle part en résidence d'auteur à Montauk, lui se rend en Chine pour apprendre le mandarin. Puis, encore douze ans plus tard, voici Hae-sun qui rend enfin visite à Nora à New York. Sauf qu'entre-temps, elle a formé un couple avec Arthur (John Magaro, repéré dans <i>First Cow</i> de Kelly Reichardt), un collègue écrivain...</p>
<h3>Vies antérieures (ou pas)</h3>
<p>C'est bien sûr eux le trio du bar. Et c'est aussi le moment où la magnifique délicatesse de la mise en scène va devoir se mesurer au redoutable défi du face-à-face. Mais la dramaturge en Celine Song a bien préparé le terrain. Ce n'est sans doute pas par hasard que la structure en trois actes est un classique du théâtre. Ici, chaque nouveau temps se nourrit des échos du précédent. Pas juste comme dans ce <i>running joke</i> qui voit Nora revoir à la baisse ses ambitions de reconnaissance sociale (enfant, c'était le Nobel ou rien), mais aussi par de subtils échos visuels ou de brefs flash-backs. Et comme joker, notre auteure abat la carte du <i>In-Yun</i>, concept coréen qui postule des vies antérieures qui influeraient sur nos rencontres et relations d'aujourd'hui (d'où le titre).</p>
<p>Cette croyance ancestrale n'est-elle plus que sujet de plaisanterie dans le contexte d'une vie d'émigrée plongée dans une culture rationaliste? Ou bien le cycle des réincarnations qui la sous-tend signifie-t-il une prédestination amoureuse, qui rejoint à sa manière l'idéal romantique occidental? Plus concrètement, et si ce garçon venu la retrouver depuis la Corée était vraiment son âme sœur? C'est dans ce suspense amoureux ainsi décuplé que se déroulera le troisième acte, dont l'autre tour de force est de réussir à faire également exister Arthur, un juif américain jamais dupe des enjeux de cette visite. La tension entre une existence plus ou moins choisie et un retour à ses racines, entre réalisme et imaginaire, est alors à son comble – sans doute le lot de bien des expatriés en ce monde, mais pas seulement. Qui en effet n'a jamais imaginé une autre tournure qu'aurait prise sa vie ailleurs ou avec une autre personne?</p>
<h3>L'évidence discrète d'un style</h3>
<p>«Sais-tu que tu parles en rêvant, et toujours en coréen? C'est là que j'ai compris qu'il y a toute une part de toi à laquelle je n'aurai jamais accès», lâche à un moment Arthur à Nora. Et tous les échanges du trio seront de cette eau-là, parfois exprimés par des gestes et des postures ou de simples regards. En réalité, c'est l'ensemble de la mise en scène qui y concourt par ses cadrages précis, ses beaux travelings ou même de légers zooms, ses entrées et sorties des personnages dans le plan, son usage des portes et des fenêtres, la discrétion de ses couleurs et l'accord parfait de sa musique (Christopher Bear & Daniel Rossen, du groupe Grizzly Bear). La majorité – telle ce jury de la Berlinale qui a laissé filer <i>Past Lives </i>sans le moindre prix – n'y verra que du feu. C'est pourtant là du grand art, précisément parce qu'il n'est pas trop voyant et cependant porteur de la philosophie profonde de l'œuvre.</p>
<p>On l'aura deviné, le suspense se déplace avant même la fin du «lequel (des deux choix)» au «comment (l'un s'impose)», autrement dit du récit au style. Mais le film n'en devient pas moins prenant, au contraire, et c'est là qu'on se rend compte que cette cette cinéaste est sacrément forte! Sur la question de l'émigration et les êtres tiraillés qu'elle produit, sur le travail insidieux du temps qui nous transforme et sur la nostalgie des possibles, sa «simple romance» aura dit l'essentiel, avec une intelligence et une limpidité imparables.</p>
<hr />
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Sur la question de l'émigration et les êtres tiraillés qu'elle produit, sur le travail insidieux du temps qui nous transforme et sur la nostalgie des possibles, sa «simple romance» aura dit l'essentiel, avec une intelligence et une limpidité imparables.</p> <hr /> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kA244xewjcI?si=cJcGk7BfEbQyQFkB" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p> <h4>«Past Lives» de Celine Song (Etats-Unis / Corée du Sud, 2023), avec Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro, Seung Ah-moon, Seung Min-yim. 1h45</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 'les-destinees-sentimentales-mondialisees', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 96, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 2414, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'tags' => [ (int) 0 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Tag) {} ], 'attachments' => [ (int) 0 => object(Cake\ORM\Entity) {}, (int) 1 => object(Cake\ORM\Entity) {} ], 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ '*' => true, 'id' => false ], '[dirty]' => [], '[original]' => [], '[virtual]' => [], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [], '[invalid]' => [], '[repository]' => 'Posts' }count - [internal], line ?? 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Culture / Les destinées sentimentales mondialisées
Merveille pour les fêtes, «Past Lives» de Celine Song raconte l'histoire d'amour d'une fille et d'un garçon coréens séparés par l'émigration de la première. Hissée en compétition au festival de Berlin, cette première œuvre d'une sensibilité rare a tout pour réconcilier les tenants d'un cinéma d'art et essai exigeant et ceux d'un cinéma grand public émouvant.
Norbert Creutz
B Article réservé aux abonnés
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<p>Croisé à Genève, aux Cinémas du Grütli, Perisic nous a donné cette explication: «J'étais jeune et inconscient. Si j'avais su tout ce qui allait me tomber dessus, la violence des réactions, je ne suis pas sûr que j'aurais le courage de refaire ce premier film. Comme il a fallu que je gagne ma vie autrement, j'ai fondé une petite maison d'édition, qui a déjà publié plus de 120 titres, principalement sur la politique et les arts. Puis, alors que ce deuxième film commençait à mûrir, est encore arrivé le Covid.» Voilà qui élucide la douzaine d'années de silence, mais pas encore la tenacité qui lui a permis de reprendre le fil là où il l'avait laissé.</p>
<p>Fils du scénariste Predrag Perisic et de l'universitaire Nada Popovic, qui fut ministre de la Culture dans les années 1990, Vladimir Perisic a aussi eu la chance d'avoir gardé un pied en France depuis ses études à la Fémis. C'est ainsi qu'une amie d'études, la cinéaste Alice Winocour <i>(Augustine</i> et<i> Proxima</i>, par ailleurs compagne de Jean-Stéphane Bron à la ville), est devenue une précieuse collaboratrice pour ses scénarios. Et en particulier celui-ci, plus proche de sa propre expérience: comment un adolescent dont la mère est liée au régime commence à réaliser l'iniquité de ce dernier et se trouve pris dans un terrible conflit de loyauté. Un trauma personnel qu'il a traversé au moment de l'effondrement de l'ex-Yougoslavie et qu'il lui a fallu remettre à bonne distance.</p>
<h3>Regarder la vérité en face</h3>
<p>Le récit se situe précisément en 1996, et on commence par y découvrir Stefan, 15 ans, heureux en compagnie de son grand-père à la campagne. Puis sa mère adorée, qui est séparée de son père, vient le chercher pour retourner à Belgrade où l'attend l'école. Stefan y a ses copains, joue dans l'équipe de water-polo et commence à s'intéresser à une fille. Arrivent des élections remportées par le parti d'opposition pro-européen et sa vie commence à basculer. En effet, sa mère est la porte-parole du gouvernement, une personnalité en vue. Et à partir du moment où le parti communiste au pouvoir décide de faire annuler les résultats de l'élection, suscitant une forte contestation estudiantine, Stefan se retrouve snobé par ses amis, peinant à comprendre ce qui lui arrive...</p>
<p><i>Lost Country, </i>c'est donc l'Histoire vécue de l'intérieur, vue par le petit bout de la lorgnette si l'on veut. Mais pour l'auteur, qui raconte là une éducation politique, il s'agit toujours d'apprendre à regarder la vérité en face, aussi douloureuse soit-elle. Et c'est là que ce nouveau film est parfaitement raccord avec le précédent, apparemment trop dur pour une conscience nationale confrontée à des crimes commis selon une logique fasciste. Cette fois, il ne s'agit «que» d'un flagrant déni de démocratie tel qu'il est perçu par un gamin obligé de tuer (symboliquement) sa mère. En 1996, la guerre des Balkans fait déjà rage depuis des années et les manifestations en question ne seront qu'un accroc dans la triste épopée nationaliste de la Serbie de Slobodan Milosevic. Mais pour une jeune conscience qui s'éveille, cet épisode devient un moment fondateur.</p>
<h3>Conflit de loyauté cauchemardesque</h3>
<p>La réussite du film vient précisément de cette exigence de se limiter au point de vue de Stefan, incarné par un débutant parfaitement choisi, dont le visage reflète ausi bien l'innocence et la sensibilité qu'il exprime une intelligence et une maturité en devenir. En face, sa mère est incarnée avec toute l'ambiguïté nécessaire par Jasna Djurici, récemment admirée en vedette dans <i>Quo vadis, Aida?</i> de Jasmila Zbanic. Rarement à la maison, elle reste toutefois une présence épisodique, une énigme à déchiffrer, au même titre qu'un monde qui se révèle soudain hostile pour le garçon.</p>
<p>Resté fidèle à la pellicule d'alors (ici, du 16 mm), le cinéaste a aussi tenu à retrouver les lieux de sa jeunesse. «En tournant <i>Ordinary People,</i> je me suis parfois senti à la limite de la légitimité, n'ayant pas moi-même été à l'armée», explique le cinéaste. «Même si l'histoire de <i>Lost Country</i> s'écarte de ma stricte biographie, je tenais cette fois à ce que tout soit juste, du chemin pour se rendre à l'école au grand-père nostalgique de la Yougoslavie de Tito. Pour la même raison, je tourne les scènes dans l'ordre, avec un mélange d'acteurs professionnels et non professionnels qui se tirent mutuellement vers plus de réalisme. Mon jeune acteur n'avait qu'une vague idée du sujet et n'a découvert le scénario qu'au fur et à mesure, comme son personnage pris dans une sorte de cauchemar.» D'où l'étonnante intensité qui se dégage de ce film d'apparence si modeste?</p>
<h3>Revirements de l'Histoire</h3>
<p>Pour autant, ce fin cinéphile qui cite facilement Roberto Rossellini, Robert Bresson ou Jacques Rivette (on a oublié de lui demander s'il avait aussi songé à Nanni Moretti et son <i>Palombella rossa</i> pour le water-polo) n'hésite pas à inclure des scènes plus métaphoriques, telles qu'une visite chez l'oculiste, des cours de littérature ou un ramassage de pierres. Selon lui, la fin du film n'est ainsi pas forcément à prendre à la lettre: entre tragédie et renaissance, les choses restent ouvertes à l'interprétation. «En ex-Yougosalvie s'est malheureusement développée une sorte d'intolérance à l'art et à la fiction», déplore Perisic. «Tout est pris au premier degré, il n'y a plus de place pour la prise de distance et la pensée. C'est pour ça qu'on s'entretue! Or, naître à soi signifie se débarrasser de tout ce qui vous a formé. Je pense que je suis vraiment né le jour où j'ai tué tout cet héritage communiste qui avait entretemps viré à un vrai fascisme. J'y ai gagné le droit de partir, la liberté de me situer en marge de tout ça.»</p>
<p>Quant à ceux qui se méfient du cinéma historique, ils ne trouveront pas grand-chose dans ce film qui n'ait l'air parfaitement actuel, à part un téléphone vintage par-ci, une voiture un peu usée par-là. C'est que le cinéaste non plus n'a guère le goût des reconstitutions. C'est bien plutôt la confrontation aux échos du passé qui le passionne. «Pendant longtemps, j'ai cru que ce qui arrivait à mon pays illustrait le cul-de-sac du XXème siècle. Puis j'ai fini par comprendre que c'était plutôt le prologue du XXIème! Le renversement idéologique que nous avons connu s'est répandu un peu partout ailleurs.» Dernier revirement de l'Histoire, c'est dans la même école qui a accueilli le tournage qu'a eu lieu en mai dernier une fusillade meurtrière... à l'origine de grandes manifestations et d'une coalition «Serbie contre la violence (SNP)». Enfin une bonne nouvelle venue de Belgrade?</p>
<hr />
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<h4>«Lost Country», de Vladimir Perisic (Serbie / France / Luxembourg / Croatie, 2023), avec Jovan Ginic, Jasna Duricic, Miodrag Jovanovic, Lazar Kovic, Pavle Cemerikic, Boris Isakovic, Marija Skaricik. 1h38</h4>',
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Culture / Adieu mère, adieu patrie
Auteur d'un mémorable «Ordinary People» il y a une décennie, le Serbe Vladimir Perisic est de retour avec «Lost Country», histoire d'un garçon tiraillé entre sa famille et sa conscience politique naissante. Avec la même rigueur, ce film revisite un trauma personnel subi dans la Serbie de Slobodan Milosevic. Même resté sans distributeur en Suisse, on peut le découvrir ces jours à Genève et Lausanne.
Norbert Creutz
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