Culture / Pour en finir avec les étoiles
23 septembre 2019
© 20TH CENTURY FOX
Geste ambitieux qui accouche d'un film étrangement morne, «Ad Astra» laisse perplexe quant à l'avenir de la science-fiction cinématographique. À dessein, apparemment, mais sans la puissance d'expression qui en ferait le grand film «définitif» auquel aspirait sans doute son auteur.
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Fâcheux pour un film censé quitter très tôt notre planète pour mettre le cap sur Neptune et «des révélations mettant en cause la nature même de l’existence humaine et notre place dans l’univers» (<em>dixit</em> le résumé officiel).</p> <p>Pourquoi Neptune, au fait? Probablement parce que les autres planètes ont déjà toutes été visitées, du moins par le cinéma. Mais peut-être aussi faute d'avoir osé Uranus... Mais revenons d'abord à nos moutons. Dans un futur pas trop lointain, alors qu'il est occupé à une réparation sur une station orbitale, l'astronaute Roy McBride (Pitt) réchappe de peu à une mystérieuse «décharge» venue de l'espace. Il apprend bientôt qu'elle avait pour origine Neptune et qu'elle pourrait être liée à une mission Lima, partie 30 ans plus tôt sous la direction de son père Clifford en quête d'une forme de vie intelligente extra-terrestre. Une fuite d'anti-matière utilisée pour propulser le vaisseau spatial pourrait à présent provoquer une réaction en chaîne menaçant notre univers...</p> <h3>Cap sur les anneaux de Neptune</h3> <p>Inutile de chercher à comprendre la science censée sous-tendre la fiction – le film défie allègrement toute plausibilité. Toujours est-il que Roy se trouve recruté pour aller lancer un message à son père (contre toute attente encore en vie) depuis une base sur Mars. Personnage apparemment dénué d'affects, complètement dédié à son métier, Roy se soumet régulièrement à des tests psychologiques automatisés pour rassurer ses employeurs de «SpaceCom» et lui-même qu'il est bien en mesure d'assurer sa mission. 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Quant à l'action, soit un affrontement avec des pilleurs sur la Lune, la visite d'une station spatiale abandonnée et un embarquement clandestin pour la mission ultime (raisonner ou éliminer Clifford), c'est à peine si elles réveillent Roy et le spectateur de la torpeur qui gagne.</p> <p>Le principal problème du film est son absence d'interactions réelles. Fuyant tout contact, le plus souvent confronté à des ordinateurs et à des voix enregistrées, Roy rumine seul (en voix off) et se souvient de la femme (Liv Tyler) qu'il n'a pas su retenir. Du coup, l'existence de tous les autres se trouve réduite à un strict minimum. Tout ceci qui est clairement voulu. Mais c'est aussi le monde physique dans son entier qui en pâtit: les corps sont comme inexistants, les exploits techniques qui rendent possible la vie et les déplacements dans l'espace ne comptent plus, les rares scènes à suspense se déroulent comme déconnectées de toute réalité tangible. Et c'est là que James Gray perd son pari.</p> <h3>Les limites du néoclassicisme</h3> <p>Une autre particularité des films de science-fiction, c'est qu'ils semblent convoquer au passage tous leurs prédécesseurs. C'est ainsi qu'à la vision d'<em>Ad Astra </em>défile derrière nos yeux tout ce qui a compté depuis <em>2001, l'Odyssée de l'espace</em>, en particulier <em>Solaris </em>(Tarkovski, puis Soderbergh), <em>Contact </em>(Zemeckis), <em>Interstellar </em>(Nolan) et <em>Arrival </em>(Villeneuve), mais aussi des films moins ouvertement philosophiques tels que <em>Alien, Outland, Total Recall, Mission to Mars, Moon, Oblivion, Gravity, First Man </em>ou <em>Space Cowboys. </em>C'est à ce dernier que Gray emprunte d'ailleurs explicitement Tommy Lee Jones dans le rôle du père naufragé (volontaire) de l'espace et Donald Sutherland dans celui de son ex-collègue, «traître» quant à lui chargé d'humanité.</p> <p>Las! Tous ces souvenirs ne donnent pas l'impression d'un véritable pas en avant. 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C'est en tout cas fort de cette conviction qu'on est allé voir <i>The Palace</i> et qu'on l'a beaucoup apprécié, contrairement à la meute qui lui est tombée dessus en septembre dernier à Venise. Non, il ne s'agit pas d'un grand film et pourtant, il y a là une liberté de ton, une capacité à mêler burlesque raffiné et mauvais goût le plus trash, à concilier un cynisme apparemment total et un regard moral, qui fait le plus grand bien. Est-ce trop demander aujourd'hui qu'un peu de respect pour cet artiste majeur en fin de carrière et, surtout, le droit de vérifier par soi-même plutôt que de subir de nouveaux censeurs auto-institués</p> <p>Car on en est là. Depuis cette présentation désastreuse hors compétition à la dernière Mostra, précédée d'appels au boycott, plus personne ne semble vouloir de ce film. Déjà son tournage à Gstaad, avec un montage financier acrobatique suite au désistement de nombreuses vedettes, fut tout sauf simple. Malgré l'aura du cinéaste palmé et oscarisé de <i>The Pianist</i> et de son co-scénariste Jerzy Skolimowski <i>(EO),</i> le projet était devenu comme pestiféré déjà avant le premier clap. Et à présent que toute chance de succès commercial a disparu, c'est la débandade.</p> <p>Certes, <i>The Palace </i>est encore sorti plus ou moins normalement dans une poignée de pays (Italie, Pologne, Russie, Hongrie, Suède et Allemagne). Mais dans le monde anglo-saxon, personne n'ose s'en approcher, surtout après son assassinat en règle par les donneurs de ton <i>Variety, The Hollywood Reporter</i> et <i>Screen.</i> En France, après six mois de tergiversations, seule une petite compagnie spécialisée dans la réédition de classiques américains, Swashbuckler Films, a fini par assumer le risque d'une distribution, en espérant que suffisamment de salles suivront d'ici la date annoncée du 15 mai. Et en Suisse, autre pays co-producteur derrière l'Italie et la Pologne? Ici aussi, c'est un mini-distributeur occasionnel, Mont-Blanc, qui est venu à la rescousse, sortant d'abord le film en Suisse allemande le 18 janvier (flop à 4'600 d'entrées) tandis que presque tous les exploitants romands se défilaient. Même notre Cinémathèque se cache courageusement. Ne reste pour l'instant plus que le Ciné 17 de Genève, qui sort le film le 10 avril – qu'on se le dise.</p> <h3>C'est quoi, ce <i>Palace?</i></h3> <p>Car enfin, ce n'est «que» d'une œuvre qu'il sagit, pas d'anciennes affaires de mœurs sur lesquelles nous n'avons ni les moyens ni l'autorité pour juger! Et <i>The Palace,</i> malgré tous les bâtons mis dans ses roues, vaut largement le détour. Peut-être que seuls ceux qui se souviennent encore de <i>What? </i>(1972), la dernière franche comédie de Polanski, comprendront vraiment d'où sort ce film absurde et grotesque, cosmopolite en diable et peuplé de monstres tous plus ou moins escrocs. Après une villa isolée au bord la Méditerranée, c'est dans un grand hôtel de l'Oberland bernois – à Gstaad, où il possède un chalet et passa une année en résidence surveillée sous la menace d'une extradition aux Etats-Unis – que notre auteur a situé sa nouvelle farce. Et à la place de son vieux complice Gérard Brach, décédé en 2006, c'est cette fois son ami de jeunesse Skolimowski qui, avec son épouse Ewa Piaskowska, co-signe le scénario. Soixante ans après leur mémorable collaboration du <i>Couteau dans l'eau,</i> un bel exemple de fidélité.</p> <p>Pays hôte, la Suisse n'en sort pas grandie, et on peut dès lors comprendre que la Confédération n'ait pas lâché le moindre centime au courageux co-producteur CAB Films. Mais elle n'est de loin pas la seule à en prendre pour son grade dans ce qui s'apparente à un grand jeu de massacre géopolitique. Seul épargné, ce «reste du monde», pays du Golfe, Chine, Inde ou Brésil, qui n'a atteint le statut puissance mondiale qu'après l'an 2000. Ce règlement de comptes est donc avec l'ancien monde, celui du XXème siècle qu'a traversé Polanski, aujourd'hui âgé de 90 ans. Mais il concerne tout autant une certaine «belle» société huppée qu'il a aussi côtoyée. Et là, il y a peu de chances que quoi que ce soit ait changé depuis, les nouveaux riches valant bien les anciens.</p> <h3>Jeunesse qui s'enfuit, argent aux abris</h3> <p>Tout commence donc avec l'arrivée des convives pour un réveillon du millénaire qui s'annonce festif tandis que le personnel s'active pour leur accueil. Hansueli Kopf, l'impeccable directeur du palace (Oliver Masucci, un des principaux acteurs allemands actuels), sera particulièrement mis à contribution. Il est le clown blanc de l'affaire, qui se plie aux exigences les plus extravagantes de ses hôtes, arrangeant des services discrets par-ci et éteignant des incendies par-là avec l'aide de ses adjoints Tonino (Fortunato Cerlino) et Mrs. Frautschi (Beatrice Frey). Et parmi les habitués déjà installés, qui d'autre pour ouvrir le bal que... Sydne Rome, l'héroïne de <i>What?</i></p> <p>Las! Ex-beauté d'une fraîcheur exquise, cette juive américaine installée en Italie n'est plus que l'ombre d'elle-même après trop de passages sous les bistouris (à sa décharge, dans la vie réelle, c'est suite à un accident de voiture lors duquel un airbag lui explosa au visage). Vitrine de tous les autres «monstres» à venir, elle remercie un certain Dr. Lima (Joaquim de Almeida, star portugaise du cinéma international) pour les années de jeunesse qu'il lui aurait fait gagner. Très demandé, ce prince de la chirurgie esthétique ne se souvient pas des noms de ses innombrables patientes, plus préoccupé qu'il est par une épouse gagnée par Alzheimer. Claquemurée dans sa suite, une autre de ses clientes, une marquise française (Fanny Ardant), voue son affection à son petit chien Mr. Toby. Mais un souci d'écoulement lui fait bientôt reporter son intérêt sur Karol, un beau plombier polonais.</p> <p>Et ainsi vogue la comédie, de chambre en chambre et de nouvel arrivant en nouvelle crise. Il y a là l'octogéraire milliardaire américain Arthur William Dallas III (John Cleese, des Monty Python) et Magnolia, sa jeune épouse texane enveloppée (la non moins britannique Bronwyn James), surtout intéressée à hériter. Autre Américain quoique d'âge indéfinissable grâce à sa moumoute et son fond de teint orangé, Bill Crush (Mickey Rourke, ou ce qu'il en reste) est un escroc qui s'est invité sans réservation pour faire affaire avec Jacob Tell (Milan Peschel, autre excellent comédien allemand), un timide banquier suisse. Mais qui est donc ce Vaclav, surgi de quelque pays d'Europe centrale avec femme et enfants, qui se présente soudain comme son fils? A l'autre bout du spectre, voici un groupe de jeunes et bruyants oligarques russes avec leurs blondes escorts venus retrouver un ambassadeur corrompu avec des sacs remplis de billets à «blanchir». Trop volumineux pour être accueillis par le safe de l'hôtel, ils trouveront place dans l'abri anti-atomique...</p> <h3>La vanité des monstres</h3> <p>On peut trouver le trait gros, mais la caricature à la Daumier est précise et cruelle, de même que la mise en scène reste affûtée. Par moments, Polanski manque visiblement de moyens (l'envol depuis un balcon qui révèle enfin l'ensemble du bâtiment, réalisé en effets spéciaux) et ses blagues ne sont pas toujours du meilleur goût, comme celles concernant le signor Minetti, alias Bongo, ancienne star du porno bien membré (Luca Barbareschi, complice de longue date et principal producteur du film). Mais un pansement bien placé en souvenir de <i>Chinatown</i> a tôt fait de nous le rendre plus amusant. En fait, tous se valent dans cette grande course à l'argent, contre le temps qui file et qui finira tout de même par les rattraper.</p> <p>Mr. Crush veut convaincre Tell de parier avec lui sur le «bug» informatique prédit pour l'an 2000. A la télévision, en direct, un Boris Eltsine épuisé passe la main à un jeune successeur prometteur, un certain Vladimir Poutine, lequel assure un peu plus tard à tous la protection d'un Etat de droit. Un pingouin offert par le vieux milliardaire à sa petit-fille – pardon, sa jeune épouse – s'échappe dans les couloirs de l'hôtel, pauvre petit intrus dans ce monde de fous. Pour finir, il y aura des morts, mais on ne dévoilera pas ici lesquelles. Par contre, il n'y pas de mal à révéler que, de manière parfaitement réaliste, les riches resteront riches et la Suisse saura en profiter. Quant à Tell, il sortira de là tout ébaudi, déclarant avoir vécu là «la plus belle soirée de sa vie». 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Cinéaste inégal mais qui n'a jamais «soldé», toujours là trente ans après ses débuts <i>(Bar des rails,</i> 1991) et devenu également acteur aves un certain succès, Cédric Kahn a mis à profit la pause imposée par le Covid pour imaginer le sien. A travers le prisme d'un «making of», ces documentaires de tournage à fins promotionnelles souvent confiés à de jeunes débutants, il a ainsi imaginé une comédie qui tente de faire la part de l'idéal artistique et du pragmatismne. Et pour peu qu'on s'intéresse au 7e art (mais sinon, pourquoi lire ces lignes), c'est aussi bidonnant qu'éclairant!</p> <p>Cédric Kahn aurait-il été inspiré par la mésaventure de Terry Giliam, dont la première tentative de tourner son <i>Don Quichotte</i> se solda par un documentaire du désastre composé à partir de son «making of» <i>(Lost in La Mancha</i> de Keith Fulton et Louis Pepe, 2002)? 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L'alternance entre noir et blanc et couleur est devenue la dernière tarte à la crème tandis qu'une musique agressive fait toujours son petit effet? Eh bien, imaginez un film qui ne serait fait que de ça, sans doute justifié par quelque stratégie de distanciation. La direction d'acteurs – même la très vantée performance d'Emma Stone, qui témoigne en effet d'un bel abandon à une vision d'auteur – est à l'avenant: tout dans l'exhibition grotesque et plus rien qui soit laissé à l'imagination.</p> <h3>L'autopromotion comme moteur</h3> <p>A partir de là, comment s'étonner que même les intentions évoquées plus tôt tombent à plat, traitées qu'elles sont à la limite de la comédie? Lorsque, dans une Lisbonne réimaginée, Bella se découvre un vague à l'âme à l'écoute d'un fado, on est surtout consterné par l'énormité du cliché. A Alexandrie, elle apprend la compassion à la vue de miséreux laissés-pour-compte, sans jamais que leur réalité ne vienne salir la belle image léchée. 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Alors oui, il y a bien une star hollywoodienne pour porter le film, mais comme éteinte faute d'action. Et un cinéaste doué, très conscient de tout ce qui l'a précédé, et qui pourtant peine à tutoyer les meilleurs. Du coup, on ne décolle jamais vraiment! Fâcheux pour un film censé quitter très tôt notre planète pour mettre le cap sur Neptune et «des révélations mettant en cause la nature même de l’existence humaine et notre place dans l’univers» (dixit le résumé officiel).
Pourquoi Neptune, au fait? Probablement parce que les autres planètes ont déjà toutes été visitées, du moins par le cinéma. Mais peut-être aussi faute d'avoir osé Uranus... Mais revenons d'abord à nos moutons. Dans un futur pas trop lointain, alors qu'il est occupé à une réparation sur une station orbitale, l'astronaute Roy McBride (Pitt) réchappe de peu à une mystérieuse «décharge» venue de l'espace. Il apprend bientôt qu'elle avait pour origine Neptune et qu'elle pourrait être liée à une mission Lima, partie 30 ans plus tôt sous la direction de son père Clifford en quête d'une forme de vie intelligente extra-terrestre. Une fuite d'anti-matière utilisée pour propulser le vaisseau spatial pourrait à présent provoquer une réaction en chaîne menaçant notre univers...
Cap sur les anneaux de Neptune
Inutile de chercher à comprendre la science censée sous-tendre la fiction – le film défie allègrement toute plausibilité. Toujours est-il que Roy se trouve recruté pour aller lancer un message à son père (contre toute attente encore en vie) depuis une base sur Mars. Personnage apparemment dénué d'affects, complètement dédié à son métier, Roy se soumet régulièrement à des tests psychologiques automatisés pour rassurer ses employeurs de «SpaceCom» et lui-même qu'il est bien en mesure d'assurer sa mission. A partir de là, le scénario s'écrit presque de lui-même: il s'agira de retrouver son «héros» de père, de l'affronter et d'en revenir humainement grandi.
L'aventure a beau passer par la Lune et Mars, rien ne se passe réellement avant cet affrontement programmé aux confins du système solaire, sur les anneaux de Neptune. Un vieux mentor qui s'était jadis brouillé avec Clifford a tôt fait d'abandonner la partie, victime d'épuisement; une Lune colonisée où l'on a reproduit la vie terrestre n'est qu'une suite de déceptions; Mars se réduit à des boxes souterrains autour d'un studio émetteur et la rencontre avec la directrice de la base (Ruth Negga) à une affaire d'enfants inconsolés. Quant à l'action, soit un affrontement avec des pilleurs sur la Lune, la visite d'une station spatiale abandonnée et un embarquement clandestin pour la mission ultime (raisonner ou éliminer Clifford), c'est à peine si elles réveillent Roy et le spectateur de la torpeur qui gagne.
Le principal problème du film est son absence d'interactions réelles. Fuyant tout contact, le plus souvent confronté à des ordinateurs et à des voix enregistrées, Roy rumine seul (en voix off) et se souvient de la femme (Liv Tyler) qu'il n'a pas su retenir. Du coup, l'existence de tous les autres se trouve réduite à un strict minimum. Tout ceci qui est clairement voulu. Mais c'est aussi le monde physique dans son entier qui en pâtit: les corps sont comme inexistants, les exploits techniques qui rendent possible la vie et les déplacements dans l'espace ne comptent plus, les rares scènes à suspense se déroulent comme déconnectées de toute réalité tangible. Et c'est là que James Gray perd son pari.
Les limites du néoclassicisme
Une autre particularité des films de science-fiction, c'est qu'ils semblent convoquer au passage tous leurs prédécesseurs. C'est ainsi qu'à la vision d'Ad Astra défile derrière nos yeux tout ce qui a compté depuis 2001, l'Odyssée de l'espace, en particulier Solaris (Tarkovski, puis Soderbergh), Contact (Zemeckis), Interstellar (Nolan) et Arrival (Villeneuve), mais aussi des films moins ouvertement philosophiques tels que Alien, Outland, Total Recall, Mission to Mars, Moon, Oblivion, Gravity, First Man ou Space Cowboys. C'est à ce dernier que Gray emprunte d'ailleurs explicitement Tommy Lee Jones dans le rôle du père naufragé (volontaire) de l'espace et Donald Sutherland dans celui de son ex-collègue, «traître» quant à lui chargé d'humanité.
Las! Tous ces souvenirs ne donnent pas l'impression d'un véritable pas en avant. Trop psychologique pour être un grand film mental mais aussi trop théorique pour garder une solide assise concrète, Ad Astra s'effiloche déjà bien avant d'avoir atteint le but du voyage. De sorte que quand résonne le «je me soumets» (à la vie terrestre, à l'amour, à l'abandon du surmoi paternel) finalement prononcé par Brad Pitt, on se dit juste que c'était la conclusion inévitable. Si, conceptuellement, le projet se tient et ne manque pas de grandeur (en finir une fois pour toutes avec la SF de papa, avec les rêves de lendemains et d'ailleurs qui chantent!), sa réalisation sécrète surtout un vague ennui.
Et c'est là que se confirment les limites de James Gray – dont on avait tant admiré le classicisme revivifié dans The Yards et Two Lovers – déjà entrevues dans son film d'époque/d'exploration The Lost City of Z.
Néoclassique dans l'âme, il livre un beau film trop lisse et sérieux, nimbé de musiques convenues (Max Richter et Lorne Balfe), là où il aurait sans doute fallu une postmodernité plus aventureuse, voire réflexive, à défaut de viser un nouveau prototype. Pour finir, à vouloir mettre un point final au genre (le vieux «The End» ne ressurgit pas par hasard tout au bout du générique), Ad Astra se conclut de manière univoque, sans plus de mystère. Mais justement, c'est oublier que sans une part de mystère, il n'est pas de chef-d'oeuvre qui tienne...
La bande-annonce du film
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Clin d'œil au titre du film qu'Ettore Scola tira en 1972 de <i>La Panne</i> de Friedrich Dürrenmatt?</p> <p>Toujours est-il que c'est bien la satire jusqu'au-boutiste des dernières grandes comédies italiennes qui vient ici à l'esprit (bien plus que les récents <i>Youth</i> de Paolo Sorrentino ou <i>Sans filtre/Triangle of Sadness</i> de Ruben Östlund). C'est comme si Polanski avait choisi de rester un cinéaste du siècle passé, pour le meilleur et pour le pire. Quant à l'humour, il n'y a bien sûr rien de plus personnel. Par le passé, il est arrivé au cinéaste de toucher le grand public <i>(Cul-de-sac, Le Bal des vampires)</i> comme de rater sa cible <i>(What?, Pirates). </i>Pour notre part, nous nous sommes bien amusés. En tous cas, ne croyez pas ceux qui clament que Polanski serait soudain devenu gâteux et aurait perdu tout talent. Secondé par ses fidèles collaborateurs, le monteur Hervé de Luze (12ème film en commun), le chef opérateur Pawel Edelman (8ème) et le compositeur Alexandre Desplat (6ème), réunis depuis <i>The Ghost Writer</i> et ses ennuis helvétiques de 2009, cet éternel fugitif a réalisé le film qu'il voulait. Sans doute le dernier d'un esprit libre, qui aura estimé qu'il n'avait plus rien à perdre.</p> <hr /> <p>(<strong>Rédaction</strong>) <em>Nous apprenons que le producteur-délégué du film de Polanski, Jean-Louis Porchet, a été victime d’un grave accident de circulation le dimanche 24 mars, près de Rivaz. Il se trouve dans un état grave au CHUV, à Lausanne. Sa société, CAB-Productions, établie à Lausanne, connaît de sérieuses difficultés en raison du boycott dans quasiment toutes les salles suisses de cette œuvre tournée à Gstaad, avec un grand nombre de techniciens locaux. 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Mais aussi d'une musique réputée trop froide, lors de confrontations avec la fidèle interprète-amie Marguerite Long (Emmanuelle Devos) et le critique Pierre Lalo (campé par le pianiste Alexandre Tharaud!). D'une nostalgie d'enfance tenace, via des flash-backs auprès d'une mère aimante (Anne Alvaro). D'une insistante piste espagnole, avec l'idée première d'orchestrer la suite <i>Iberia </i>d'Isaac Albéniz puis une source plus populaire révélée par son aide de maison (Sophie Guillemin). D'une pression économique enfin, qui, alliée au délai qui se rapproche inexorablement, pousse Ravel à une solution «de facilité» qui s'avèrera radicalement moderne (le <i>Bolero</i>, source de la musique répétitive et des boucles électro d'aujourd'hui?). 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Cinéaste inégal mais qui n'a jamais «soldé», toujours là trente ans après ses débuts <i>(Bar des rails,</i> 1991) et devenu également acteur aves un certain succès, Cédric Kahn a mis à profit la pause imposée par le Covid pour imaginer le sien. A travers le prisme d'un «making of», ces documentaires de tournage à fins promotionnelles souvent confiés à de jeunes débutants, il a ainsi imaginé une comédie qui tente de faire la part de l'idéal artistique et du pragmatismne. Et pour peu qu'on s'intéresse au 7e art (mais sinon, pourquoi lire ces lignes), c'est aussi bidonnant qu'éclairant!</p> <p>Cédric Kahn aurait-il été inspiré par la mésaventure de Terry Giliam, dont la première tentative de tourner son <i>Don Quichotte</i> se solda par un documentaire du désastre composé à partir de son «making of» <i>(Lost in La Mancha</i> de Keith Fulton et Louis Pepe, 2002)? 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Alain, qui squatte sans vergogne chez le syndicaliste qu'il est censé interpréter, porte de plus en plus sur les nerfs de sa partenaire Nadia, dont la situation sentimentale est plutôt compliquée. Quant à Simon, qui vit séparé de sa femme Alice (Valérie Donzelli) et de ses enfants sans parvenir à vraiment l'admettre, il sombre de plus en plus dans la déprime en voyant s'éloigner le film qu'il avait rêvé. Seul le jeune Joseph, pourtant obligé de jongler avec son travail de pizzaiolo au restaurant tenu par sa sœur, semble bien déterminé à ne pas lâcher la chance de sa vie!</p> <h3>Conflits en abyme</h3> <p>En fait, Cédric Kahn présente tellement de situations parallèles problématiques (pourtant encore bien moins nombreuses que dans la réalité) qu'un film abouti pourrait presque paraître tenir du miracle. 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Juste un ricanement misanthrope qu'on avait déjà deviné dans les films précédents de Yorgos Lanthimos et qui devient ici assourdissant. Comme quoi, fond et forme finissent par se rejoindre dans une laideur commune.</p> <p>Entièrement tourné dans des studios... hongrois, <i>Pauvres créatures</i> n'est pas sans rappeler superficiellement les récents <i>The Story of My Wife</i> (Ildiko Enyedi, 2021) et <i>Three Thousand Years of Longing</i> (George Miller, 2022), dans un étrange effet d'entraînement et d'émulation «auteuriste». Comme pour ces films-là, pas sûr pourtant que le grand public suive l'enthousiasme festivalier, tant l'objet semble par ailleurs déconnecté du réel et boursouflé avec ses 2h20 de projection. Lanthimos deviendra-t-il un jour un cinéaste majeur, de la trempe d'un Luis Buñuel, son maître en surréalisme, d'un Robert Altman, cet autre grand satiriste, ou d'un Lars von Trier, sûrement son modèle en matière de provocation? 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