Culture / Le cinéma italien à l'heure du révisionnisme féministe
"Gloria" © FILMCOOPI
"La Bella Estate" © XENIX
"C'è ancora domani" © MORANDINI
Il y a quelques mois, «Il reste encore demain» de Paola Cortellesi cassait la baraque du box office italien et même helvétique. Aujourd'hui débarque «Gloria!» de Margherita Vicario, sélectionné en compétition à la dernière Berlinale. Et malgré les meilleures intentions de ces cinéastes soucieuses de revister le passé du point de vue des femmes, un malaise s'installe. Ne sont-elles pas en train de le réécrire par le petit bout de la lorgnette?
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Comme par exemple ces motards organisés en bandes qui avaient connu leur heure de gloire à l'écran (1966-72) avant de disparaître des radars mais qui n'en continuent pas moins d'exister de nos jours.</p> <p>Cinéaste indépendant originaire du Midwest, Jeff Nichols <i>(Shotgun Stories, Take Shelter, Mud, Midnight Special, Loving)</i> est tombé un jour sur le fameux livre <i>The Bikeriders</i> du photographe Danny Lyon. Un reportage publié en 1968 et consacré aux Outlaws de Chicago, dont Lyon faisait alors partie. Incapable de se plier aux règles de Hollywood (il a pris la porte de <i>A Quiet Place – Day One),</i> voici donc que Jeff Nichols décide d'en tirer un film, se déclarant plus intéressé par cette dimension historique que par la réalité des motards d'aujourd'hui. Excellente idée, tant cette sous-culture à jamais représentée par les iconiques <i>The Wild One</i> avec Marlon Brando (Laslo Benedek, 1953) et <i>Easy Rider</i> de Dennis Hopper (1969) appelait un regard rétrospectif. 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Et pour saisir d'emblée notre attention, il commence par une scène de brutalité extrême, peu caractéristique de son cinéma mais certes associée au milieu: une sorte d'anticipation de ce qui sera le point de bascule du film.</p> <p>Les Outlaws, qui existent encore et risquaient d'objecter, ont été ici rebaptisés Vandals, et le décor paraît décidément plus rural que les <i>suburbs</i> de Chicago originels. Au début, il y a encore une sorte d'innocence dans le récit de cette princesse attirée par un loubard. Puis celui-ci s'inscrit dans une chronique plus vaste de comment le chef-fondateur de la bande, le charismatique Johnny (Tom Hardy), commence à faire des émules à travers le pays. Rien de bien spectaculaire, en somme. 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N'allez pas leur chercher noise, mal pourrait vous en prendre...</p> <h3>Vers une impasse</h3> <p>Du milieu des années 1960 au début des années 1970, un glissement s'opère cependant, qui échappe en partie au chroniqueur Danny (Mike Faist, de <i>West Side Story</i> et <i>Challengers).</i> Des vétérans du Vietnam amènent leurs problèmes et d'autres nouveaux venus semblent plus portés sur la violence et le crime organisé que le maintien de règles et d'une saine camaraderie. Tandis que la rixe du début avec des <i>rednecks </i>met Benny hors-jeu pour un moment, un jeune simplement appelé Kid cherche à se faire admettre dans la bande. Débouté par Johnny, il pourrait bien revenir contester son autorité. Quant à Kathy, elle en a assez et n'aura de cesse de sortir son Benny de là, avec les inévitables étincelles que cela suppose.</p> <p>«J'aurais voulu qu'il change», reconnaît-elle, comme n'importe quelle épouse parlant de son mari. Et comment lui donner tort? Car il faut avouer que cette «contre-culture» paraît vite terriblement limitée, sans la moindre possibilité d'évoluer, de grandir tant intellectuellement que spirituellement. Venus là en quête de liberté, pour fuir d'autres carcans, ces marginaux ne tendent qu'à devenir des caricatures d'eux-mêmes. Avant même les luttes de pouvoir intrinsèques à toute bande et la dérive vers des activités illicites (drogue, prostitution, braquages, viols, etc., pour finir évoqués mais pas montrés), on devine déjà l'impasse.</p> <p>Mais est-ce bien le cinéaste, soucieux de ne pas rendre ses protagonistes antipathiques, qui le suggère? Ou est-ce plutôt une pointe d'ennui qui s'installe peu à peu en leur compagnie? En effet, ils restent tous bien peu définis, guère plus personnalisés que les engins qu'ils enfourchent. Et trop isolés du reste de la société. Les acteurs font ce qu'ils peuvent, mais il y a des limites. D'ailleurs, tous ne sont pas des plus crédibles. Au-delà de son accent très étudié, l'Anglaise Jodie Comer <i>(The Last Duel</i>, de Ridley Scott) paraît ainsi un peu trop classe et âgée pour son rôle. Et que dire de son compatriote Tom Hardy, rarement très convaincant, qui «brandoïse» à mort? C'est encore Austin Butler (l'Elvis de Baz Luhrmann) qui s'en tire le mieux avec son personnage nihiliste mi-attachant mi-inquiétant de Benny, clairement dangereux ne serait-ce que pour lui-même.</p> <h3>Un film trop propret?</h3> <p>Qui aurait lu le reportage contemporain de Hunter S. Thompson sur les Hell's Angels de la côte Ouest ou vu d'autres <i>biker movies</i> sales, bêtes et méchants de l'époque <i>(Hell's Angels '69, Angel Unchained, The Hard Ride, </i>etc.) sera aussi frappé par l'aspect finalement très propret de ces <i>Bikeriders.</i> Pour réablir la vérité après trop d'exploitation sensationnaliste? Ou simple auto-censure de la part d'un cinéaste pas franchement attiré par ce milieu? 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Depuis son hameau de Quincy (commune de Mieussy) niché derrière le Môle, une montagne bien connue des habitants du bout du Léman, il mène une carrière unique en son genre, qui prouve qu'on peut traiter du global à partir du local. En témoignent une vingtaine de titres, dont une dizaine de longs-métrages de <i>Ma Mondialisation</i> (2006), sur l'industrie du décolletage dans la vallée de l'Arve toute proche, à deux films récents avec le député Insoumis François Ruffin <i>(J'veux du soleil!</i> et <i>Debout les femmes!).</i></p> <p>Après un premier détour par la fiction tenté avec l'aide de sa compagne Marion Richoux, <i>Reprise en main</i> (ancré dans cette même réalité ouvrière, avec Pierre Deladonchamps et Laetitia Dosch), le voici qui revient au sujet de son premier film, <i>Trois frères pour une vie</i> (1999), portrait de paysans de son village. A l'époque, les trois frères restés célibataires étaient sur le point de transmettre leur exploitation laitière d’une centaine de bêtes à un neveu et son épouse. 25 ans plus tard, c'est cette dernière qui se prépare à la retraite, bientôt remplacée par des robots...</p> <p>Riche idée que cette mise en regard entre hier et aujourd'hui, qui parle de pénibilité et de progrès, de sacrifices et de transmission, d'une vie de labeur comme on ne l'imagine plus guère. Simple et direct, mais réalisé dans une relation de proximité et de confiance rares, <i>La Ferme des Bertrand</i> n'en est que plus frappant, tout en abordant nombre de questions cruciales d'aujourd'hui. Entretien.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1714035944_lafermedesbertrand1.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Le réalisateur Gilles Perret. © DR</em></h4> <hr /> <p><strong>Norbert Creutz</strong>: <strong>Félicitations, <i>La Ferme des Bertrand</i> est votre plus gros succès à ce jour en France et le premier film à décrocher une vraie distribution en Suisse, via Filmccoopi Zurich...</strong></p> <p><strong>Gilles Perret</strong>: En effet, et c'est assez inespéré! Il faut dire que la crise agricole actuelle nous a donné un sacré coup de pouce, même si le film ne parle bien sûr pas directement de ça. Soudain, j'ai eu accès à des médias qui ne s'étaient jamais intéressés à mon travail jusqu'ici. Et le bouche-à-oreille a particulièrement bien fonctionné. En France, on approche les 250'000 spectateurs, alors que d'habitude, je me situe dans une fourchette entre 100'000 et 200'000. Et pour la Suisse, tout finit par arriver. En fait, même en restant très local, j'aspire toujours à une forme d'universalité. Et les retours dans les débats qu'on a pu faire entre Bulle, La Chaux-de-Fonds ou Morges prouvent que la réalité des paysans d'ici n'est pas si différente.</p> <p><strong>Vous-même n'êtes pas d'une famille paysanne, mais ouvrière. Pourtant, vous revenez ici sur des gens que vous aviez déjà filmés à vos débuts?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, c'était juste la réalité que j'avais sous les yeux: j'ai grandi à 80 mètres de cette ferme! Depuis tout petit je suis monté sur le tracteur des frères Bertrand et je dois avoir passé des centaines d'heures avec eux. J'avais donc profité de cette proximité pour essayer de réaliser un film qui leur corresponde vraiment, qui soit attentif à leurs gestes et à leur façon de s'exprimer, en montrant que ce sont des gens qui ont su se projeter dans l'avenir. Pour la nouvelle génération, que j'ai connue comme bébés, le regard s'est un peu inversé, puisque là, c'est moi l'aîné.</p> <p><strong>Marion Richoux</strong>: De mon côté, je suis d'Annecy. J'ai fait des études de cinéma et j'ai travaillé à la Cinémathèque des Pays de Savoie et de l'Ain. Je connaissais ce premier film de Gilles, <i>Trois frères pour une vie,</i> dont la frontalité m'avait frappée mais qui n'avait presque pas eu de visibilité. Je me disais que c'était dommage et quand, après <i>Reprise en main,</i> on a cherché quel serait le projet suivant, j'ai proposé d'y revenir. C'était l'occasion de parler de tout ce qui avait changé depuis.</p> <p><strong>GP</strong>: En fait, tout est parti de Suisse, parce que ce premier film autoproduit a été primé au Festival du film alpin des Diablerets et de ce fait, acheté pour une version raccourcie par la TSR. C'est cet achat qui a lancé la machine... </p> <p><strong>On voit aussi dans le film une achive TV en noir et blanc avec les trois frères, Jean, Joseph et André, en 1972. D'où provient-elle?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Elle figurait déjà dans le film de 1999. Je m'étais souvenu de l'événement qu'avait été la venue de la télé dans notre hameau – je devais avoir 4 ou 5 ans – et j'étais donc parti à sa recherche. Avant l'apparation de reportages télévisés plus formatés, c'était une sorte d'émission de promotion rurale à l'intention des paysans eux-mêmes, diffusée sur un créneau spécifique de FR3. Retrouver ça n'a pas été une mince affaire!</p> <p><strong>MR</strong>: En fait, je pense que ces images ont aussi influencé Gilles dans sa manière de faire. On y sent une approche bienveillante, pas intimidante, qui laisse un vrai temps de parole et permet d'aborder des questions existentielles tout sauf évidentes.</p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, j'avais encore tout à apprendre. Je me suis formé sur le tas, avec une approche très télé-journalistique. C'est intuitivement que j'ai découvert qu'en me plaçant à hauteur d'homme, dans une interaction naturelle et sans pression, cela fonctionnait mieux. Dès qu'il y a trop de gens, ça peut devenir le bazar. Depuis, j'ai continué de tout faire tout seul, l'image et le son – sauf pour des scènes de groupe où il faut forcément une perche. Ce qu'on perd en qualité technique, on le gagne largement en termes de prise de parole et de réactivité.</p> <p><strong>A l'encontre de la crise agricole actuelle, on découvre ici une agriculture de montagne qui s'en sort plutôt bien. D'où peut-être votre film le moins militant à ce jour!</strong></p> <p><strong>GP</strong>: C'est vrai. Contre les discours politiques qui simplifient, cela rappelle qu'il existe en France beaucoup de réalités rurales très différentes. Ici, derrière les trois frères qui ont souffert pour tout mettre en place, on a une génération qui a vraiment choisi ce métier et qui en vit bien, parvenant à réinvestir sans surendettement. A priori, on peut ne pas voir la robotisation de la traite d'un très bon œil, mais de leur point de vue c'est un réel progrès. Leur modèle fonctionne bien, sous la protection de l'AOC Reblochon. Car il faut se rendre compte que c'est grâce à elle que leur lait est payé deux fois plus cher qu'un lait de plaine, qui lui est en concurrence avec d'autres laits européens.... Même si ce n'est pas explicite dans le film, je tiens à ramener cette dimension politique dans les débats. Alors que de nombreux paysans clament qu'ils veulent moins de règles, surtout environnementales, ici, ce sont bien les règles contraignantes édictées par l'AOC qui les protègent!</p> <p><strong>MR</strong>: C'est un film où il y a beaucoup de thèmes sous-jacents, en particulier du fait que tout est appréhendé sur le temps long. Le montage non-chronologique, qui fait des retours dans le passé, permet de se rendre compte de tout ce qui a évolué. Cadré sous le même angle, le paysage n'a peut-être pas changé, mais on voit la ferme se moderniser, le travail se mécaniser, les gens prendre de l'âge et la vie passer...</p> <p><strong>Tout documentaire est forcément sélectif. Ici, on se demande ce que ces paysans font à part travailler du matin au soir. Il n'y a donc pas de place pour d'autres passions?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Les trois frères n'ont pas vraiment connu de loisirs, encore moins pris de vacances. Et l'heure de la retraite arrivée, ils n'en manifestent pas le désir. Mais c'était des gens étonnamment érudits et intéressés, capables de discuter d'autres sujets que juste leur travail! Le grand-père était un grand lecteur et il leur avait transmis ça. André, celui qui est encore en vie et qui tire un bilan plutôt amer de leur existence, sans femmes pour la partager, lit toujours le <i>Courrier International!</i> Ils ont aussi un peu regardé la TV, même si on ne la voit pas: elle était cachée dans un coin sous un tissu, dans cet intérieur d'une totale austérité.</p> <p><strong>MR</strong>: Il a bien fallu se focaliser sur la ferme, la question de sa survie économique et de sa transmission. Si la nouvelle génération est parvenue à prendre sa place dans le film, ce n'était pas du tout évident au début, face à des personnages tels que ces trois oncles! Au bout du compte, malgré les inévitables «oublis», ils se sont tous déclarés satisfaits de l'image qu'on donne du métier. 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En termes de bilan carbone, on est tous loin derrière, même si la nouvelle génération n'en est évidemment plus là non plus. Dans le film, on voit encore comment l'entretien du paysage et le bien-être de leurs vaches leur ont toujours tenu à cœur. Comme quoi les paysans ne sont pas forcément les ennemis de l'écologie.</p> <p><strong>GP</strong>: Quant au réchauffement climatique, je dirais qu'ils ne sont pas dans la panique, plutôt dans l'anticipation. Les foins se font déjà plus tôt dans l'année et les retours à l'étable plus tard. Alors, ils se préparent à des années avec «deux hivers»: c'est-à dire qu'en plein été aussi il va falloir rentrer les vaches pendant un ou deux mois. Cela paraît inéluctable quand on voit toute la neige qui a déjà disparu en hiver, les pics de chaleur et la sécheresse qui commence à s'installer en été. 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Entre pastiche et académisme
Pour sa première réalisation, l'actrice Paola Cortellesi semble en avoir été bien consciente en décidant de s'inscrire dans la lignée esthétique du premier néoréalisme: pour cette histoire d'une femme du peuple battue qui, à Rome en 1946, relève la tête, elle en propose donc un pastiche au noir et blanc et format resserré de rigueur. Par contre, son film hésite trop entre le drame et la comédie, la révérence stricte et l'émancipation maladroite (diverses touches modernistes anachroniques) pour vraiment convaincre. Un public peu exigeant a pu s'en satisfaire, mais pour un regard plus aguerri, clichés et caricatures, idées de mise en scène tapageuses et coup de force scénaristique fnal – surprise, l'héroïne s'en va soudain participer aux premières votations ouvertes aux femmes! – ne font pas un futur classique. Juste un succès de circonstance, dans la droite lignée de notre propre Ordre divin (Petra Volpe, 2017), qui a bien senti d'où venait le vent pour rappeler un important moment historique.
Dans La bella estate, son troisième long-métrage, Laura Luchetti s'attaquait quant à elle à une nouvelle classique de Cesare Pavese, un peu mystérieusement restée non filmée jusqu'ici. Le récit d'apprentissage d'une jeune couturière à Turin dans les années trente, tôt étouffé par le déterminisme social, lui a inspiré un film délicat, centré sur l'intime, à la joliesse académique. Mais le final de Pavese lui aura paru trop daté et c'est ainsi qu'on aura ici la surprise d'assister à l'éclosion d'un amour lesbien avec l'amie délurée qui avait entraîné l'héroïne vers la vie de bohème auprès de jeunes peintres. Un happy end peu crédible (l'amie a attrapé une maladie vénérienne), aux sons anachroniques d'une chanson de Sophie Hunger. Ici aussi, on peut comprendre le désir de la cinéaste, mais l'infidélité à Pavese pose problème, qui lègue une fausse image tant de l'original que de la société faciste de l'époque. A l'évidence, l'amertume sans concession et le réalisme peu académique d'un Mauro Bolognini (La viaccia, Senilità) auraient mieux convenu.
De la mollesse au délire
Avec Primadonna, premier long-métrage de Marta Savina, c'est encore autre chose. Après avoir réalisé un court-métrage documentaire sur ce même sujet, cette cinéaste a voulu raconter toute l'histoire de Franca Viola, la première femme sicilienne à avoir obtenu justice devant un tribunal contre son violeur qui voulait la forcer à l'épouser, selon une veille tradition locale machiste. Mais malgré sa connaissance approfondie de l'affaire, elle ne signe qu'un film très plat, aux personnages peu fouillés et à la dramaturgie anémique. Ici aussi apparaissent des figures plus modernes que de raison pour le mitan des années 1960 – un avocat homosexuel et son amie prostituée – ne serait-ce que par leur dégaine, sans parler d'une musique de style électro particulièrement inappropriée. Est-ce par féminisme ou par ignorance que Savina fait ainsi abstraction de tous les grands films siciliens de l'époque signés par Pietro Germi, Alberto Lattuada, Francesco Rosi ou encore Damiano Damiani (La moglie più bella, 1970, sur la même affaire), autrement frappants tant esthétiquement que politiquement?
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Un passé qui ne passe plus
Même correctement réalisé (quoique sans grande inspiration formelle), tout ceci est strictement n'importe quoi. Le grand méchant de l'affaire est incarné par un comique ridicule (Paolo Rossi), la crédibilité de l'action tombe vite à zéro et l'anachronisme, surtout musical, est complet. Il ne manquera sans doute pas de féministes pour applaudir cet «hommage à toutes les grandes musiciennes empêchées d'autrefois». Il n'empêche, les meilleures intentions ne font pas encore les bons films. Et dans un cinéma national qui a toujours su prendre le passé au sérieux, même dans ses comédies et même si c'était pour le réinterpréter, cette nouvelle approche «décomplexée» fait particulièrement mal.
Certes, qui a connu autre chose a toujours tendance à déplorer sa disparition. Mais qui se souvient encore de quoi a été capable le grand cinéma italien, de l'après-guerre aux années 1980, ne peut qu'être abasourdi par la médiocrité dans laquelle il a pu retomber. On espère bien sûr que toutes ces cinéastes encore débutantes iront en s'améliorant, mais peut-on vraiment y croire? Le vrai génie, tel celui d'une Alice Rohrwacher (Corpo celeste, Le meraviglie, Lazzaro felice, La chimera) se repère tôt et n'a que faire d'un révisionnisme à la mode. Si un jour cette dernière devait se tourner franchement vers le passé, ce serait sûrement selon sa poétique propre, à l'image d'un Fellini, d'un Pasolini ou d'un Bellocchio. Quant à un cinéma plus strictement historique qui baisse à ce point la garde, même s'il se croit encore de gauche, il fait insidieusement le lit d'une Giorgia Meloni. La nouvelle grande révisionniste en chef, sûrement féministe à sa manière elle aussi.
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Le récit d'apprentissage d'une jeune couturière à Turin dans les années trente, tôt étouffé par le déterminisme social, lui a inspiré un film délicat, centré sur l'intime, à la joliesse académique. Mais le final de Pavese lui aura paru trop daté et c'est ainsi qu'on aura ici la surprise d'assister à l'éclosion d'un amour lesbien avec l'amie délurée qui avait entraîné l'héroïne vers la vie de bohème auprès de jeunes peintres. Un <em>happy end</em> peu crédible (l'amie a attrapé une maladie vénérienne), aux sons anachroniques d'une chanson de Sophie Hunger. Ici aussi, on peut comprendre le désir de la cinéaste, mais l'infidélité à Pavese pose problème, qui lègue une fausse image tant de l'original que de la société faciste de l'époque. 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Est-ce par féminisme ou par ignorance que Savina fait ainsi abstraction de tous les grands films siciliens de l'époque signés par Pietro Germi, Alberto Lattuada, Francesco Rosi ou encore Damiano Damiani <i>(La moglie più bella,</i> 1970, sur la même affaire), autrement frappants tant esthétiquement que politiquement?</p> <p>Mais le pompon, c'est encore ce <i>Gloria!</i> de Margherita Vicario, inexplicablement hissé en compétition au dernier Festival de Berlin. La pop star et actrice de 35 ans, fille et petite-fille de cinéastes qui a réussi à s'émanciper artistiquement, se rêve à présent en Sofia Coppola transalpine (ses clips de chanteuse sont d'ailleurs signés par un certain Francesco Coppola). Pour sa première réalisation, elle a imaginé une histoire qui se déroule en 1800 dans un institut musical pour jeunes filles quelque part en Vénétie. En vue d'une visite papale, le prêtre/directeur/instructeur/abuseur se voit commanditer une œuvre originale de circonstance et l'institut reçoit un pianoforte d'abord remisé à la cave. Entraînées par une mystérieuse pupille muette, quelques filles s'y retrouvent la nuit pour inventer une nouvelle sorte de musique jazzy. Le tout culminera bien sûr par un renversement d'un ordre patriarcal et baroqueux hypocrite dans une explosion de sororité débridée.</p> <h3>Un passé qui ne passe plus</h3> <p>Même correctement réalisé (quoique sans grande inspiration formelle), tout ceci est strictement n'importe quoi. Le grand méchant de l'affaire est incarné par un comique ridicule (Paolo Rossi), la crédibilité de l'action tombe vite à zéro et l'anachronisme, surtout musical, est complet. Il ne manquera sans doute pas de féministes pour applaudir cet «hommage à toutes les grandes musiciennes empêchées d'autrefois». Il n'empêche, les meilleures intentions ne font pas encore les bons films. Et dans un cinéma national qui a toujours su prendre le passé au sérieux, même dans ses comédies et même si c'était pour le réinterpréter, cette nouvelle approche «décomplexée» fait particulièrement mal.</p> <p>Certes, qui a connu autre chose a toujours tendance à déplorer sa disparition. Mais qui se souvient encore de quoi a été capable le grand cinéma italien, de l'après-guerre aux années 1980, ne peut qu'être abasourdi par la médiocrité dans laquelle il a pu retomber. On espère bien sûr que toutes ces cinéastes encore débutantes iront en s'améliorant, mais peut-on vraiment y croire? Le vrai génie, tel celui d'une Alice Rohrwacher <i>(Corpo celeste, Le meraviglie, Lazzaro felice, La chimera)</i> se repère tôt et n'a que faire d'un révisionnisme à la mode. Si un jour cette dernière devait se tourner franchement vers le passé, ce serait sûrement selon sa poétique propre, à l'image d'un Fellini, d'un Pasolini ou d'un Bellocchio. 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Comme par exemple ces motards organisés en bandes qui avaient connu leur heure de gloire à l'écran (1966-72) avant de disparaître des radars mais qui n'en continuent pas moins d'exister de nos jours.</p> <p>Cinéaste indépendant originaire du Midwest, Jeff Nichols <i>(Shotgun Stories, Take Shelter, Mud, Midnight Special, Loving)</i> est tombé un jour sur le fameux livre <i>The Bikeriders</i> du photographe Danny Lyon. Un reportage publié en 1968 et consacré aux Outlaws de Chicago, dont Lyon faisait alors partie. Incapable de se plier aux règles de Hollywood (il a pris la porte de <i>A Quiet Place – Day One),</i> voici donc que Jeff Nichols décide d'en tirer un film, se déclarant plus intéressé par cette dimension historique que par la réalité des motards d'aujourd'hui. Excellente idée, tant cette sous-culture à jamais représentée par les iconiques <i>The Wild One</i> avec Marlon Brando (Laslo Benedek, 1953) et <i>Easy Rider</i> de Dennis Hopper (1969) appelait un regard rétrospectif. Encore fallait-il trouver le moyen de dramatiser ce qui se présente comme un mélange de photographies et d'interviews réalisées par un <i>insider...</i></p> <h3>Une princesse chez les durs</h3> <p>C'est la première partie du film qui s'en inspire le plus directement, allant jusqu'à reproduire le plus fidèlement possible quelques clichés et utiliser certains passages du texte verbatim. Pour la narration, le cinéaste a choisi de mettre en avant le personnage féminin de Kathy (Jodie Comer), qui n'est pas motarde elle-même mais la compagne de Benny (Austin Butler), une tête brûlée prompte à s'attirer des ennuis. 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Car il faut avouer que cette «contre-culture» paraît vite terriblement limitée, sans la moindre possibilité d'évoluer, de grandir tant intellectuellement que spirituellement. Venus là en quête de liberté, pour fuir d'autres carcans, ces marginaux ne tendent qu'à devenir des caricatures d'eux-mêmes. Avant même les luttes de pouvoir intrinsèques à toute bande et la dérive vers des activités illicites (drogue, prostitution, braquages, viols, etc., pour finir évoqués mais pas montrés), on devine déjà l'impasse.</p> <p>Mais est-ce bien le cinéaste, soucieux de ne pas rendre ses protagonistes antipathiques, qui le suggère? Ou est-ce plutôt une pointe d'ennui qui s'installe peu à peu en leur compagnie? En effet, ils restent tous bien peu définis, guère plus personnalisés que les engins qu'ils enfourchent. Et trop isolés du reste de la société. Les acteurs font ce qu'ils peuvent, mais il y a des limites. D'ailleurs, tous ne sont pas des plus crédibles. Au-delà de son accent très étudié, l'Anglaise Jodie Comer <i>(The Last Duel</i>, de Ridley Scott) paraît ainsi un peu trop classe et âgée pour son rôle. Et que dire de son compatriote Tom Hardy, rarement très convaincant, qui «brandoïse» à mort? C'est encore Austin Butler (l'Elvis de Baz Luhrmann) qui s'en tire le mieux avec son personnage nihiliste mi-attachant mi-inquiétant de Benny, clairement dangereux ne serait-ce que pour lui-même.</p> <h3>Un film trop propret?</h3> <p>Qui aurait lu le reportage contemporain de Hunter S. Thompson sur les Hell's Angels de la côte Ouest ou vu d'autres <i>biker movies</i> sales, bêtes et méchants de l'époque <i>(Hell's Angels '69, Angel Unchained, The Hard Ride, </i>etc.) sera aussi frappé par l'aspect finalement très propret de ces <i>Bikeriders.</i> Pour réablir la vérité après trop d'exploitation sensationnaliste? Ou simple auto-censure de la part d'un cinéaste pas franchement attiré par ce milieu? 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On peut donc savoir gré à Christophe Honoré, fort d'une complicité forgée à travers six films et une pièce en commun, d'avoir osé et par là même offert à une actrice qui nous est chère un de ses plus beaux rôles: le sien, soit celui d'une comédienne en retrait, qui a tendance à s'effacer derrière les autres, à commencer par ses illustres parents. Au point de décider un jour de se transformer en son père défunt, auquel elle ressemble plus qu'à Catherine Deneuve, sa mère toujours vaillante invitée à participer elle aussi. D'une fantaisie souvent épatante, <i>Marcello mio</i> vaut clairement le coup d'œil. Mais on lui en veut tout autant de ne jamais parvenir aux sommets espérés.</p> <p>Les premiers plans, montage confus d'impressions de rue à l'aube, semblent déjà annoncer un film bricolé, un peu improvisé. D'une roulotte de maquillage sort soudain Chiara, changée en... 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Pour cela, il aura fallu que des acteurs de plus en plus renommés s'aperçoivent de son existence et du plaisir qu'il y a à jouer ses partitions délirantes, même en renonçant pour cela à leurs cachets usuels. Après Alain Chabat, Benoît Poelvoorde ou Jean Dujardin, et côté féminin, Anaïs Demoustier, Adèle Haenel ou Adèle Exarchopoulos, ce sont cette fois des «pointures» telles que Louis Garrel, Vincent Lindon et Léa Seydoux qui pointent au générique – soit autant d'habitués des montées des marches cannoises. CQFD? Reste que le film lui-même est du Dupieux pur jus (aussi surréaliste que platement filmé, avec précision) et même du meilleur cru (aussi hilarant que réfléchi, voire profond). Derrière la bonne blague, on y trouvera en effet l'exposé le plus malin qui soit de l'état présent et même de l'avenir du 7ème art.</p> <h3><em>Vanitas vanitatis</em></h3> <p>Malgré le succès public au goût d'inachevé de <i>Yannick</i> l'an dernier et la présence à nouveau de l'impayable Raphaël Quenard, <i>Le Deuxième acte</i> n'a rien d'une suite de cette mise en abyme théâtrale. La brillante bande-annonce, dans laquelle les cinq comédiens se disputent la vedette du film au nom de leur personnage, annonce bien la couleur: il sera avant tout question de rôles, d'acteurs et de cinéma. Mais pas si vite, car tout commence avec un inconnu stressé (Manuel Guillot, solide barbu jusqu'ici cantonné aux utilités) qui vient ouvrir un restaurant isolé en rase campagne (c'est tourné en Dordogne). Viennent ensuite David (Garrel) et Willy (Quenard), deux amis qui discutent en marchant de la proposition du premier au second de le débarrasser de Florence, une fille amoureuse qu'il ressent comme un boulet. Or, de son côté, celle-ci (Seydoux) arrive à leur rendez-vous en compagnie de son père (Lindon), dans l'idée de lui présenter son «fiancé»...</p> <p>Et c'est parti pour une petite comédie intimiste à la française, ou alors nettement mieux, un conte moral dans la lignée d'Eric Rohmer? Ni l'un ni l'autre, bien sûr! Car avant que tout le monde ne se retrouve au dit restaurant, chacun a déjà «dérapé», sortant de son rôle pour révéler l'acteur en plein tournage. En plan-séquence ininterrompu, même filmé sans la moindre attention à la lumière, l'exercice tient de la haute voltige. Dupieux s'y joue du politiquement correct post-#MeToo autant que de l'ego supposément démesuré de ses stars en regard des problèmes de la planète. Dans le rôle du fou imprévisible, Quenard met les pieds dans le plat en dévoilant la bisexualité de Garrel tandis que Lindon exulte en recevant «en direct» une proposition de Paul Thomas Anderson!<br />Dès qu'ils se retrouvent tous à table, le feu d'artifice continue en présence de Stéphane (Guillot), ce patron-figurant confronté à son premier rôle d'importance et dès lors incapable... de verser son vin sans trembler! Embarras surréaliste. Bientôt, le vieux briscard Lindon prend Quenard en grippe et ce dernier n'arrange pas les choses en tentant de séduire Seydoux aux WC, pendant que Garrel tente de calmer le jeu – le tout en essayant régulièrement de revenir à leur texte, sans même parler des réactions de quidams médusés. Et Dupieux d'en rajouter encore une couche en révélant cet improbable tournage dirigé par... une intelligence artificielle: une première qui risque de bientôt changer la donne!</p> <h3>La liberté de l'intelligence</h3> <p>Inutile d'en raconter plus. A sa manière typiquement <i>low tech</i> et discursive, <i>Le Deuxième acte</i> (c'est le nom du restaurant) s'avère à nouveau brillant. En tirant cette fois parti de la célébrité de ses comédiens, Quentin Dupieux dit toutes les vanités d'un cinéma qui commence à se sentir dépassé dans un monde menacé par le chaos. Ce n'est pas vraiment politique (à la différence des films du tandem Delépine et Kervern) et, pour l'essentiel basé sur le dialogue, ce n'est pas hautement visuel (au contraire de ceux de Michel Gondry). Mais son anarcho-surréalisme fait mouche, qui démystifie l'argent comme l'ego, le progrès comme le succès, et le «wokisme» aussi bien que le suivisme. Des maux qui nous affectent tous.</p> <p>Avec une double mort comme point d'orgue et les rails d'un interminable travelling arrière (au son d'une harpe jazz) en guise de recul final, le cinéaste posera encore plus clairement la question des limites du jeu et du réel, de la modernité et de la post-modernité. Dupieux, fils spirituel de Godard, un peu comme le Radu Jude du décapant <i>N'attendez pas trop de la fin du monde?</i> Certains n'y verront sans doute qu'une nouvelle pochade, et pourtant, il y a là plus d'art et d'intelligence que dans 95% du cinéma actuel. Une manière parfaitement originale d'en faire sans en être vraiment, d'inviter à la réfexion tout en s'amusant, de surfer en terrain miné grâce à l'arme suprême de l'absurde. Le tout avec une liberté épatante qu'on ne peut que lui envier. 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Depuis son hameau de Quincy (commune de Mieussy) niché derrière le Môle, une montagne bien connue des habitants du bout du Léman, il mène une carrière unique en son genre, qui prouve qu'on peut traiter du global à partir du local. En témoignent une vingtaine de titres, dont une dizaine de longs-métrages de <i>Ma Mondialisation</i> (2006), sur l'industrie du décolletage dans la vallée de l'Arve toute proche, à deux films récents avec le député Insoumis François Ruffin <i>(J'veux du soleil!</i> et <i>Debout les femmes!).</i></p> <p>Après un premier détour par la fiction tenté avec l'aide de sa compagne Marion Richoux, <i>Reprise en main</i> (ancré dans cette même réalité ouvrière, avec Pierre Deladonchamps et Laetitia Dosch), le voici qui revient au sujet de son premier film, <i>Trois frères pour une vie</i> (1999), portrait de paysans de son village. 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Et pour la Suisse, tout finit par arriver. En fait, même en restant très local, j'aspire toujours à une forme d'universalité. Et les retours dans les débats qu'on a pu faire entre Bulle, La Chaux-de-Fonds ou Morges prouvent que la réalité des paysans d'ici n'est pas si différente.</p> <p><strong>Vous-même n'êtes pas d'une famille paysanne, mais ouvrière. Pourtant, vous revenez ici sur des gens que vous aviez déjà filmés à vos débuts?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, c'était juste la réalité que j'avais sous les yeux: j'ai grandi à 80 mètres de cette ferme! Depuis tout petit je suis monté sur le tracteur des frères Bertrand et je dois avoir passé des centaines d'heures avec eux. J'avais donc profité de cette proximité pour essayer de réaliser un film qui leur corresponde vraiment, qui soit attentif à leurs gestes et à leur façon de s'exprimer, en montrant que ce sont des gens qui ont su se projeter dans l'avenir. Pour la nouvelle génération, que j'ai connue comme bébés, le regard s'est un peu inversé, puisque là, c'est moi l'aîné.</p> <p><strong>Marion Richoux</strong>: De mon côté, je suis d'Annecy. J'ai fait des études de cinéma et j'ai travaillé à la Cinémathèque des Pays de Savoie et de l'Ain. Je connaissais ce premier film de Gilles, <i>Trois frères pour une vie,</i> dont la frontalité m'avait frappée mais qui n'avait presque pas eu de visibilité. Je me disais que c'était dommage et quand, après <i>Reprise en main,</i> on a cherché quel serait le projet suivant, j'ai proposé d'y revenir. C'était l'occasion de parler de tout ce qui avait changé depuis.</p> <p><strong>GP</strong>: En fait, tout est parti de Suisse, parce que ce premier film autoproduit a été primé au Festival du film alpin des Diablerets et de ce fait, acheté pour une version raccourcie par la TSR. C'est cet achat qui a lancé la machine... </p> <p><strong>On voit aussi dans le film une achive TV en noir et blanc avec les trois frères, Jean, Joseph et André, en 1972. D'où provient-elle?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Elle figurait déjà dans le film de 1999. Je m'étais souvenu de l'événement qu'avait été la venue de la télé dans notre hameau – je devais avoir 4 ou 5 ans – et j'étais donc parti à sa recherche. Avant l'apparation de reportages télévisés plus formatés, c'était une sorte d'émission de promotion rurale à l'intention des paysans eux-mêmes, diffusée sur un créneau spécifique de FR3. Retrouver ça n'a pas été une mince affaire!</p> <p><strong>MR</strong>: En fait, je pense que ces images ont aussi influencé Gilles dans sa manière de faire. On y sent une approche bienveillante, pas intimidante, qui laisse un vrai temps de parole et permet d'aborder des questions existentielles tout sauf évidentes.</p> <p><strong>GP</strong>: A l'époque, j'avais encore tout à apprendre. Je me suis formé sur le tas, avec une approche très télé-journalistique. C'est intuitivement que j'ai découvert qu'en me plaçant à hauteur d'homme, dans une interaction naturelle et sans pression, cela fonctionnait mieux. Dès qu'il y a trop de gens, ça peut devenir le bazar. Depuis, j'ai continué de tout faire tout seul, l'image et le son – sauf pour des scènes de groupe où il faut forcément une perche. Ce qu'on perd en qualité technique, on le gagne largement en termes de prise de parole et de réactivité.</p> <p><strong>A l'encontre de la crise agricole actuelle, on découvre ici une agriculture de montagne qui s'en sort plutôt bien. D'où peut-être votre film le moins militant à ce jour!</strong></p> <p><strong>GP</strong>: C'est vrai. Contre les discours politiques qui simplifient, cela rappelle qu'il existe en France beaucoup de réalités rurales très différentes. Ici, derrière les trois frères qui ont souffert pour tout mettre en place, on a une génération qui a vraiment choisi ce métier et qui en vit bien, parvenant à réinvestir sans surendettement. A priori, on peut ne pas voir la robotisation de la traite d'un très bon œil, mais de leur point de vue c'est un réel progrès. Leur modèle fonctionne bien, sous la protection de l'AOC Reblochon. Car il faut se rendre compte que c'est grâce à elle que leur lait est payé deux fois plus cher qu'un lait de plaine, qui lui est en concurrence avec d'autres laits européens.... Même si ce n'est pas explicite dans le film, je tiens à ramener cette dimension politique dans les débats. Alors que de nombreux paysans clament qu'ils veulent moins de règles, surtout environnementales, ici, ce sont bien les règles contraignantes édictées par l'AOC qui les protègent!</p> <p><strong>MR</strong>: C'est un film où il y a beaucoup de thèmes sous-jacents, en particulier du fait que tout est appréhendé sur le temps long. Le montage non-chronologique, qui fait des retours dans le passé, permet de se rendre compte de tout ce qui a évolué. Cadré sous le même angle, le paysage n'a peut-être pas changé, mais on voit la ferme se moderniser, le travail se mécaniser, les gens prendre de l'âge et la vie passer...</p> <p><strong>Tout documentaire est forcément sélectif. Ici, on se demande ce que ces paysans font à part travailler du matin au soir. Il n'y a donc pas de place pour d'autres passions?</strong></p> <p><strong>GP</strong>: Les trois frères n'ont pas vraiment connu de loisirs, encore moins pris de vacances. Et l'heure de la retraite arrivée, ils n'en manifestent pas le désir. Mais c'était des gens étonnamment érudits et intéressés, capables de discuter d'autres sujets que juste leur travail! Le grand-père était un grand lecteur et il leur avait transmis ça. André, celui qui est encore en vie et qui tire un bilan plutôt amer de leur existence, sans femmes pour la partager, lit toujours le <i>Courrier International!</i> Ils ont aussi un peu regardé la TV, même si on ne la voit pas: elle était cachée dans un coin sous un tissu, dans cet intérieur d'une totale austérité.</p> <p><strong>MR</strong>: Il a bien fallu se focaliser sur la ferme, la question de sa survie économique et de sa transmission. Si la nouvelle génération est parvenue à prendre sa place dans le film, ce n'était pas du tout évident au début, face à des personnages tels que ces trois oncles! Au bout du compte, malgré les inévitables «oublis», ils se sont tous déclarés satisfaits de l'image qu'on donne du métier. 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