Culture / Franz Gertsch, l’hommage en kaléidosope de son musée
"Gräser VII", Franz Gertsch, 2019. © Museum Franz Gertsch
"Maria Guadeloupe", Franz Gertsch, 2011. © Museum Franz Gertsch
"Meer II", Franz Gertsch, 2021-22. © Museum Franz Gertsch
Disparu en décembre dernier, le Bernois était un des représentants majeurs du photoréalisme en Europe. L’occasion de redécouvrir ses variations végétales et ses portraits troublants...
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L’exposition à la Sécession de Vienne dont Hodler est l’invité d’honneur en 1904 l’a fait reconnaître de la scène artistique européenne. L’artiste a exploré les mouvements contemporains majeurs – du réalisme d’Anker à l’expressionnisme réinventé en <i>parallélisme</i>, puis au symbolisme auquel puisent ses compositions de grand format. Aussi divers soient les registres – bûcherons musculeux ou Guillaume Tell, autoportraits innombrables, paysages alpins majestueux et allégories hypnotiques – le langage hodlérien est reconnaissable entre tous. Ainsi dans les salles du musée veveysan, dont l’essentiel évoque Valentine telle qu’elle apparaît d’allégories en portraits colorés, esquisses sombres au crayon, graphite ou fusain.</p> <p>En 1908, la jeune Française, divorcée depuis peu, est installée à Genève, où elle tient un rôle dans une opérette. Elle devient le modèle du peintre, posant pour plusieurs œuvres imposantes (<i>Femme joyeuse</i>, 1912, <i>Splendeur linéaire</i>, 1908-1909) et leur relation se fait plus intime, se muant en une liaison intense, qui sera émaillée de plusieurs ruptures successives.</p> <p>Poursuivi par le malheur et la mort, Hodler est orphelin à l’adolescence, ayant perdu successivement son père et deux de ses frères, puis sa mère, emportés par la tuberculose. Marié une première fois, puis divorcé, il se remarie avec Berthe Jacques, institutrice genevoise, en 1898; elle restera l’épouse «officielle» du maître, qui n’en aura pas moins des maîtresses. A l’heure où une partie de la critique dénonce le comportement «prédateur» de Picasso avec les femmes, la même critique aurait à n’en pas douter du grain à moudre avec le grand peintre suisse.</p> <p>Avant Valentine, Hodler a vécu une liaison avec Augustine Dupin, couturière genevoise qui devint son modèle et sa compagne avant de donner naissance à son fils. Quand Augustine, malade, se meurt, Hodler accourt à son chevet, dessine et peint son ancienne maîtresse à plusieurs reprises, reprenant l’exploration du thème qui le hante depuis toujours, celui de la mort. Une salle est ainsi dédiée à <i>la belle Augustine</i>, comme il la nomme, portraits de la jeune femme pensive ou posant avec son fils, malade puis sur son lit de mort.</p> <p>Au fil de l’idylle avec Valentine affleure la même quête artistique, de manière parfois obsessionnelle, troublante, à n’en pas douter. Relater l’évolution de la maladie, son avancée, l’approche de la faucheuse. 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Des gâteaux à la crème donc: «Je me suis retrouvé avec ces rangées d’ovales et de triangles et j’en étais stupéfait moi-même…» Le propos n’est pas de faire une nature morte ou une simple évocation réaliste, l’artiste entend plutôt s’emparer d’un cliché, d’un lieu commun, un thème banal, et lui insuffler de la vitalité…</p> <p>Certaines toiles rappellent – tel ce <em>Mickey</em> <em>Mouse</em> (1988) – les origines de la culture pop et la première formation de graphiste et designer de Wayne Thiebaud, qui travailla pour le cinéma et les studios Disney… Il est un des représentants majeurs de l’art figuratif américain, proche de la manière de Hopper ou de Georgia O’Keeffe et ses œuvres sont installées dans les plus grands musées états-uniens. Fasciné par la BD et l’animation, il est aussi un remarquable technicien et pédagogue – enseignant sa vie durant à l’Université d’Etat de Californie.</p> <p>Wayne Thiebaud explore patiemment la frontière entre visible et imaginaire, détaillant cet environnement figé dans la consommation et la contemplation; une étudiante, parmi les premières à dévisager le visiteur à son arrivée, (<em>Student</em>, 1968) pose sur un fond blanc immatériel, une main sur un pupitre, l’autre sur ses cuisses, avec pour seul détail extérieur une pendule qui marque le passage du temps. Ailleurs, il saisit deux femmes censément en train de faire de l’exercice ou des baigneuses athlétiques dans leur costume rétro des sixties. </p> <p>Cette autre jeune femme au chapeau rose (<em>Girl with pink hat</em>, 1973) est une des rares commandes qu’ait accepté l’artiste, à la demande d’un ami: buste et seins nus, le regard perdu dans le vague, entre nostalgie et introversion. 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Pour rappel, cette religion a vu le jour en Inde en même temps que le bouddhisme mais s’est, contrairement à celui-ci, essentiellement cantonnée à son pays d’origine jusqu’au XXème siècle. Aujourd’hui forte de quelque cinq millions d’individus et d’une diaspora, cette communauté jouit d’une importance économique inversement proportionnelle à son nombre. La vision du monde et la spiritualité jaïne semblent particulièrement pertinentes, relève l’exposition, à l’heure des crises profondes de nos sociétés.</p> <p>Le Musée Rietberg dévoile la diversité et l’ancienneté de ses représentations – sculptures et objets rituels, tableaux et textiles de grand format, manuscrits richement enluminés, soit quelque 200 chefs-d’œuvre provenant de ses propres collections mais aussi de privés et de grands musées indiens. Les plus anciens ont près de 2000 ans, les plus récents datent du XXème siècle et sont éclairés par plusieurs films, récits et témoignages de Jaïns vivant sur trois continents. 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Deux énormes cubes de béton gris disposés en angle droit autour d’un jardin, prolongés après coup par une extension sur mesure, à la manière d’un domino; et à l’intérieur, sur plus de mille mètres carrés, sept vastes espaces où se côtoient le minuscule et le grand format, le détail infime et sa projection sur des toiles imposantes. Le musée Gertsch de Berthoud/Burgdorf (BE), érigé grâce à un mécène, vient de célébrer ses vingt ans: l’exposition hommage «Kaléidoscope» revient sur les dernières décennies d’activité de cet artiste helvète majeur au lendemain de son décès, en décembre dernier. Prétexte à (re)découvrir une institution et un créateur atypiques dans son Emmental natif, à quelques lieues de la ville fédérale.
Minuscules? Les herbes de son jardin, la fleur rouge feu d’une broméliacée ou les fines nervures d’une pétasite, l’écume d’une vague, quelque part en Toscane, le grain d’une peau nue ou d’un visage. Un contraste saisissant avec le gigantisme de nombreuses œuvres, telle la série des saisons – plus de trois mètres sur quatre – les cycles consacrés à la mer ou au végétal («Meer»; «Gräser», etc.).
L’intitulé de l’exposition bernoise - Kaléidoscope - se réfère à la diversité de l’œuvre de Franz Gertsch, à ses couleurs vives et à l’effet changeant qu’elle produit, selon le point de vue et l’éloignement du spectateur.
Au cours de sa longue carrière, le Bernois (1930-2022) connaît plusieurs styles et périodes, explore différentes techniques, tout en revenant régulièrement à ses thèmes fétiches. Après des débuts de peintre post romantique, dès 1965, il produit des collages dans la ligne du Pop Art avant de passer au photoréalisme et aux grands formats qui l’ont fait mondialement connaître, via la peinture et la gravure.
La toile de grand format «Medici» exposée en 1972 à la documenta 5 de Kassel sera la première à attirer la lumière sur lui. Medici? Rien à voir avec Florence ou la Renaissance, c’est le nom de l’entreprise figurant sur un panneau de chantier, là où sont adossés cinq jeunes gens en pattes d’éph, cheveux longs et blousons courts. Des personnages emblématiques de leur époque et de la petite communauté gravitant autour de l’artiste Luciano Castelli, qui vit alors à Lucerne et que fréquente le Bernois.
Les œuvres de Gertsch racontent à leur manière les seventies, époque de fêtes et de transgression, où il photographie notamment Patti Smith, dont il est un grand fan, lors d’un concert à Cologne. Une autre série qui contribuera à sa notoriété internationale.
D’autres portraits d’artistes ou de groupes suivent, ainsi que son «Autoportrait» de 1980. De nombreuses figures féminines vont aussi l’accompagner tout au long de sa carrière, inconnues ou rock stars, épouse ou voisines.
La décennie suivante est vouée à l’exploration de la gravure: l’artiste développe depuis l’origine sa propre technique, avec la photo pour point de départ, pour ses peintures comme pour ses gravures sur bois. Partant de photos, il les projette sur la toile à la façon de diapositives, d’assez loin pour préserver un certain flou et se ménager une marge d’interprétation lorsqu’il commence à peindre sur l’image projetée. Pour ses gravures, il utilise des planches de tilleul, qu’il enduit de couleur, avant d’y déposer très délicatement le papier – artisanal et japonais, les plus grandes feuilles existantes, de quelque trois mètres sur quatre – et de presser à la main sur la planche à l’aide de lentilles de verre. Chaque gravure est imprimée dans une autre couleur.
Dès 1995, Gertsch revient à la peinture avec le premier des portraits de «Silvia» et le début de ses séries consacrées aux herbes («Gräser I à IV»), les deux techniques se côtoyant dès lors dans son atelier. La jeune femme à la beauté troublante («Silvia» I, II, III, 1998-2004, tempera et technique mixte sur toile), chevelure blonde attachée et expression mi-mélancolique mi-provocante, intrigue et rappelle la Renaissance et la peinture des grands maîtres anciens. Différents de par leur arrière-plan, les couleurs, la lumière, l’expression de la jeune femme, ces trois portraits sont réunis pour la première fois, tirés pour l’occasion des collections du Kunsthaus de Zurich et d’un musée allemand; il en émane toutefois une semblable impression d’étrangeté atemporelle.
En 2007, l’artiste amorce avec les «Quatre saisons» un nouveau cycle de peintures, qui verront évoluer sa technique et seront suivies d’autres variations encore, sur des thèmes divers: Guadeloupe, Pétasite, Herbes, Eté, Hiver, Bromelia, Mer, Chemin en forêt, etc.
Il y a aussi du monochrome en Franz Gertsch – en particulier la période bleue qu’il embrasse dès 2019: recourant à un pigment naturel extrait du lapis lazuli, l’artiste plonge en immersion totale dans l’élément bleuté. Les paysages et motifs qu’il traite depuis des années baignent dès lors dans une même atmosphère psychédélique, mer, ciel ou herbes inondées d’une touche céleste.
Un chemin forestier, une pinède en Toscane, des rivages ou le décor évoquant la belle saison («Blaue Sommer»/Eté bleu, 2020) sont aussi revus à la façon d’Yves Klein. Plus étonnant, pour une de ses variations végétales («Gräser VIII»), Gertsch a reconstitué la plus extraordinaire des recettes ancestrales, le bleu de Fra Angelico, avant de l’appliquer à l’aide d’un pinceau en poil de sanglier pour restituer la luminosité unique propre au Beato florentin…
A 92 ans, peu avant de s’éteindre, cette étonnante personnalité peignait encore pratiquement tous les jours, tel un artisan au Moyen Age, réalisant à chaque fois un petit morceau d’une vaste fresque. Certaines œuvres récentes, ainsi que des prêts, sont montrés pour la première fois dans le cadre de cette rétrospective des dernières décennies.
Kaléidoscope, 20 ans du Musée Franz Gertsch, Burgdorf, jusqu'au 5 mars 2023.
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Chacune des soixante-cinq œuvres exposées à la Fondation Beyeler évoque en effet un monde en soi. Un microcosme qui s’articule autour d’un gâteau de mariage et de ses mariés de sucre glace, autour du décor <i>girly</i> et pailleté d’une boutique de cupcakes, de devantures de boutiques alignant des séries sans fin de <i>layer cakes</i>. De ce couple juché sur des tabourets de bar pour y croquer un hot dog – Madame en robe fleurie et escarpins beige, Monsieur en costume trois-pièces et chaussures lustrées; ces deux-là ne se regardent pas, absorbés dans la contemplation de leur hot dog, imperméables à ce qui les entoure, attentifs seulement à ne pas renverser le soda surmonté d’une paille colorée... Des gâteaux et des hommes. 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Des gâteaux à la crème donc: «Je me suis retrouvé avec ces rangées d’ovales et de triangles et j’en étais stupéfait moi-même…» Le propos n’est pas de faire une nature morte ou une simple évocation réaliste, l’artiste entend plutôt s’emparer d’un cliché, d’un lieu commun, un thème banal, et lui insuffler de la vitalité…</p> <p>Certaines toiles rappellent – tel ce <em>Mickey</em> <em>Mouse</em> (1988) – les origines de la culture pop et la première formation de graphiste et designer de Wayne Thiebaud, qui travailla pour le cinéma et les studios Disney… Il est un des représentants majeurs de l’art figuratif américain, proche de la manière de Hopper ou de Georgia O’Keeffe et ses œuvres sont installées dans les plus grands musées états-uniens. Fasciné par la BD et l’animation, il est aussi un remarquable technicien et pédagogue – enseignant sa vie durant à l’Université d’Etat de Californie.</p> <p>Wayne Thiebaud explore patiemment la frontière entre visible et imaginaire, détaillant cet environnement figé dans la consommation et la contemplation; une étudiante, parmi les premières à dévisager le visiteur à son arrivée, (<em>Student</em>, 1968) pose sur un fond blanc immatériel, une main sur un pupitre, l’autre sur ses cuisses, avec pour seul détail extérieur une pendule qui marque le passage du temps. Ailleurs, il saisit deux femmes censément en train de faire de l’exercice ou des baigneuses athlétiques dans leur costume rétro des sixties. </p> <p>Cette autre jeune femme au chapeau rose (<em>Girl with pink hat</em>, 1973) est une des rares commandes qu’ait accepté l’artiste, à la demande d’un ami: buste et seins nus, le regard perdu dans le vague, entre nostalgie et introversion. 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Des personnages englués dans leurs faux-semblants, dirait-on.</p> <p>Au-delà du décor blanc, du vide, du néant autour de la figure humaine ou du thème central, il faut relever le maniement remarquable de la couleur: une touche de bleu, une autre d’orange, couleurs complémentaires apposées côte à côte à la manière des Impressionnistes, pour exalter la lumière, ajouter au sujet une aura.</p> <p>Il y aussi ce chevalet présentant une série de toiles bradés (<em>35 Cent Masterworks</em>, 1970-72), proposant d’acquérir une collection de reproductions de grands maîtres pour un prix dérisoire. Clin d’œil à la société de consommation et à cette idée que tout s’achète? Ou référence à son propre panthéon d’artistes aimés, de Vélasquez à de Chirico. Il serait un «hommage à l’histoire de l’art et aux maîtres qui l’ont formé», relève le commissaire Ulf Küster. Thiebaud était un grand connaisseur de l’histoire de l’art, admirateur d’Ingres, Bonnard et Mondrian notamment, soucieux d’oeuvrer «dans la tradition de la modernité».</p> <p>L’expo réunit enfin une série de paysages aux couleurs saturées, voire kitsch, déroulant une vision complètement décalée de la perspective. Ce sont sont ceux de San Francisco, avec ses gratte-ciel et ses rues escarpées semblables à un immense circuit de montagnes russes, les falaises bleutées de Yosemite, une route de montagne elle aussi improbable, évoquant un jeu de billes à faire glisser sans dévier de leur parcours vertigineux.</p> <hr /> <h4>«<a href="https://www.fondationbeyeler.ch/fr/expositions/wayne-thiebaud" target="_blank" rel="noopener">Wayne Thiebaud</a>», Fondation Beyeler, Riehen, jusqu’au 21 mai 2023.</h4>', 'content_edition' => '', 'slug' => 'wayne-thiebaud-des-gateaux-et-des-hommes', 'headline' => null, 'homepage' => null, 'like' => (int) 392, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 1, 'homepage_order' => (int) 1, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => null, 'poster' => null, 'category_id' => (int) 6, 'person_id' => (int) 660, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'comments' => [[maximum depth reached]], 'tags' => [ [maximum depth reached] ], 'locations' => [[maximum depth reached]], 'attachment_images' => [ [maximum depth reached] ], 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ [maximum depth reached] ], '[dirty]' => [[maximum depth reached]], '[original]' => [[maximum depth reached]], '[virtual]' => [[maximum depth reached]], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [[maximum depth reached]], '[invalid]' => [[maximum depth reached]], '[repository]' => 'Posts' }, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Post) { 'id' => (int) 4135, 'created' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'modified' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'publish_date' => object(Cake\I18n\FrozenTime) {}, 'notified' => null, 'free' => false, 'status' => 'PUBLISHED', 'priority' => null, 'readed' => null, 'subhead' => null, 'title' => 'Joan Mirò embrase le Centre Paul Klee', 'subtitle' => 'Nouvelle vision, techniques innovantes et énergie renouvelée: l’œuvre tardif du génie catalan explore de «Nouveaux horizons».', 'subtitle_edition' => 'Nouvelle vision, techniques innovantes et énergie renouvelée: l’œuvre tardif du génie catalan explore de «Nouveaux horizons».', 'content' => '<p>Quelques formes élémentaires surgissent du fond de la toile. 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Pour rappel, cette religion a vu le jour en Inde en même temps que le bouddhisme mais s’est, contrairement à celui-ci, essentiellement cantonnée à son pays d’origine jusqu’au XXème siècle. Aujourd’hui forte de quelque cinq millions d’individus et d’une diaspora, cette communauté jouit d’une importance économique inversement proportionnelle à son nombre. La vision du monde et la spiritualité jaïne semblent particulièrement pertinentes, relève l’exposition, à l’heure des crises profondes de nos sociétés.</p> <p>Le Musée Rietberg dévoile la diversité et l’ancienneté de ses représentations – sculptures et objets rituels, tableaux et textiles de grand format, manuscrits richement enluminés, soit quelque 200 chefs-d’œuvre provenant de ses propres collections mais aussi de privés et de grands musées indiens. Les plus anciens ont près de 2000 ans, les plus récents datent du XXème siècle et sont éclairés par plusieurs films, récits et témoignages de Jaïns vivant sur trois continents. 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