Culture / Le 7e art à l'heure du ronron des Grands Auteurs
"Showing Up" de Kelly Reichardt. © DIAPHANA
"Master Gardener" de Paul Schrader. © THE JOKERS
La rentrée cinéma a débuté mollement, sur fond de grèves à Hollywood. De certains grands anciens vantés par pure habitude à un éparpillement peu favorable à la perpétuation d'un discours critique, la crise pourrait être grave. Et si le cinéma tel que nous l'avons connu avait entamé un irrémédiable déclin? Humeur.
Tout le monde aime Aki Kaurismäki, le Finlandais généreux et déprimé. Au point qu'à Cannes, une presse unanime le propulsait en tête des favoris pour la Palme d'Or avec son nouveau film, Les Feuilles mortes. Encore raté: ce ne fut qu'un modeste Prix du Jury. Pire, on comprend aisément pourquoi en découvrant ce 18ème long-métrage d'une simplicité souveraine mais qui n'amène quasiment plus rien de neuf. Dans le style mesuré qu'on lui connaît depuis toujours, une histoire de violence sociale, d'alcoolisme et de rédemption par l'amour, sur fond de conflit en Ukraine débité à la radio et de citations cinéphiles à gogo. Osera-t-on avouer qu'on n'a pas été vraiment transporté?Pareil pour Le Grand Chariot de Philippe Garrel, chronique de la vie d'artiste dans une troupe familiale de marionnettistes qui se délite, auréolée d'un Prix de la réalisation au Festival de Berlin et vanté toujours par la même frange de la critique. Or, de vagues échos autobiographiques n'en font pas un spectacle plus urgent ni même inspiré, dans un style qui vise l'épure mais frise la paresse. Ici, pas plus de renouvellement en vue, juste un tirage en couleurs plutôt que l'habituel noir et blanc. Quant à Catherine Breillat, autre monomaniaque notoire, elle a surtout bénéficié avec L'Eté dernier d'un retour bien orchestré après dix ans d'absence. Mais le film en lui-même, banale histoire d'un adultère en famille bourgeoise où la cinéaste réaffirme la supériorité des pulsions sur la raison, ne justifie pas vraiment les dithyrambes qui l'ont accueilli.
On pourrait aussi citer Wes Anderson et son Asteroïd City qui n'aura guère amusé que lui-même, Pedro Almodovar et son anecdotique moyen-métrage Strange Way of Life ou même Nanni Moretti et son Il sol dell'avenire essoufflé qui invitait surtout à regarder en arrière. Mais qu'arrive-t-il donc à nos super-auteurs? Simple coup de mou, ou bien le mal est-il plus profond dans un 7e art en pleine mutation? Le public «art et essai» s'éclaircit d'année en année, les plateformes attirent à elles toujours plus de créateurs, une surproduction continue de sévir dans des festivals devenus eux-mêmes pléthoriques et nos grands écrans reflètent de moins en moins le meilleur de la production mondiale. Alors, la critique se rassure en louant systématiquement les mêmes «valeurs sûres». Cette semaine Woody Allen (Coup de chance) et très prochainement Ken Loach (The Old Oak), quels que soient les mérites réels de leurs nouveaux films.
Une érosion de tous côtés
C'est entendu, on est content que ces grands cinéastes puissent encore terminer leur carrière en paix. Car derrière eux, cela devient nettement plus problématique. Aux Etats-Unis, Hollywood a progressivement fait disparaître tout le «cinéma du milieu», ces films à budget moyen qui étaient encore des propositions originales plutôt que des suites ou des «franchises» (l'apparition récente de ce mot dit tout). A côté survit un cinéma indépendant de plus en plus rachitique et à peine distribué. Exit les films de genre classiques, les adaptations littéraires, les commentaires sociaux ou même politiques, les regards d'auteurs singuliers. Seul un Steven Spielberg peut encore s'offrir le luxe d'un film aussi personnel que The Fabelmans et un Christopher Nolan convaincre les financeurs de parier sur l'intérêt d'un Oppenheimer. Tous les autres passent aux séries TV ou alors voient leur films rachetés par des plateformes qui les soustraient au grand écran, quand ils ne se mettent à travailler directement pour elles. Et avec la concurrence impitoyable qui s'est installée, la fenêtre pour des «produits d'appel» ambitieux paraît déjà s'être refermée chez Netflix ou Amazon: place au formatage dicté par les algorithmes.
Côté français, le régime d'exception culturelle (qui soutient à bout de bras l'art et essai mondial par ses co-productions) tient encore, mais tout juste. Son financement obligatoire par les plateformes aussi bien que la TV est désormais acté, mais on tremble quand même à ce que pourrait signifier l'arrivée d'un gouvernement d'extrême droite. Déjà aujourd'hui, nombre de cinéastes sont à la peine, avec des films de moins en moins rentables, bientôt avalés eux aussi par le petit écran. Et ce n'est certes pas mieux dans les autres pays européens, dont on ne reçoit plus guère de nouvelles! Quant au «reste du monde», que peut-on en affirmer? Entre nouveaux modes de visionnement et montée en puissance des dictatures, on ne le sent pas à la fête derrière les rares «films de festivals» qui nous parviennent encore.
En Suisse aussi, on résiste grâce à une solide politique de soutien à l'ensemble de la branche. Mais malgré des réussites aussi prometteuses que Les Particules de Blaise Harrison ou Unrueh de Cyril Schäublin, l'érosion du public en salles est un souci. Jusqu'à quand pourra-t-on justifier de telles dépenses pour si peu de monde? Il y aura bientôt plus de gens pour faire ou plus largement vivre du cinéma que de gens pour le regarder – et on a l'impression de caricaturer à peine. Même la transmission du patrimoine est en panne, avec sa ringardisation décrétée par le «wokisme» et une jeunesse qui préfère se distraire ailleurs, là où c'est moins cher.
Jeunes pousses et vieux sapins
Déclin irréversible du 7e art? Simple dissolution dans un grand bain d'images d'où surnageront toujours les pépites? Allez savoir, mais le problème est assurément plus vaste que le coup de mou d'une poignée d'auteurs révérés. De l'autre côté, on peut se réjouir d'un indéniable gain en diversité, à commencer par les films réalisés par des femmes. Anatomie d'une chute de Justine Triet et la Barbie de Greta Gerwig cartonnent, et cela est parfaitement mérité. Mais ces auteures parviendront-elles à mener des carrières comparables à celles de leurs aînés masculins, voire d'une Agnès Varda?
En attendant, on voit surtout beaucoup de petits films de jeunes cinéastes dont on ne retiendra pas forcément les noms, vu qu'ils tendent à disparaître des radars aussi vite qu'ils sont apparus. Mais tant que surgissent des merveilles telles que The Quiet Girl de l'Irlandais Colm Bairéad, Le Bleu du caftan de la Marocaine Maryam Touzani ou Joyland du Pakistanais Saim Sadiq, on ne va pas trop se plaindre. Et cet automne s'annonce encore riche de noms connus aux titres alléchants, le plus souvent passés par les festivals de Cannes et de Venise.
Entre les sexagénaires David Fincher (The Killer), Hirokazu Kore-Eda (Monster), Alexander Payne (The Holdovers), Todd Haynes (May December), Nuri Bilge Ceylan (Les Herbes sèches), les septuagénaires Robert Guédiguian (Et la fête continue) et Wim Wenders (Anselm et Perfect Days), et les octogénaires Michael Mann (Ferrari), Martin Scorsese (Killers of the Flower Moon), Hayao Miyazaki (Le Garçon et le héron), Marco Bellocchio (Rapito) et Ridley Scott (Napoléon), cela commence toutefois à sentir le sapin. Circonspection de mise, donc, et gare au réflexe conditionné qui fait claironner au chef-d'œuvre de la semaine. Les vrais, ces films qu'on aura envie de revoir encore et encore, peuvent tout autant surgir d'ailleurs et sont de toute manière beaucoup plus rares. Pire, ils pourraient désormais rester invisibles, comme cela risque d'être le cas pour des candidats aussi sérieux que Cerrar los ojos (Fermer les yeux) de Victor Erice, Master Gardener de Paul Schrader ou Showing Up de Kelly Reichardt. Et bien d'autres encore dont on n'a même plus entendu parler.
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Pire, on comprend aisément pourquoi en découvrant ce 18ème long-métrage d'une simplicité souveraine mais qui n'amène quasiment plus rien de neuf. Dans le style mesuré qu'on lui connaît depuis toujours, une histoire de violence sociale, d'alcoolisme et de rédemption par l'amour, sur fond de conflit en Ukraine débité à la radio et de citations cinéphiles à gogo. Osera-t-on avouer qu'on n'a pas été vraiment transporté?Pareil pour <i>Le Grand Chariot</i> de Philippe Garrel, chronique de la vie d'artiste dans une troupe familiale de marionnettistes qui se délite, auréolée d'un Prix de la réalisation au Festival de Berlin et vanté toujours par la même frange de la critique. Or, de vagues échos autobiographiques n'en font pas un spectacle plus urgent ni même inspiré, dans un style qui vise l'épure mais frise la paresse. Ici, pas plus de renouvellement en vue, juste un tirage en couleurs plutôt que l'habituel noir et blanc. Quant à Catherine Breillat, autre monomaniaque notoire, elle a surtout bénéficié avec <i>L'Eté dernier</i> d'un retour bien orchestré après dix ans d'absence. Mais le film en lui-même, banale histoire d'un adultère en famille bourgeoise où la cinéaste réaffirme la supériorité des pulsions sur la raison, ne justifie pas vraiment les dithyrambes qui l'ont accueilli.</p> <p>On pourrait aussi citer Wes Anderson et son <i>Asteroïd City</i> qui n'aura guère amusé que lui-même, Pedro Almodovar et son anecdotique moyen-métrage <i>Strange Way of Life</i> ou même Nanni Moretti et son <i>Il sol dell'avenire</i> essoufflé qui invitait surtout à regarder en arrière. Mais qu'arrive-t-il donc à nos super-auteurs? Simple coup de mou, ou bien le mal est-il plus profond dans un 7e art en pleine mutation? Le public «art et essai» s'éclaircit d'année en année, les plateformes attirent à elles toujours plus de créateurs, une surproduction continue de sévir dans des festivals devenus eux-mêmes pléthoriques et nos grands écrans reflètent de moins en moins le meilleur de la production mondiale. Alors, la critique se rassure en louant systématiquement les mêmes «valeurs sûres». Cette semaine Woody Allen <i>(Coup de chance) </i>et très prochainement Ken Loach <i>(The Old Oak),</i> quels que soient les mérites réels de leurs nouveaux films.</p> <h3>Une érosion de tous côtés</h3> <p>C'est entendu, on est content que ces grands cinéastes puissent encore terminer leur carrière en paix. Car derrière eux, cela devient nettement plus problématique. Aux Etats-Unis, Hollywood a progressivement fait disparaître tout le «cinéma du milieu», ces films à budget moyen qui étaient encore des propositions originales plutôt que des suites ou des «franchises» (l'apparition récente de ce mot dit tout). A côté survit un cinéma indépendant de plus en plus rachitique et à peine distribué. Exit les films de genre classiques, les adaptations littéraires, les commentaires sociaux ou même politiques, les regards d'auteurs singuliers. Seul un Steven Spielberg peut encore s'offrir le luxe d'un film aussi personnel que <i>The Fabelmans</i> et un Christopher Nolan convaincre les financeurs de parier sur l'intérêt d'un <i>Oppenheimer.</i> Tous les autres passent aux séries TV ou alors voient leur films rachetés par des plateformes qui les soustraient au grand écran, quand ils ne se mettent à travailler directement pour elles. Et avec la concurrence impitoyable qui s'est installée, la fenêtre pour des «produits d'appel» ambitieux paraît déjà s'être refermée chez Netflix ou Amazon: place au formatage dicté par les algorithmes.</p> <p>Côté français, le régime d'exception culturelle (qui soutient à bout de bras l'art et essai mondial par ses co-productions) tient encore, mais tout juste. Son financement obligatoire par les plateformes aussi bien que la TV est désormais acté, mais on tremble quand même à ce que pourrait signifier l'arrivée d'un gouvernement d'extrême droite. Déjà aujourd'hui, nombre de cinéastes sont à la peine, avec des films de moins en moins rentables, bientôt avalés eux aussi par le petit écran. Et ce n'est certes pas mieux dans les autres pays européens, dont on ne reçoit plus guère de nouvelles! Quant au «reste du monde», que peut-on en affirmer? Entre nouveaux modes de visionnement et montée en puissance des dictatures, on ne le sent pas à la fête derrière les rares «films de festivals» qui nous parviennent encore.</p> <p>En Suisse aussi, on résiste grâce à une solide politique de soutien à l'ensemble de la branche. Mais malgré des réussites aussi prometteuses que <i>Les Particules </i>de Blaise Harrison ou <i>Unrueh</i> de Cyril Schäublin, l'érosion du public en salles est un souci. Jusqu'à quand pourra-t-on justifier de telles dépenses pour si peu de monde? Il y aura bientôt plus de gens pour faire ou plus largement vivre du cinéma que de gens pour le regarder – et on a l'impression de caricaturer à peine. Même la transmission du patrimoine est en panne, avec sa ringardisation décrétée par le «wokisme» et une jeunesse qui préfère se distraire ailleurs, là où c'est moins cher.</p> <h3>Jeunes pousses et vieux sapins</h3> <p>Déclin irréversible du 7e art? Simple dissolution dans un grand bain d'images d'où surnageront toujours les pépites? Allez savoir, mais le problème est assurément plus vaste que le coup de mou d'une poignée d'auteurs révérés. De l'autre côté, on peut se réjouir d'un indéniable gain en diversité, à commencer par les films réalisés par des femmes. <i>Anatomie d'une chute</i> de Justine Triet et la <i>Barbie</i> de Greta Gerwig <i></i>cartonnent, et cela est parfaitement mérité. Mais ces auteures parviendront-elles à mener des carrières comparables à celles de leurs aînés masculins, voire d'une Agnès Varda?</p> <p>En attendant, on voit surtout beaucoup de petits films de jeunes cinéastes dont on ne retiendra pas forcément les noms, vu qu'ils tendent à disparaître des radars aussi vite qu'ils sont apparus. Mais tant que surgissent des merveilles telles que <i>The Quiet Girl </i>de l'Irlandais Colm Bairéad, <i>Le Bleu du caftan</i> de la Marocaine Maryam Touzani ou <i>Joyland</i> du Pakistanais Saim Sadiq, on ne va pas trop se plaindre. 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Dans un genre sur lequel la critique a peu de prise tant le sujet tend à primer, il faut pourtant bien reconnaître que la méthode, la sensibilité, l'art narratif et la profondeur intellectuelle du l'auteur(e) peuvent faire la différence. Et il n'en fallait pas moins pour s'attaquer à un sujet tel que Leni Riefenstahl, déjà documenté une bonne vingtaine de fois pour la télévision, notamment dans un mémorable <i>Leni Riefenstahl - Le Pouvoir des images</i> (Ray Müller, 1993). Trois décennies plus tard, avec cette fois un accès illimité aux archives personnelles de la dame, décédée en 2003 à l'âge de 101 ans, Andres Veiel n'a pas tremblé. 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Ne reconnaît-elle pas lors d'une interview que sa vie aurait mieux fait de s'arrêter en 1939? Jusque-là, tout ne fut en effet que mouvement ascentionnel – peu importe apparemment au service de quoi.</p> <p>Au début était une grande fille sportive, traitée comme un garçon par son père autoritaire et réceptacle de toutes les ambitions frustrées de sa mère. D'abord danseuse, c'est suite à un accident qu'elle se retrouve plutôt actrice, choisie à 23 ans pour être la vedette d'un film de montagne d'Arnold Fanck. Les six films tournés coup sur coup avec le brave Dr. Fanck, très basiques à part <i>L'Enfer blanc du Piz Palu</i> (co-signé par G.W. Pabst), ne sont aujourd'hui plus que d'un intérêt anecdotique. Par contre, les photos «glamour» de studio montrent à quel point Riefenstahl, skieuse et alpiniste émérite aussi bien que comédienne, fut érigée au rang de star avant d'obtenir la chance de réaliser son propre film. 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C'est ainsi qu'elle fut impliquée aux côtés de l'architecte Albert Speer dès la préparation du fameux Congrès de Nuremberg puis des Jeux Olympiques de Berlin – où elle dit n'avoir jamais voulu que saisir la beauté, son unique souci. Et à en revoir des extraits, il faut bien avouer que le résultat fut grandiose, cinématographiquement parlant.</p> <h3>Une simple suiveuse?</h3> <p>Mais par la suite, tout s'est effectivement gâté pour Leni Riefenstahl. Embrigadée pour immortaliser l'invasion de la Pologne, elle emploie des prisonniers comme figurants avant de jeter l'éponge. Ses soutiens s'étiolent pour <i>Tiefland,</i> qui doit marquer son retour à la fiction et à ses chères montagnes. La guerre interfère avec le tournage et, à 40 ans, elle paraît trop âgée pour tenir le rôle principal. Elle utilise aussi des jeunes tziganes recrutés dans des camps, enfants qu'elle prétendra avoir revus plus tard alors qu'ils furent pour la plupart assassinés à Auschwitz. Arrêtée dès la fin de la guerre, elle sera néanmoins déclarée simple <i>Mitläuferin</i> (ceux qui suivirent juste le mouvement). Autrement dit, officiellement innocentée, même si l'industrie lui fermera désormais ses portes, si ce n'est pour la sortie très retardée de <i>Tiefland</i> – un flop.</p> <p>Passé ce survol, qui regorge de documents prouvant sans le moindre doute possible qu'elle trempa jusqu'au cou dans le bain nazi, le film la montre reprendre du poil de la bête dans diverses émissions télévisées à partir des années 1970. S'il y a des choses qu'elle ne saurait nier, elle plaide sa naïveté politique, argue qu'elle n'était en fait que dans une quête artistique. Et bien sûr qu'elle n'a rien su de la «solution finale» – ce qui est fort possible, vu sa relative disgrâce qui l'éloigna du premier cercle décisionnel. 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Edité en 1980 par une petite maison d'édition disparue depuis et devenu quasiment introuvable, il a été réédité en 2015 en Italie et je me suis rendu à une soirée de présentation à la Casa del Popolo de Bellinzone. J'ai été très remué par cette découverte, stupéfait de ne jamais avoir entendu parler avant de ce Bréguet, si proche puisqu'il était aussi allé au lycée à Lugano mais surtout de par sa jeunesse militante. Je suis pourtant quelqu'un qui s'informe beaucoup! Il m'est donc apparu que son histoire méritait d'être approfondie et pourrait intéresser un plus large public.</p> <p><strong>Dans le film, vous citez assez peu ce livre...</strong></p> <p>Il y a des citations au début, pour évoquer ses années de prison en Israël, de 1970 à 1977. Mais ce livre ne chronique justement que cette expérience-là. 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Avec le coming out d'Ellen Page, le petite actrice canadienne adoptée par Hollywood dans les années 2000 <i>(Hard Candy, Juno, Bliss, X-Men, Inception, Free Love,</i> etc.), on passe un nouveau cap. Disparue des radars depuis le catastrophique <i>Flatliners</i> de 2017, la/le voici qui ressurgit comme Elliot Page, au terme d'une transition déjà largement rendue publique par la publication de mémoires intitulées <i>Pageboy.</i> Et le film choisi pour entériner cette transition est... un drame de la transidentité. Bref, un geste hautement politique.</p> <p>Désormais, un site comme I'Internet Movie Data Base (imbd.com) ne s'autorise même plus à offrir de renvoi à partir du nom d'Ellen Page! Par contre, le film en question, <i>Close to You</i> de Dominic Savage, un ciné-téléaste britannique de 60 ans, a bien peu de chances de rester dans les mémoires. Au contraire du pamphlet bien senti de Preciado ou du film grand public et spectaculaire d'Audiard, ceci n'est en effet qu'un petit drame intimiste de plus. Plus grave, aussi maladroit et problématique qu'il est sincère et par moments émouvant. Bref, à part les festivals de la communauté LGBTQI+, personne ne s'est rué dessus depuis sa première à Toronto en 2023, la Suisse faisant partie des rares pays à l'avoir pris en distribution.</p> <h3>Tout le poids du monde</h3> <p>Suggérée par Page lui-même, l'histoire est simple. Son personnage, Sam, n'est pas retourné chez lui depuis sa transition. Après quatre ans passés à Toronto, il entreprend donc ce voyage redouté de retour à Cobourg – bourgade située à 100km à l'Est sur le lac Ontario – pour l'anniversaire de son père. Par chance, il rencontre dans le train Katherine, une amie proche du temps du lycée. Mais celle-ci, trop troublée, préfère couper court une fois arrivés. En famille, Sam est accueilli tel le fils prodigue et tout se passe mieux que prévu jusqu'à ce que l'hostilité de l'ami d'une de ses sœurs le fasse sortir de ses gonds. Avant de repartir, Sam souhaite toutefois retrouver Katherine pour s'expliquer...</p> <p>Dès les premiers plans sur Sam au réveil, dans sa chambre à Toronto, il s'agit d'exposer à la fois sa transformation et sa solitude. A 36 ans, Elliot Page est un jeune homme fin et musclé dont seuls les pectoraux cicatrisés portent la trace de ce qu'il fut. Par contre, en ce jour J, Sam semble porter tout le poids du monde sur ses épaules. Et ce n'est pas sa mine si triste dans le train qui changera cette impression. Puis son regard se concentre sur une femme blonde plongée dans un livre et s'éclaire un peu. Il faudra quelque temps pour identifier tout le sens de cette rencontre: le souvenir d'un amour de jeunesse entre filles, resté non déclaré. Mais Katherine est mariée et a deux enfants, et si son mari n'est pas là qui l'attend comme prévu à la gare, il ne tarde pas à rappliquer en voiture, genre barbu sexy et sympa. Fin de parenthèse?</p> <p>En fait, ce seront les retrouvailles en famille, la parenthèse. Une fois rentré à la maison, surprise, tout le monde se montre aimant, dans l'acceptation et le soulagement sinon forcément une totale compréhension. Le réalisateur enchaîne les tête-à-tête avec une sœur, la mère et le père, et on se dit que Sam a vraiment beaucoup de chance! Plus que nous autres, qui devons subir ces scènes banales, faiblement dialoguées avec cet accent d'Amérique profonde qui écorche les oreilles... Seul le nouvel ami de l'autre sœur se montre désagréable. Lorsqu'il se lance sur l'idée qu'il est pesant de devoir faire attention au moindre écart de langage à cause de Sam, ce dernier l'engueule vertement et s'en va, puisque c'est comme ça. Tant pis pour l'anniversaire de son père, tant pis pour la joie de sa mère!</p> <h3>Transphobie avérée ou susceptibilité exacerbée</h3> <p>C'est au plus tard à ce moment que le public du film se divisera. Soit on est en empathie totale avec le personnage et la maladresse du «beauf» est à prendre comme de la transphobie intolérable; soit on se dit que la susceptibilité de Sam donne plutôt raison à l'autre: vu son statut de fils prodigue, tout tourne autour de lui, de son bien-être ou mal-être. En fait, le scénario permettra de rationnaliser ce brusque départ par le désir de retrouver Katherine – déjà revue une fois dans la journée et moins fermée. La famille, après tout, c'est le passé. Cette amie retrouvée pourrait être le futur, la chance d'une vie meilleure, enfin plus seul. Sam a donc saisi le premier prétexe pour se tirer de là, et ce qui advient lui donne en partie raison: Katherine finira par venir le rejoindre dans sa chambe de colocation à Toronto. Un amour partagé, porteur d'avenir ou non, peu importe et inutile de le dévoiler ici: traitée avec pudeur et sensibilité, leur intimité est belle et émouvante.</p> <p>Mais même ici, une gêne s'installe. Tôt ou tard, on aura en effet remarqué que la voix de Katherine n'est pas agréable. Puis on comprend via sa collègue serveuse dans un bar qu'elle connaît la langue des signes, sans doute pour avoir elle-même été sourde, un soupçon bientôt confirmé au lit (recherches faites, l'actrice américaine qui l'incarne, Hillary Baack, est effectivement sourde). Pourtant, pas une fois, il n'a été question de cela durant leurs retrouvailles! C'est comme si les problèmes des autres, leur sensibilité, ne concernaient pas Sam. Le fait d'avoir été si longtemps mal dans sa peau et incompris justifierait-il donc le fait d'être si autocentré?</p> <h3>Elliot Page dans l'ombre de Xavier Dolan</h3> <p>La maladresse du film, conçu à partir d'improvisations – marque de fabrique du réalisateur à la TV anglaise, paraît-il – ne s'arrête pas là. Plusieurs séquences s'emboîtent fort mal, une bonne continuité n'étant même pas respectée (pluie, neige et sols secs se succédant de manière aberrante). Bref, tout ceci ne saurait juste être imputé à un(e) script(e) défaillant(e)! Dominic Savage n'est certes pas Mike Leigh, le roi de ce style semi-improvisé, et encore moins Xavier Dolan. De fait, pour les plus cinéphiles, l'erreur fatale des auteurs aura été de marcher sur les traces de <i>Laurence Anyways</i> (une histoire d'amour trans) et <i>Juste la fin du monde</i> (un impossible retour dans le giron familial). Deux films si incandescents qu'ils ne laissent que terre brûlée derrière eux.</p> <p>A l'évidence trop peu pensé et travaillé, <i>Close to You</i> ne convaincra donc guère que les convaincus de la cause. C'est souvent l'ornière du cinéma LGBTIQ+ que de s'enfermer dans des scénarios victimaires joués d'avance, qui empêchent les films de se déployer dans une complexité plus large. Certes, on ne peut guère courir tous les lièvres à la fois, mais il s'agit plutôt là d'une question de style, de suggestion, de poétique. Ici, même la fin douce-amère, purement sentimentale, n'invite pas à penser plus loin ces questions de transidentité et de «wokisme». Quant à Elliot Page, son exemple comptera. Mais s'il pose ici les bases d'une nouvelle carrière, il y a peu de chances que celle-ci soit du même calibre que la première, et pas seulement pour une question de supposée transphobie de l'industrie. Qu'on le veuille ou non, le cinéma reste une affaire de désir et il faut être capable de le susciter, à commencer par la qualité supérieure des films dans lesquels on s'engage.</p> <hr /> <p><iframe frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/kmUVqb6A6hM?si=B4a6Suu3zRBB_GXQ" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p> <h4>«Close to You», de Dominic Savage (Canada / Royaume-Uni, 2023), avec Elliot Page, Hillary Baack, Wendy Crewson, Peter Outerbridge, Janet Porter, Alex Paxton-Beesley, Daniel Maslany. 1h44Objet OLE</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 'quand-le-cinema-se-fait-trans', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 65, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 2414, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'comments' => [[maximum depth reached]], 'tags' => [ [maximum depth reached] ], 'locations' => [[maximum depth reached]], 'attachment_images' => [ [maximum depth reached] ], 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ [maximum depth reached] ], '[dirty]' => [[maximum depth reached]], '[original]' => [[maximum depth reached]], '[virtual]' => [[maximum depth reached]], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [[maximum depth reached]], '[invalid]' => [[maximum depth reached]], '[repository]' => 'Posts' }, (int) 3 => object(App\Model\Entity\Post) { 'id' => (int) 5190, 'created' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'modified' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'publish_date' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'notified' => null, 'free' => true, 'status' => 'PUBLISHED', 'priority' => null, 'readed' => null, 'subhead' => null, 'title' => 'Un clown peut en cacher un autre', 'subtitle' => 'Film d'une noirceur radicale, «Joker – Folie à deux» anime les conversations cinéphiles depuis sa sortie. 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Lorsque surviennent coup sur coup deux événements inouïs, un retournement interne suivi d'un coup de théâtre externe, cette interrogation devient encore plus claire. Voulons-nous le chaos ou un semblant d'ordre, sommes-nous pour l'irresponsabilité ou pour un rappel aux actes commis?</p> <p>Les déçus affirment qu'il ne se passe quasiment rien dans ce film, qu'il n'est même pas cohérent avec son projet initial de «récit des origines». Pour ce qui est de l'action, on dira au contraire: quelle belle idée que ces personnages ramenés à une dimension réaliste, tellement plus intéressante que ces exploits répétitifs à base d'effets spéciaux. Après les images choc de la prise d'assaut du Capitole en 2021, ce retour de sobriété introspective était la meilleure chose à faire. 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Tant plastiquement qu'auditivement, le travail est impressionnant et la mise en scène souvent inspirée tandis que Joaquin Phoenix et Lady Gaga se livrent à des performances exceptionnelles. Cinéaste doué mais longtemps porté sur la facilité, comme tant de confrères juifs américains à Hollywood (un syndrome des héritiers?), le «non engagé» Todd Phillips semble, au contact de son ami Bradley Cooper (vedette de <i>The Hangover</i> et passé réalisateur de <i>A Star Is Born</i> et <i>Maestro),</i> s'être enfin réveillé à une vraie ambition d'auteur.</p> <p>Reste à savoir comment elle survivra à l'échec quasi programmé de cette auto-critique subversive, sans doute la plus radicale depuis le fameux <i>Gremlins 2</i> de Joe Dante – et en affirmant ça, on n'oublie pas toute l'œuvre impressionnante mais inaboutie de Paul Verhoeven. 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