Culture / Le bois dont se chauffe Frédéric Choffat
© Tout commence - le film/Close up Films/Agora Films
Les mobilisations de la jeunesse pour le climat méritaient bien un film, tant elles ont marqué les esprits et l'époque. C'est le Genevois Frédéric Choffat qui s'y est collé avec «Tout commence», faisant coïncider un projet personnel avec la découverte de l'engagement de ses propres enfants. A l'arrivée, un documentaire très personnel, qui valait bien une rencontre avec son auteur.
Un film sur le mouvement climatique en pleine guerre en Ukraine? Ainsi va le cinéma, toujours avec une bonne longueur de retard sur les événements. C'est sa malédiction mais peut-être aussi sa force, de devoir prendre du recul, d'offrir le temps d'y réfléchir. Mine de rien, Tout commence vient de loin, déjà bien avant la sortie en février 2019 du précédent opus de Frédéric Choffat, la fiction My Little One, qui avait coïncidé avec la Grève du climat des collégiens. Voilà pour l'opportunisme. Mais le projet a beaucoup évolué depuis et le Genevois, 48 ans, a l'honnêteté de le laisser deviner dans son film achevé. C'est que la crise du Covid est aussi passée par là, mettant un coup d'arrêt brutal aux mobilisations. Autant pour le soupçon de film militant, à usage strictement réservé.
Non, Tout commence est un vrai documentaire, qui tente de témoigner d'un moment clé de notre histoire et suscite par là nombre de questions importantes. On s'y reconnaîtra ou pas, on retrouvera sous un autre jour des choses présentées au passage dans les médias d'actualités. Mais on y entend surtout la voix d'une jeunesse inquiète, voire désespérée, qui n'en peut plus de l'inaction de ses aînés face à un danger pourtant imminent et déjà bien perceptible qui compromet son avenir. Après Une Vérité qui dérange et Demain, une tout autre manière d'aborder la question écologique et climatique. Un film qui se termine provisoirement devant la justice, avec les contestataires des banques suisses et les «zadistes» du Mormont, mais qui ne marque en effet – et fatalement – qu'un commencement.
BPLT: Ce film est-il né d'une sorte de «réflexe documentaire» ou le projet remontait-il à plus loin?
Frédéric Choffat: Tout est parti de ma découverte de la collapsologie, à travers la lecture du livre de Pablo Servigne et Raphaël Stevens Comment tout peut s'effondrer. Publié en 2015, il expose comment tout ce que nous tenons pour acquis pourrait s'effondrer: pas seulement le climat et la biodiversité, mais aussi notre système de santé, notre économie, la démocratie, etc. J'étais abasourdi. Tout en cherchant comment raconter ça, j'ai commencé à filmer les manifestations pour le climat et je suis tombé sur... mon fils prenant la parole à la Place des Nations! Ce fut le déclic. Je me suis dit qu'il valait mieux écarter tout le savoir scientifique, la tentation d'un documentaire explicatif, pour saisir ce qui se passait, écouter ces jeunes qui nous disaient que le déni n'est plus possible, que le temps d'agir est venu.
- Vous vous êtes lancé sans scénario ni financement, avant même l'arrivée du Covid qui allait tout remettre en question?
- Je commence toujours à filmer comme ça, pour moi. Je ne savais pas du tout que cela deviendrait une déclaration d'amour pour cette génération, celle de mes enfants, qui avaient alors 17 et 13 ans. Si on attend, tout est déjà passé. Le financement, on peut toujours le trouver après, d'une manière ou d'une autre. Pour finir, c'est Joëlle Bertossa de Close Up Films qui a été emballée et qui m'a fait confiance, au contraire de la RTS, qui a estimé avoir déjà donné avec son 52 minutes intitulé Plus chauds que le climat... Elle a laissé le projet se clarifier peu à peu, a compris ma décision de partir du local et de ma famille, du plus petit pour parler du très grand. Au fond, j'aime mieux cette manière de faire, légère, avec peu de moyens, qui ne participe pas d'une logique de croissance inéluctable.
- Le Covid s'est aussi invité là-dessus...
- Le Covid a réorienté le projet, c'est certain. Pour ces jeunes, ça a été terrible. Deux ans de leur vie, pour eux qui sont au début, c'est comme dix ans pour nous. C'est énormément de doutes et de souffrance, un sentiment décuplé d'enfermement qu'on ressent déjà en temps normal à cet âge-là. C'était l'impression que tout avait été mis sous cloche et qu'on ne les avait pas entendus. En plus, de voir que la pandémie avait débloqué des sommes quasiment illimitées alors que si peu avait été consenti face au danger climatique a été un choc. Alors bien sûr, il fallait continuer de filmer au-delà du confinement, témoigner de ce qui avait changé.
- Par le passé, vous avez co-réalisé plusieurs projets avec Julie Gilbert. Là, c'est une autre femme, Naïma Bachiri, qui vous a secondé...
- Naïma est la monteuse de ce film, qui a été entièrement réécrit au montage. Du coup, elle méritait aussi un crédit de co-scénariste. Comme j'ai tout fait moi-même, l'image et le son, sans compter ma famille et moi-même à l'écran, un regard extérieur devenait primordial et c'est Naïma qui me l'a apporté. Elle a vraiment été l'accoucheuse de ce film, m'indiquant ce qui fonctionnait ou pas.
- Et vos enfants, Solal et Lucia, a-t-il été difficile de les amener à participer?
- Cela a été une discussion et un combat permanents, oui! Ils ont accepté avec une méfiance très saine, je trouve. C'est normal, vu la nature du projet. Et ils ont eu un droit de regard, comme tous mes autres intervenants, avec la possibilité de me demander le retrait de choses qui les gêneraient. Je n'en dirai pas plus, car me suis juré de ne pas parler en leur nom.
- Entendu, mais se sentent-ils comme faisant partie d'une «jeunesse sacrifiée», comme on l'entend, qui va payer les excès de celles qui les ont précédé?
- Aucun doute là-dessus, même si le mot de «sacrifiée» est trop lourd. Leur drame, c'est qu'ils n'arrivent plus à se projeter, à s'imaginer dans dix ans. Et ce n'est plus par peur du chômage ou par embarras du choix. Ils se demandent plutôt si cela vaut la peine de chercher à intégrer une société qui laisse si peu d'espoir, de rejoindre des aînés qui se sont si peu souciés d'eux. Et je ne peux pas leur donner tort. Moi-même, j'ai dû me remettre en cause, chercher à être plus cohérent. Depuis le Covid par exemple, j'ai arrêté de voyager, mais ça me manque déjà... J'ai voulu réaliser un film qui fasse caisse de résonance de toutes ces questions.
- La réponse des pouvoirs en place n'étant pas à la hauteur, vous laissez planer le spectre d'une possible radicalisation, comme celle de l'après 1968...
- On a forcément ce parallèle à l'esprit. Faut-il une certaine violence pour être enfin pris au sérieux? Et au fait, où se situe la vraie violence? Des entreprises qui saccagent des paysages, une agriculture qui empoisonne les sols et les eaux, des procès à rallonge pour quelques pauvres tags qui n'ont fait de mal à personne, c'est aussi une sacrée violence. Une peine de deux mois de prison avec sursis pour sanctionner une action pacifique, à 19 ans, c'est un message terrible... Si on persiste dans cette voie plutôt que d'imposer de nouvelles règles aux entreprises et aux banques, on risque bien de forcer cette jeunesse à passer à d'autres formes d'action! C'est hautement politique. Mais pour l'heure, on en est encore à se réjouir du rattrapage de la croissance perdue durant la pandémie...
- L'avocate Laïla Batou fait clairement entendre ces questions dans le film. C'était prévu?
- Pas du tout. Je l'ai rencontrée assez tard dans le processus. Comme j'avais renoncé à la parole de scientifiques ou de philosophes qui nous auraient éloignés de la jeunesse, sa voix puissante m'a dispensé de tout commentaire. Après les actions et les prises de parole des jeunes, elle apporte un peu de recul nécessaire. Pareil pour les interventions de Julie Gilbert, la mère de mes enfants, ou de mes propres parents, qui représentent la génération d'avant. Tout film a besoin d'un certain équilibre, qui se trouve au montage.
- Vous n'avez pas manqué le passage à Lausanne de Greta Thunberg. Des impressions?
- Pour moi, c'était important qu'elle figure dans le film. Après tout, elle est à l'origine de ce mouvement. Et je l'ai trouvée super impressionnante! Du haut de ses 16 ans, elle nous a avertis que notre maison brûle, a osé demander quand on allait y changer quelque chose. Et en face vous avez ces hommes de 60-70 ans aux affaires qui demandent de quoi se mêle cette gamine! Tout a été fait pour la discréditer, mais cela n'ôte rien à la beauté de son exemple. N'importe quelle personnalité en vue aurait pu se positionner publiquement sur cette question climatique. Mais non, c'est elle qui s'est faite entendre, invitant toute la jeunesse à rejoindre son appel.
- Au-delà, votre film montre que l'activisme n'est pas chose simple, qu'à l'élan collectif peut succéder le découragement de l'isolement, voire simplement la tentation de profiter encore...
- Ma fille parle de ça, mais il faut aussi percevoir l'ironie derrière ses propos. En fait, elle est plus déterminée que jamais pour faire changer les choses. C'est sûr qu'il faut un sacré courage pour retourner se battre. «C'est quand il n'y a plus d'espoir que le moment est venu de passer à l'action», dit un slogan du groupe Extinction Rebellion...
- D'où votre tour par la ZAD du Mormont, qui vous sert de relance?
- Je m'étais d'abord interdit d'y aller, par peur de me retrouver avec encore un autre film possible. Mais j'ai fini par m'y rendre tout à la fin de l'occupation et c'était impressionnant de voir cette poignée de jeunes tenir tête, sur cette colline éventrée, à une armée de robocops venus les déloger. Encore une fois, quels moyens ont été mis en œuvre pour les chasser, les ficher, les punir d'une action parfaitement légitime! Ils ne se battent même pas pour eux-mêmes, mais pour nous tous. Pour qu'on prenne enfin conscience du désastre et pour nous dire, après tant de scientifiques restés inaudibles, qu'on ne peut pas continuer comme ça...
- Le film vient de connaître sa première au FIFDH de Genève plutôt qu'aux festivals de Soleure, Nyon ou Locarno. Par stratégie ou par opportunité?
- Cela a été la première opportunité et je ne le regrette pas. Dans l'idée d'un film ancré localement mais qui vise plus large, c'était parfait. Pour la suite, on verra bien s'il arrive à créer une dynamique. Les débats propres à ce festival m'ont en tout cas conforté dans la conviction que c'est un film qui invite à discuter, qu'on ne peut pas mettre dans une case. Les droits humains, la politique et la justice y sont aussi centraux que l'écologie. Quelqu'un a regretté que le film n'offre pas de solutions, de message plus positif. Mais je n'ai pas voulu faire une suite à Demain ou Demain Genève. Tout commence est plutôt une sorte de carnet de bord, un «carottage» de ces trois dernières années, en solidarité avec cette jeunesse dont je partage l'inquiétude et la colère.
«Tout commence», documentaire de Frédéric Choffat (Suisse, 2022). Actuellement sur les écrans romands. Liste des séances spéciales en présence de l'auteur.
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Mine de rien, <i>Tout commence</i> vient de loin, déjà bien avant la sortie en février 2019 du précédent opus de Frédéric Choffat, la fiction <i>My Little One,</i> qui avait coïncidé avec la Grève du climat des collégiens. Voilà pour l'opportunisme. Mais le projet a beaucoup évolué depuis et le Genevois, 48 ans, a l'honnêteté de le laisser deviner dans son film achevé. C'est que la crise du Covid est aussi passée par là, mettant un coup d'arrêt brutal aux mobilisations. Autant pour le soupçon de film militant, à usage strictement réservé.</p> <p>Non, <i>Tout commence</i> est un vrai documentaire, qui tente de témoigner d'un moment clé de notre histoire et suscite par là nombre de questions importantes. On s'y reconnaîtra ou pas, on retrouvera sous un autre jour des choses présentées au passage dans les médias d'actualités. 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Publié en 2015, il expose comment tout ce que nous tenons pour acquis pourrait s'effondrer: pas seulement le climat et la biodiversité, mais aussi notre système de santé, notre économie, la démocratie, etc. J'étais abasourdi. Tout en cherchant comment raconter ça, j'ai commencé à filmer les manifestations pour le climat et je suis tombé sur... mon fils prenant la parole à la Place des Nations! Ce fut le déclic. Je me suis dit qu'il valait mieux écarter tout le savoir scientifique, la tentation d'un documentaire explicatif, pour saisir ce qui se passait, écouter ces jeunes qui nous disaient que le déni n'est plus possible, que le temps d'agir est venu.</p> <p><strong>- Vous vous êtes lancé sans scénario ni financement, avant même l'arrivée du Covid qui allait tout remettre en question?</strong></p> <p>- Je commence toujours à filmer comme ça, pour moi. Je ne savais pas du tout que cela deviendrait une déclaration d'amour pour cette génération, celle de mes enfants, qui avaient alors 17 et 13 ans. Si on attend, tout est déjà passé. Le financement, on peut toujours le trouver après, d'une manière ou d'une autre. Pour finir, c'est Joëlle Bertossa de Close Up Films qui a été emballée et qui m'a fait confiance, au contraire de la RTS, qui a estimé avoir déjà donné avec son 52 minutes intitulé <i>Plus chauds que le climat...</i> Elle a laissé le projet se clarifier peu à peu, a compris ma décision de partir du local et de ma famille, du plus petit pour parler du très grand. Au fond, j'aime mieux cette manière de faire, légère, avec peu de moyens, qui ne participe pas d'une logique de croissance inéluctable.</p> <p><strong>- Le Covid s'est aussi invité là-dessus...</strong></p> <p>- Le Covid a réorienté le projet, c'est certain. Pour ces jeunes, ça a été terrible. Deux ans de leur vie, pour eux qui sont au début, c'est comme dix ans pour nous. C'est énormément de doutes et de souffrance, un sentiment décuplé d'enfermement qu'on ressent déjà en temps normal à cet âge-là. C'était l'impression que tout avait été mis sous cloche et qu'on ne les avait pas entendus. En plus, de voir que la pandémie avait débloqué des sommes quasiment illimitées alors que si peu avait été consenti face au danger climatique a été un choc. Alors bien sûr, il fallait continuer de filmer au-delà du confinement, témoigner de ce qui avait changé.</p> <p><strong>- Par le passé, vous avez co-réalisé plusieurs projets avec Julie Gilbert. Là, c'est une autre femme, Naïma Bachiri, qui vous a secondé...</strong></p> <p>- Naïma est la monteuse de ce film, qui a été entièrement réécrit au montage. Du coup, elle méritait aussi un crédit de co-scénariste. Comme j'ai tout fait moi-même, l'image et le son, sans compter ma famille et moi-même à l'écran, un regard extérieur devenait primordial et c'est Naïma qui me l'a apporté. Elle a vraiment été l'accoucheuse de ce film, m'indiquant ce qui fonctionnait ou pas.</p> <p><strong>- Et vos enfants, Solal et Lucia, a-t-il été difficile de les amener à participer?</strong></p> <p>- Cela a été une discussion et un combat permanents, oui! Ils ont accepté avec une méfiance très saine, je trouve. C'est normal, vu la nature du projet. Et ils ont eu un droit de regard, comme tous mes autres intervenants, avec la possibilité de me demander le retrait de choses qui les gêneraient. Je n'en dirai pas plus, car me suis juré de ne pas parler en leur nom.</p> <p><strong>- Entendu, mais se sentent-ils comme faisant partie d'une «jeunesse sacrifiée», comme on l'entend, qui va payer les excès de celles qui les ont précédé?</strong><br />- Aucun doute là-dessus, même si le mot de «sacrifiée» est trop lourd. Leur drame, c'est qu'ils n'arrivent plus à se projeter, à s'imaginer dans dix ans. Et ce n'est plus par peur du chômage ou par embarras du choix. Ils se demandent plutôt si cela vaut la peine de chercher à intégrer une société qui laisse si peu d'espoir, de rejoindre des aînés qui se sont si peu souciés d'eux. Et je ne peux pas leur donner tort. Moi-même, j'ai dû me remettre en cause, chercher à être plus cohérent. Depuis le Covid par exemple, j'ai arrêté de voyager, mais ça me manque déjà... J'ai voulu réaliser un film qui fasse caisse de résonance de toutes ces questions.</p> <p><strong>- La réponse des pouvoirs en place n'étant pas à la hauteur, vous laissez planer le spectre d'une possible radicalisation, comme celle de l'après 1968...</strong><br />- On a forcément ce parallèle à l'esprit. Faut-il une certaine violence pour être enfin pris au sérieux? Et au fait, où se situe la vraie violence? Des entreprises qui saccagent des paysages, une agriculture qui empoisonne les sols et les eaux, des procès à rallonge pour quelques pauvres tags qui n'ont fait de mal à personne, c'est aussi une sacrée violence. Une peine de deux mois de prison avec sursis pour sanctionner une action pacifique, à 19 ans, c'est un message terrible... Si on persiste dans cette voie plutôt que d'imposer de nouvelles règles aux entreprises et aux banques, on risque bien de forcer cette jeunesse à passer à d'autres formes d'action! C'est hautement politique. Mais pour l'heure, on en est encore à se réjouir du rattrapage de la croissance perdue durant la pandémie...</p> <p><strong>- L'avocate Laïla Batou fait clairement entendre ces questions dans le film. C'était prévu?</strong> <br />- Pas du tout. Je l'ai rencontrée assez tard dans le processus. Comme j'avais renoncé à la parole de scientifiques ou de philosophes qui nous auraient éloignés de la jeunesse, sa voix puissante m'a dispensé de tout commentaire. Après les actions et les prises de parole des jeunes, elle apporte un peu de recul nécessaire. Pareil pour les interventions de Julie Gilbert, la mère de mes enfants, ou de mes propres parents, qui représentent la génération d'avant. Tout film a besoin d'un certain équilibre, qui se trouve au montage.<br /><br /><strong>- Vous n'avez pas manqué le passage à Lausanne de Greta Thunberg. Des impressions?</strong><br />- Pour moi, c'était important qu'elle figure dans le film. Après tout, elle est à l'origine de ce mouvement. Et je l'ai trouvée super impressionnante! Du haut de ses 16 ans, elle nous a avertis que notre maison brûle, a osé demander quand on allait y changer quelque chose. Et en face vous avez ces hommes de 60-70 ans aux affaires qui demandent de quoi se mêle cette gamine! Tout a été fait pour la discréditer, mais cela n'ôte rien à la beauté de son exemple. N'importe quelle personnalité en vue aurait pu se positionner publiquement sur cette question climatique. Mais non, c'est elle qui s'est faite entendre, invitant toute la jeunesse à rejoindre son appel.</p> <p><strong>- Au-delà, votre film montre que l'activisme n'est pas chose simple, qu'à l'élan collectif peut succéder le découragement de l'isolement, voire simplement la tentation de profiter encore...</strong><br />- Ma fille parle de ça, mais il faut aussi percevoir l'ironie derrière ses propos. En fait, elle est plus déterminée que jamais pour faire changer les choses. C'est sûr qu'il faut un sacré courage pour retourner se battre. «C'est quand il n'y a plus d'espoir que le moment est venu de passer à l'action», dit un slogan du groupe Extinction Rebellion... </p> <p><strong>- D'où votre tour par la ZAD du Mormont, qui vous sert de relance?</strong><br />- Je m'étais d'abord interdit d'y aller, par peur de me retrouver avec encore un autre film possible. Mais j'ai fini par m'y rendre tout à la fin de l'occupation et c'était impressionnant de voir cette poignée de jeunes tenir tête, sur cette colline éventrée, à une armée de robocops venus les déloger. Encore une fois, quels moyens ont été mis en œuvre pour les chasser, les ficher, les punir d'une action parfaitement légitime! Ils ne se battent même pas pour eux-mêmes, mais pour nous tous. Pour qu'on prenne enfin conscience du désastre et pour nous dire, après tant de scientifiques restés inaudibles, qu'on ne peut pas continuer comme ça...</p> <p><strong>- Le film vient de connaître sa première au FIFDH de Genève plutôt qu'aux festivals de Soleure, Nyon ou Locarno. Par stratégie ou par opportunité?</strong><br />- Cela a été la première opportunité et je ne le regrette pas. Dans l'idée d'un film ancré localement mais qui vise plus large, c'était parfait. Pour la suite, on verra bien s'il arrive à créer une dynamique. Les débats propres à ce festival m'ont en tout cas conforté dans la conviction que c'est un film qui invite à discuter, qu'on ne peut pas mettre dans une case. Les droits humains, la politique et la justice y sont aussi centraux que l'écologie. Quelqu'un a regretté que le film n'offre pas de solutions, de message plus positif. Mais je n'ai pas voulu faire une suite à <i>Demain </i>ou <i>Demain Genève. 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Dans un genre sur lequel la critique a peu de prise tant le sujet tend à primer, il faut pourtant bien reconnaître que la méthode, la sensibilité, l'art narratif et la profondeur intellectuelle du l'auteur(e) peuvent faire la différence. Et il n'en fallait pas moins pour s'attaquer à un sujet tel que Leni Riefenstahl, déjà documenté une bonne vingtaine de fois pour la télévision, notamment dans un mémorable <i>Leni Riefenstahl - Le Pouvoir des images</i> (Ray Müller, 1993). Trois décennies plus tard, avec cette fois un accès illimité aux archives personnelles de la dame, décédée en 2003 à l'âge de 101 ans, Andres Veiel n'a pas tremblé. 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Aujourd'hui, ne reste plus guère de Leni Riefenstahl que sa réputation de cinéaste officielle du IIIe Reich, qui paya pour tous les autres par une mise à l'écart définitive (même Veit Harlan, l'auteur du tristement fameux <i>Juif Süss,</i> le très problématique Karl Ritter ou encore Alfred Weidenmann, chantre des Jeunesses hitlériennes<i>,</i> retouvèrent le chemin des plateaux dans les années 1950, tandis que Hans Seinhoff, le plus nazi d'entre tous, mourut opportunément en 1945).</p> <h3>Une irrésistibe ascension</h3> <p>Le travail remarquable de Veiel rend justice à la femme et à l'artiste tout en se concentrant sur les questions du degré de son implication et de sa responsabilité. Ensuite, il met en lumière toute une seconde partie de son existence passée à se justifier et réécrire sa légende. Où il apparaît que pour Leni Riefenstahl, la seule vraie catastrophe fut en définitive la guerre. 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Coup d'essai, coup de maître: à la fois idéaliste, féministe et mystique, <i>La Lumière bleue</i> (1932) la propulse à 30 ans cinéaste à part entière.</p> <p>C'est à ce moment qu'un collaborateur, le scénariste juif Carl Mayer, l'avertit que ce film risque bien de faire d'elle l'égérie des nazis, alors aux portes du pouvoir. En vain, puisqu'elle se jettera littéralement dans leurs bras, demandant peu après à rencontrer personnellement Adolf Hitler. Lourdement courtisée (jusqu'à une tentative de viol) par le ministre de la propagande Josef Goebbels, elle ne se donna apparemment ni à l'un ni à l'autre, finissant par épouser plutôt l'officier Hans-Peter Jacob. Mais alors même qu'elle ne jurait que par la fiction, elle se lança avec enthousiasme dans la confection de documentaires à la gloire du régime, séduite par les budgets illimités mis à sa disposition. C'est ainsi qu'elle fut impliquée aux côtés de l'architecte Albert Speer dès la préparation du fameux Congrès de Nuremberg puis des Jeux Olympiques de Berlin – où elle dit n'avoir jamais voulu que saisir la beauté, son unique souci. Et à en revoir des extraits, il faut bien avouer que le résultat fut grandiose, cinématographiquement parlant.</p> <h3>Une simple suiveuse?</h3> <p>Mais par la suite, tout s'est effectivement gâté pour Leni Riefenstahl. Embrigadée pour immortaliser l'invasion de la Pologne, elle emploie des prisonniers comme figurants avant de jeter l'éponge. Ses soutiens s'étiolent pour <i>Tiefland,</i> qui doit marquer son retour à la fiction et à ses chères montagnes. La guerre interfère avec le tournage et, à 40 ans, elle paraît trop âgée pour tenir le rôle principal. Elle utilise aussi des jeunes tziganes recrutés dans des camps, enfants qu'elle prétendra avoir revus plus tard alors qu'ils furent pour la plupart assassinés à Auschwitz. Arrêtée dès la fin de la guerre, elle sera néanmoins déclarée simple <i>Mitläuferin</i> (ceux qui suivirent juste le mouvement). Autrement dit, officiellement innocentée, même si l'industrie lui fermera désormais ses portes, si ce n'est pour la sortie très retardée de <i>Tiefland</i> – un flop.</p> <p>Passé ce survol, qui regorge de documents prouvant sans le moindre doute possible qu'elle trempa jusqu'au cou dans le bain nazi, le film la montre reprendre du poil de la bête dans diverses émissions télévisées à partir des années 1970. S'il y a des choses qu'elle ne saurait nier, elle plaide sa naïveté politique, argue qu'elle n'était en fait que dans une quête artistique. Et bien sûr qu'elle n'a rien su de la «solution finale» – ce qui est fort possible, vu sa relative disgrâce qui l'éloigna du premier cercle décisionnel. Par contre, il y a tout un art de s'aveugler, qu'elle pratiqua très activement, jusqu'à devenir par là-même la porte-parle de toute une BRD (l'Allemagne de l'Ouest d'alors) qui aurait préféré ne jamais avoir à se confronter à son passé.</p> <p>Divorcée en 1947, sans revenus et réfugiée auprès de sa vieille mère, Leni Riefenstahl se refait une santé économique dès le début des années 1960 en devenant photographe. Une expédition au sud du Soudan, d'où elle rapporte des photos du peuple Nuba, sont particulièrement remarquées. Sponsorisée, elle y retournera maintes fois, albums et expositions à la clé. En 1967, c'est surtout la rencontre avec Horst Kettner, un étrange jeune homme de 40 ans son cadet qui devient son assistant et son compagnon jusqu'à la fin de sa vie. C'est ensemble qu'ils s'attellent à la lourde tâche de sa réhabilitation, fondée sur un formidable travail d'archivage et l'écriture de ses <i>Mémoires</i>, publiés en 1987.</p> <h3>De la défense au réarmement</h3> <p>Il faut la voir alors, septuagénaire puis octogénaire, toujours dans une forme étonnante pour son âge, dans leur grande maison bavaroise avec jardin; courant le cachet sur les plateaux TV, défendant mordicus sa version contre des journalistes tous mal intentionnés; retrouvant son vieil ami Albert Speer sorti de prison et discutant avec lui de leurs honoraires; ou encore dirigeant avec une autorité retrouvée et très colonialiste ses chers Nubas dans des images filmées restées inédites. C'est sûr, cette femme se sera renforcée dans l'adversité, éloignant toute possibilité de remise en question.</p> <p>Impeccable dans son travail de montage toujours dialectique, Andres Veiel se garde bien de porter un jugement. Mais le film rend bien perceptible un ego parfaitement proportionnel à son ambition artistique. Et en définitive, c'est bien de la place de l'artiste dans la société, du sens de son travail et de sa responsabilité humaine qu'il est question. C'est ainsi que l'idéal esthétique de Riefenstahl devient suspect en lui-même. A la question «Auriez-vous filmé de la sorte des athlètes handicapés?», la dame répond du tac au tac par un «Jamais de la vie!» scandalisé. Et si on ne saura jamais le degré de son antisémitisme, on peut là aussi soupçonner une certaine compatibilité avec le national-socialisme, elle qui s'employa très vite à effacer la participation décisive du fameux théoricien juif hongrois Béla Balász à <i>La Lumière bleue..</i>.</p> <p>Le réalisateur conclut sur des extraits parlants de deux émissions. L'une de la TSR («Destins», 1982) qui voit Claude Torracinta annoncer la défection de Leni Riefenstahl à l'entretien durant lequel il avait prévu de la confronter aux plus terribles images des camps de la mort. Une autre en Allemagne qui se clôt par des appels de soutien d'auditeurs auxquels elle répond, philosophe et confiante, qu'il faudra au moins deux générations pour finir par faire reconnaître leur innocence, mais qu'elle est certaine «que le peuple allemand a cela en lui». Brrrr...</p> <hr /> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7n5wKuahSZs?si=rbkQAXxuzsCtMeAl" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p> <h4>«Leni Riefenstahl – la lumière et les ombres (Riefenstahl)», documentaire d'Andres Veiel (Allemagne, 2024), avec la voix d'Ulrich Noethen. 1h55</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 'leni-riefenstahl-mise-au-point', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 42, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 2414, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'comments' => [[maximum depth reached]], 'tags' => [ [maximum depth reached] ], 'locations' => [[maximum depth reached]], 'attachment_images' => [ [maximum depth reached] ], 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ [maximum depth reached] ], '[dirty]' => [[maximum depth reached]], '[original]' => [[maximum depth reached]], '[virtual]' => [[maximum depth reached]], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [[maximum depth reached]], '[invalid]' => [[maximum depth reached]], '[repository]' => 'Posts' }, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Post) { 'id' => (int) 5254, 'created' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'modified' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'publish_date' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'notified' => null, 'free' => false, 'status' => 'PUBLISHED', 'priority' => null, 'readed' => null, 'subhead' => null, 'title' => 'En quête d'un terroriste suisse', 'subtitle' => 'Le documentaire «La Disparition de Bruno Bréguet» du Tessinois Olmo Cerri tire de l'oubli une figure un peu gênante de notre histoire récente. 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Entre école, centres autogérés, collectifs de production et RSI (Radio-télévision Suisse Italophone), le désir de cinéma n'est venu que peu à peu, toujours sous le signe du politique. De <i>Volo in ombra</i> (2012) à <i>Non ho l'età</i> (2017, sur l'immigration italienne) et <i>La scomparsa di Bruno Bréguet,</i> les moyens ont grandi en fonction des sujets. Plutôt qu'une sophistication filmique ou une carrière, ce réalisateur cherche du sens en se frottant à l'histoire récente. Un parcours et une démarche qui l'ont logiquement fait atterrir, pour co-produire son dernier film, chez les Zurichois de Dschoint Ventschr (Samir, Werner Schweizer & co), une maison de production née de la contre-culture. 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Sept terribles années qui l'ont radicalisé, alors qu'au départ, il était juste ce jeune gars de 19 ans touché par le sort des Palestiniens et qui s'est dit un jour qu'il ne pouvait pas rester là sans rien faire. C'est un livre plein de rage, extrêmement dur.</p> <p><strong>Comment avez-vous retrouvé la trace de vos témoins, ces personnes qui ont connu Béguet? Et pourquoi pas de membres de la famille?</strong></p> <p>Pour la famille j'ai essayé. J'ai écrit à ses deux compagnes, les mères de ses deux enfants, mais elles ne m'ont pas répondu. Même son frère Ernesto, qui s'était tellement engagé pour lui jusqu'en 1995, n'a pas souhaité participer. Cela remue apparemment trop de souvenirs douloureux et ils ont préféré tourner la page, ce que je respecte. Pour les amis par contre, ce n'était pas bien difficile. Le Tessin n'est pas grand et tout le monde se connaît plus ou moins. De fil en aiguille, en partant du petit milieu alternatif de gauche, j'ai rencontré pas mal de gens qui l'avaient côtoyé. J'en ai retenu cinq parmi les plus pertinents, qui étaient d'accord de participer. En fait, l'un d'eux, Gianluigi Galli a été mon professeur de sociologie, et sans avoir idée, je participais déjà à un projet d'agriculture communautaire aux côtés de Claudia Ribi (par ailleurs mère de la cinéaste vaudoise Lila Ribi, ndlr)! C'est dire la proximité mais aussi la difficulté de la transmission.</p> <p><strong>Le nom de Bréguet est plutôt romand et suscite en lui-même quelques interrogations...</strong></p> <p>Cela n'est pas dans le film, mais j'ai fait quelques recherches. En fait, la famille paternelle est originaire de Coffrane, dans la Val-de-Ruz neuchâtelois, mais on n'y trouve plus de traces. Un aïeul est déjà parti s'installer en Suisse alémanique, avant que le père de Bruno ne vienne s'installer au Tessin. Il a donc été élevé à Muralto, à côté de Locarno, avec ses trois frères et sœurs. La famille parlait déjà plusieurs langues et c'est ainsi qu'il a pu devenir très tôt un «citoyen du monde» sachant l'italien, le français, l'allemand et l'anglais. Plus tard, en prison, il a encore appris l'arabe.</p> <p><strong>Et comment s'est-il engagé, puis radicalisé?</strong></p> <p>D'après toutes les descriptions, c'était un garçon très réservé et secret, qui lisait beaucoup. Les fameuses fiches fédérales contiennent le détail de sa bibliothèque. Au lycée déjà, à la fin des années 1960, il a fait des présentations sur l'énergie atomique et sur la cause palestinienne. Il a commencé à fréquenter certains groupes de gauche, toujours en retrait. Et puis un jour, il s'est rendu à Genève pour prendre contact avec la Ligue arabe, dans l'idée de se rendre utile aux Palestiniens. Après son arrestation en Israël, sa radicalisation est vraiment venue de ses longues années de prison – et encore, il n'en aura purgé que la moitié! Puis il s'est installé à Berlin avec sa première compagne, au bénéfice d'une bourse fédérale d'études universitaires... C'est à ce moment qu'il est entré en contact avec le terroriste Carlos, à l'époque le terroriste le plus recherché au monde.</p> <p><strong>A-t-on facilement accès aux archives le concernant, en tant que chercheur?</strong></p> <p>A Berne, aux Archives fédérales, ça s'est fait en plusieurs étapes. J'ai pu consulter presque tous les dossiers contre signature d'une promesse de non-divulgation. En plus du détail de sa surveillance, on y trouve même les photocopies de tous les documents est-allemands de la Stasi le concernant. Puis je suis retourné avec une demande plus précise d'utilisation de certains documents, en expliquant mon projet et son intérêt public. Ce qui n'a pas posé de problèmes. En fait, je pense que les derniers dossiers encore gardés secrets sont ceux liés à sa disparition.</p> <p><strong>Et pour essayer de retracer son parcours international?</strong></p> <p>Là, je me suis contenté d'archives de presse ou filmiques, comme l'INA. L'essentiel de son activité est alors souterraine et donc difficile à cerner. En Grèce, où il s'est insallé avec une deuxième compagne anglaise, je n'ai retrouvé que le lieu où il habitait – un village où tout le monde l'appréciait sans savoir vraiment qui il était. Mais j'ai eu la chance de pouvoir m'appuyer sur les recherches d'Adrian Hänni, qui apparaît dans le film et qui a eu accès à des archives des services secrets américains déclassifiées. C'est lui qui a révélé ce dernier chapitre inattendu du parcours de Bréguet dans son récent livre <i>Terroriste et agent de la CIA - l’incroyable histoire du Suisse Bruno Bréguet</i> (2023): désillusionné et «retourné» par la CIA, ou seulement en apparence?</p> <p><strong>Que retenez-vous essentiellement de toute cette histoire?</strong></p> <p>J'ai surtout compris que les engagements de ma génération, marquée par les manifestations anti-G8 de Gênes en 2001, l'altermondialisme, le combat écologiste ou la revendication d'espaces culturels alternatifs, n'ont rien de nouveau. Tout est lié, d'abord à travers des gens qui peuvent transmettre leur expérience, mais aussi par les concepts dont on hérite. J'ai également pu mesurer à quel point le contexte a changé. La génération de Bréguet était animée par l'idée qu'on pouvait encore changer le monde par la révolution, ce qui n'est plus le cas aujourd'hui. Nous pouvons juste espérer améliorer des choses à petite échelle.</p> <p><strong>Et concernant Bréguet lui-même et sa dérive dans l'action violente?</strong></p> <p>Clairement, Bréguet n'a rien d'un modèle à suivre. Son histoire est tragique, jusqu'au mystère de sa disparition. S'il est facile d'avoir de la sympathie pour le jeune idéaliste qu'il était au début, son image se brouille fatalement par la suite. Les autres protagonistes du film, eux, sont restés dans le cadre d'une lutte collective et non-violente. Même Giorgio Bellini, qui a participé à l'attentat contre le pavillon d'information de la centrale de Kaiseraugst en 1979, est finalement resté sur cette ligne. Bréguet et le groupuscule autour de Carlos se sont vus comme une élite révolutionnaire et ce qu'ils ont fait est l'exact contraire des grandes manifestations ou des petites actions pacifiques auxquelles nous autres avons pu participer. Au-delà du destin de Bréguet, c'est ce contraste que le film cherche à évoquer, laissant à chacun de juger par lui-même.</p> <p><strong>La fabrication de ce film et son parcours à ce jour vous ont-ils satisfait?</strong></p> <p>La co-production avec Dschoint Ventschr a été un grand soutien. C'est ma monteuse Kathrin Plüss – qui pense s'arrêter sur ce film, quarante ans après <i>Der Grüne Berge</i> de Fredi M. Murer – qui nous a mis en contact. Karin Koch a œuvré comme productrice, mais des cinéastes aussi chevronnés que Samir ou Sabine Gisiger ont aussi apporté leurs conseils artistiques. Et pour la sortie, je ne vais pas me plaindre. Le film a été bien accueilli à Soleure et Locarno et a remporté un prix au festival du documentaire de Milan Visioni dal Mondo avant de connaître un beau succès au Tessin, où il est resté sept semaines à l'affiche. Si la sortie est nettement plus confidentielle dans le reste de la Suisse, c'est sans doute parce que le personnage y est encore plus oublié...</p> <p><strong>Auriez-vous déjà de nouveaux projets?</strong></p> <p>Je suis cinéaste indépendant, alors forcément j'y travaille. Je m'intéresse en ce moment à deux sujets, l'un concernant l'hôpital psychatrique de Mendrisio, l'autre une communauté hippie romande qui a existé dans le Malcantone, près de Lugano. 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Avec le coming out d'Ellen Page, le petite actrice canadienne adoptée par Hollywood dans les années 2000 <i>(Hard Candy, Juno, Bliss, X-Men, Inception, Free Love,</i> etc.), on passe un nouveau cap. Disparue des radars depuis le catastrophique <i>Flatliners</i> de 2017, la/le voici qui ressurgit comme Elliot Page, au terme d'une transition déjà largement rendue publique par la publication de mémoires intitulées <i>Pageboy.</i> Et le film choisi pour entériner cette transition est... un drame de la transidentité. Bref, un geste hautement politique.</p> <p>Désormais, un site comme I'Internet Movie Data Base (imbd.com) ne s'autorise même plus à offrir de renvoi à partir du nom d'Ellen Page! Par contre, le film en question, <i>Close to You</i> de Dominic Savage, un ciné-téléaste britannique de 60 ans, a bien peu de chances de rester dans les mémoires. 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Un amour partagé, porteur d'avenir ou non, peu importe et inutile de le dévoiler ici: traitée avec pudeur et sensibilité, leur intimité est belle et émouvante.</p> <p>Mais même ici, une gêne s'installe. Tôt ou tard, on aura en effet remarqué que la voix de Katherine n'est pas agréable. Puis on comprend via sa collègue serveuse dans un bar qu'elle connaît la langue des signes, sans doute pour avoir elle-même été sourde, un soupçon bientôt confirmé au lit (recherches faites, l'actrice américaine qui l'incarne, Hillary Baack, est effectivement sourde). Pourtant, pas une fois, il n'a été question de cela durant leurs retrouvailles! C'est comme si les problèmes des autres, leur sensibilité, ne concernaient pas Sam. 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Deux films si incandescents qu'ils ne laissent que terre brûlée derrière eux.</p> <p>A l'évidence trop peu pensé et travaillé, <i>Close to You</i> ne convaincra donc guère que les convaincus de la cause. C'est souvent l'ornière du cinéma LGBTIQ+ que de s'enfermer dans des scénarios victimaires joués d'avance, qui empêchent les films de se déployer dans une complexité plus large. Certes, on ne peut guère courir tous les lièvres à la fois, mais il s'agit plutôt là d'une question de style, de suggestion, de poétique. Ici, même la fin douce-amère, purement sentimentale, n'invite pas à penser plus loin ces questions de transidentité et de «wokisme». Quant à Elliot Page, son exemple comptera. Mais s'il pose ici les bases d'une nouvelle carrière, il y a peu de chances que celle-ci soit du même calibre que la première, et pas seulement pour une question de supposée transphobie de l'industrie. 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Au lieu de prendre la route habituelle d'une suite ou d'un dérivé de série, le réalisateur Todd Phillips et son complice Scott Silver, co-scénariste, avaient consacré à ce fameux antagoniste de Batman un prototype vraiment adulte, aux accents psy et socio-politiques douloureux. Inspirée par <i>Taxi Driver </i>et surtout <i>The King of Comedy</i> de Martin Scorsese, leur histoire d'un comique raté qui prend une sanglante revanche en direct sur un plateau de TV et rencontre l'approbation d'un public en mal de héros avait fait l'unanimité. 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Non seulement ce bis fait parfaitement sens en termes de scénario, mais tout ce que le premier <i>Joker</i> pouvait avoir de problématique dans son nihilisme semblant faire l'apologie du chaos, s'y trouve remis en question et retravaillé. Pour donner à la clé ce qui pourrait bien être le film le plus anti-hollywoodien jamais réalisé au sein du système.</p> <h3>Un amour fou en prison</h3> <p>Première surprise, cette suite s'ouvre sur un dessin animé intitulé <i>Me and My Shadow,</i> dans le style des cartoons classiques des années 1950. En fait d'introduction rigolote, il s'agit d'un résumé de l'opus précédent qui présente le protagoniste comme dépassé par son ombre, laquelle serait responsable de ses crimes commis grimé en clown. Réalisé par le Français Sylvain Chomet <i>(Les Triplettes de Belleville, L'Illusionniste),</i> ce dessin animé qui explicite la personnalité psychotique d'Arthur Fleck n'est déjà pas très drôle. Mais ce qui va suivre sera carrément anti-<i>fun!</i> Soudain, on passe à l'écran large et à un décor carcéral bien glauque. Interné dans l'île-prison d'Alcatraz – pardon l'asile d'Arkham, univers de <i>Batman</i> oblige –, un Fleck terriblement amaigri y attend stoïquement d’être jugé. Souffre-douleur des gardiens, il croise un jour Lee Quinzel, une détenue qui participe à une chorale et qui ne tarde pas à lui déclarer son admiration en mimant un suicide, les doigts pointés sur la tempe!</p> <p>Voici déjà posé l'essentiel. Un lien improbable va naître dans ce quotidien désespérant. Planche de salut pour ce pauvre Arthur qui n'avait jamais connu d'autre amour que celui de sa mère (qu'il a tuée)? Un autre pari insensé se révèle alors, d'abord en chansons entonnées à mi-voix: transformer cette histoire en <i>musical</i> via des séquences imaginaires qui se jouent dans l'esprit du duo et inspirées quant à elles par la grande tradition hollywoodienne. 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Lorsque surviennent coup sur coup deux événements inouïs, un retournement interne suivi d'un coup de théâtre externe, cette interrogation devient encore plus claire. Voulons-nous le chaos ou un semblant d'ordre, sommes-nous pour l'irresponsabilité ou pour un rappel aux actes commis?</p> <p>Les déçus affirment qu'il ne se passe quasiment rien dans ce film, qu'il n'est même pas cohérent avec son projet initial de «récit des origines». Pour ce qui est de l'action, on dira au contraire: quelle belle idée que ces personnages ramenés à une dimension réaliste, tellement plus intéressante que ces exploits répétitifs à base d'effets spéciaux. Après les images choc de la prise d'assaut du Capitole en 2021, ce retour de sobriété introspective était la meilleure chose à faire. Quant à l'étincelle qui nait dans les yeux de Joaquin Phoenix et de Lady Gaga, portée à des sommets imaginaires typiques d'une «folie à deux», elle suffit largement en termes de spectacle.</p> <p>Mais ce qui advient ensuite de leur histoire d'amour n'est pas moins captivant, ce film allant en effet jusqu'à dire la méprise, la part de malentendu dans toute histoire d'amour. Lee aime le Joker, son déguisement et son acte insensé, et non Arthur. Et de son côté, Arthur pense avoir trouvé en Lee son âme sœur, ce que cette fille de «bonne famille» mythomane n'est pas vraiment. L'un comme l'autre s'imaginent en vedettes d'un grand spectacle («<em>That's Entertainment</em>»)? C'est le comble de l'illusion romantique, qui va les voir retomber de haut. Et Todd Phillips d'enfoncer le clou jusqu'à un déchirant «<em>If you Go Away</em>», alias «Ne me quitte pas» de Brel revu par Rod McKuen, chanté au téléphone. Pas si loin de <i>A Star Is Born,</i> qui lança Lady Gaga au cinéma, ceci est à coup sûr un des films les plus anti-romantiques jamais osés à Hollywood!</p> <h3>Quand Fleck fait tache</h3> <p>Quant aux origines du populaire Joker de <i>Batman, </i>peut-être qu'il y a eu méprise là aussi. Et si ce Joker était un autre, si ces deux volets n'étaient qu'une vertigineuse histoire de doubles? La fin est explicite à ce sujet, qui nous parle d'effet d'entraînement et d'imitation fatale. C'est-à-dire par ailleurs aussi de la responsabilité des images et des films, surtout celles et ceux qui touchent une corde sensible parmi le grand public. Toutes choses qui ne changent rien à la valeur de la déplorable histoire d'Arthur Fleck en elle-même, si choquante qu'on ne pourra que la méditer.</p> <p>Il faut dire enfin tout le brio formel de ce film, tour à tour réaliste et mental, pesant et électrisant, décevant et inouï. Tant plastiquement qu'auditivement, le travail est impressionnant et la mise en scène souvent inspirée tandis que Joaquin Phoenix et Lady Gaga se livrent à des performances exceptionnelles. Cinéaste doué mais longtemps porté sur la facilité, comme tant de confrères juifs américains à Hollywood (un syndrome des héritiers?), le «non engagé» Todd Phillips semble, au contact de son ami Bradley Cooper (vedette de <i>The Hangover</i> et passé réalisateur de <i>A Star Is Born</i> et <i>Maestro),</i> s'être enfin réveillé à une vraie ambition d'auteur.</p> <p>Reste à savoir comment elle survivra à l'échec quasi programmé de cette auto-critique subversive, sans doute la plus radicale depuis le fameux <i>Gremlins 2</i> de Joe Dante – et en affirmant ça, on n'oublie pas toute l'œuvre impressionnante mais inaboutie de Paul Verhoeven. 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