Culture / Le Festival Images en Images
19 septembre 2018
** No 57 - Lorenzo Vitturi, Caminantes, no hay camino, hay que caminar, Débarcadère CGN, Quai Monnerat La fusion de morceaux de verre de Murano, l’origine du père de l’artiste, avec des éléments de la culture péruvienne. Sur les murs de la salle d’attente du débarcadère, les œuvres retrouvent l’appel du large.
Philippe Ramette, Exploration rationnelle des fonds sous-marins : le contact, 2006 Depuis 20 ans, l’artiste réalise des performances spectaculaires affranchies des lois de la gravitation. Sans trucage, ni retouche numérique, il marche à la perpendiculaire d’un palmier ou au fond de la mer. L’image monumentale présentée à Vevey orne un bâtiment à l’entrée de la ville. photo Marc Domage © Philippe Ramette /ADAGP, 2018/ ProLitteris, Zürich Courtesy Galerie Xippas
No 07 - Jeff Bridges, Lebowski and other Big Shots, Jardin du Rivage Acteur, chanteur et producteur de cinéma, Jeff Bridges capture depuis les années 1980 les coulisses de chacun de ses films en photographiant les acteurs, les techniciens, les lieux, les décors hallucinants et les costumes exubérants. Derniers préparatifs pour le lancement d'Images 2018.
No 09 - Lorenzo Castore, Ewa & Piotr, La Droguerie Alors qu’il réside à̀ Cracovie, Lorenzo Castore rencontre Ewa et son frère Piotr qui habitent ensemble dans un appartement décrépit. Alcooliques, vivant reclus du monde, sans gaz, sans électricité ni eau chaude, sans explication sur ce qui s’est passé entre deux.
No 14 - Cristina de Middel & Kalev Erickson, Jungle Check, La Droguerie Un lot de polaroids sur un marché aux puces à Mexico City fait émerger une nouvelle histoire, entre réalité et fiction.
No 17- Philippe Durand, Feu (au lac), Quai Maria-Belgia, L’artiste superpose trois cliches différents restituant le mouvement des flammes qui s’animent au gré́ du déplacement du spectateur. L’expression typique de la région : «y a pas l’feu au lac », signifie qu’il n’y a pas lieu de se presser.
** No 26 - Pierre-Philippe Hofmann & Mathias Domahidy, Cinéma Portable, Quai Monnerat Un projet drôle et efficace mêlant fiction et réalité, image et narration. Sur le lieu même de la captation un matin d’hiver au bas de la Grande Place, des passants se transforment en personnages du film.
* No 28- Erik Kessels, Group Show, Eglise Sainte-Claire Installation visuelle et sonore présentant une collection vintage de milliers de pochettes de vinyles de fanfares et d’ensembles de musique folklorique. Le dispositif en forme de papillon est complété par une bande sonore expérimentale diffusant un mix de ces disques.
No 27 - Fumiko Imano, We Oui! Quai Perdonnet La japonaise immortalise les scènes d’un quotidien inventé de toutes pièces. En toile de fond, les musiciens de la troupe théâtrale Les ArTpenteurs, battent la chamade.
* No 01 - Jun Ahn - Self-Portrait, Hôtel des Trois Couronnes La coréenne, Jun Ahn, se photographie dans des situations extrêmes. Réalises sans trucage, ces autoportraits provoquent des sentiments ambigus, entre fascination et rejet. Dans l’entrée du cinq étoiles, ainsi que dans l’une des chambres, ses chutes sont vertigineuses..
*** No 54 - Angélique Stehli, Pink Cells Mention Lumière Broncolor, Ancienne prison de Vevey L’ancienne prison de la ville de Vevey devient comme une boîte à bonbon. La couleur rose bubble-gum censée réduire l’hostilité des détenus placarde les trois étages, ainsi qu’une chambre réelle ouverte pour l’occasion.
* No 59 - Erwin Wurm, Narrow House, Salle del Castillo Version compressée de la maison d’enfance de l’autrichien facétieux Erwin Wurm, cette maquette à l’échelle déforme les perceptions, à l’instar des copies de mobilier réalisées pour la Villa « Le Lac » de Le Corbusier.
46 - Philippe Ramette- Promenade irrationnelle /Exploration rationnelle des fonds sous-marins - Façade Holdigaz Photographe : Marc Domage © Philippe Ramette /ADAGP, 2018/ ProLitteris, Zürich Courtesy Galerie Xippas
* No 01 - Jun Ahn - Self-Portrait, Hôtel des Trois Couronnes
*** No 47 - ECAL/Elisa Ribeiro – Nuisibles, Confrérie des Vignerons Une galerie de portraits d’insectes ravageurs de la vigne réalisés à l’aide d’un microscope à balayage électronique révèle l’extraordinaire, invisible à l’œil nu. Ici en décalage délicieux avec le contexte historique du musée.
Pour son édition 2018, l’incontournable Festival Images Vevey choisit le thème «Extravaganza. Hors de l’ordinaire». Tant à l’intérieur qu’à l’extérieur, des mises en scène surréelles donnent aux images une théâtralité hors du commun. Avec son flair habituel, le directeur Stefano Stoll offre une nouvelle dimension au travail des photographes venus de 19 pays. 61 projets à voir (absolument) jusqu’au 30 septembre.
Promenade photographique réalisée le 8 septembre pour montrer quelques-unes des œuvres en situation, des surprises chaque fois renouvelées.
Textes adaptés du programme. Les astérisques indiquent une préférence personnelle.
* No 01 — Jun Ahn — Self-Portrait, Hôtel des Trois Couronnes
La Coréenne, Jun Ahn, se photographie dans des situations improbables. Réalisés sans trucage, ces autoportraits provoquent des sentiments ambigus: que fait-elle, est-elle désespérée? Dans l’ambiance feutrée de l’hôtel cinq étoiles, sa chute produit un effet vertigineux, tandis que dans l’une des chambres ses poses sèment un étrange trouble.
No 03 —Michela Benaglia & Emanuela Colombo, Beatle in the Box, Jardin de l’Alimentarium.
En 2050, la Terre comptera près de 10 milliards d’habitants et autant de bouches à nourrir. Avec un chef et un biologiste, des recettes à base d’insectes qui se révèlent étonnamment appétissantes ont été élaborées. Devant L’Alimentarium d’énormes portraits d’insectes se présentent dans un attirail gastronomique.
No 07 —Jeff Bridges, Lebowski and other Big Shots, Jardin du Rivage
Acteur, chanteur et producteur de cinéma, Jeff Bridges capture depuis les années 1980 les coulisses de chacun de ses films en photographiant les acteurs, les techniciens, les lieux, les décors hallucinants et les costumes exubérants. D’énormes photos en noir et blanc placardent le bord du lac au milieu d’un terrain de jeu.
No 09 — Lorenzo Castore, Ewa & Piotr, La Droguerie
Alors qu’il réside à̀Cracovie, Lorenzo Castore rencontre Ewa et son frère Piotr qui habitent ensemble dans un appartement décrépit. Alcooliques, vivant reclus du monde, sans gaz, sans électricité ni eau chaude, sans explication sur ce qui s’est passé entre-deux. Les images qui parlent de toute leur existence sont dispersées dans un appartement vétuste comme celui qu’ils habitent à Cracovie.
No 14 —Cristina de Middel & Kalev Erickson, Jungle Check, La Droguerie
Un lot de polaroids sur un marché aux puces à Mexico City fait émerger une nouvelle histoire, entre réalité et fiction. L’entrée de l’ancienne droguerie donne une ambiance étrange à ces réinterprétations.
No 16 Dias & Riedweg, CameraContact, Gare CFF, appartement est
L’immersion dans les fantasmes sexuels et les désirs secrets de milliers d’anonymes photographiés par le New Yorkais Charles Hovland aspire au statut d’œuvres d’art. Ce lieu à l’étage de la gare de Vevey est singulièrement adapté à ces obscurs désirs.
No 17 — Philippe Durand, Feu (au lac), Quai Maria-Belgia
L’artiste superpose trois clichés différents restituant le mouvement des flammes qui s’animent au gré́ du déplacement du spectateur et illustre au premier degré l’expression «Y’a pas l’feu au lac».
** No 26 - Pierre-Philippe Hofmann & Mathias Domahidy, Cinéma Portable, Quai Monnerat
Un projet mêlant fiction et réalité́, image et narration. Sur le lieu même de la captation, un matin d’hiver au bas de la Grande Place, des passants se transforment en personnages du film.
No 27 — Fumiko Imano, We Oui! Quai Perdonnet
La Japonaise immortalise les scènes d’un quotidien inventé de toutes pièces. En toile de fond, les musiciens de la troupe théâtrale Les ArTpenteurs, battent la chamade.
* No 28 — Erik Kessels, Group Show, Eglise Sainte-Claire
Installation visuelle et sonore présentant une collection vintage de milliers de pochettes de vinyles de fanfares et d’ensembles de musique folklorique. Le dispositif est complété par une bande sonore expérimentale diffusant un mix de ces disques. L’effet dans la petite église est magestique.
No. 36 - Christian Marclay, Bottle Caps/ Chewing Gum / Cigarettes/ Cotton Buds/ Lids and Straws (One Minute) / Straws, Gare CFF, hall
Présentées pour la première fois en Suisse, ces vidéos de Christian Marclay repoussent les limites du concept de street photography. Au gré́ de ses promenades dans Londres, le plasticien photographie les objets jetés dans la rue. Ces vidéos sont diffusées à raison d’un sujet par jour de la semaine.
No 38 Daido Moriya - A tale of II Cities 4, Paris, 1989, Façade Andritz Hydro
En 1988 et 1989, le Japonais voit une énorme baleine gonflable flottant dans les airs, suspendue entre deux grues dans le secteur des Halles. Il immortalise le géant des mers faisant irruption dans le ciel parisien, présenté à Vevey sur la façade d’une compagnie de machines hydrauliques!
No 40 — Frédéric Nauczyciel, Fireflies, Baltimore, Quai Perdonnet/Façade de la Bibliothèque municipale
Né dans les quartiers noirs américains à la fin des années 1960, le voguing détourne les poses des mannequins blanches sur les couvertures du magazine Vogue. Les danseurs aux costumes extravagants et accessoires ultra- féminins sont captés ici en compagnie d’un pêcheur du dimanche ultra-masculin.
Projet réalisé en collaboration avec le Théâtre de Vidy et en tandem avec les spectacles de Frédéric Nauczyciel.
*** No 46 - Philippe Ramette — Promenade irrationnelle/Exploration rationnelle des fonds sous-marins - Façade Holdigaz
Depuis 20 ans, l’artiste réalise des performances spectaculaires affranchies des lois de la gravitation. Sans trucage, ni retouche numérique, il marche à la perpendiculaire d’un palmier ou au fond de la mer. L’image monumentale présentée à Vevey orne un bâtiment à l’entrée de la ville.
*** No 47 — ECAL/Elisa Ribeiro — Nuisibles, Confrérie des Vignerons
Une galerie de portraits d’insectes ravageurs de la vigne réalisés à l’aide d’un microscope à balayage électronique révèle l’extraordinaire, invisible à l’œil nu. Ici en décalage délicieux avec le contexte historique du Musée historique de Vevey.
*** No 54 - Angélique Stehli, Pink Cells Mention Lumière Broncolor, Ancienne prison de Vevey
L’ancienne prison de la ville de Vevey devient comme une boîte à bonbon. La couleur rose bubble-gum censée réduire l’hostilité des détenus placarde les trois étages, ainsi qu’une chambre réelle ouverte pour l’occasion. Un lieu glauque devient presque féérique.
** No 57 —Lorenzo Vitturi, Caminantes, no hay camino, hay que caminar, Débarcadère CGN, Quai Monnerat
La fusion de morceaux de verre de Murano, l’origine du père de l’artiste, avec des éléments de la culture péruvienne. Sur les murs de la salle d’attente du débarcadère, les œuvres retrouvent l’appel du large.
No 58 - Marie Voignier, Les Immobiles, Musée historique de Vevey
Dans les combles poutrées, des chasseurs de safari racontent leurs cruels exploits.
* No 59 — Erwin Wurm, Narrow House, Salle del Castillo
Version compressée de la maison d’enfance de l’Autrichien facétieux Erwin Wurm, cette maquette à l’échelle déforme les perceptions, à l’instar des copies de mobilier réalisées pour la Villa «Le Lac» de Le Corbusier.
Ne manquer sous aucun prétexte l’installation au sous-sol de La Droguerie (ici sans image):
*** No 61 — Martin Zimmermann & Augustin Rebetez, Les catacombes de Mr. Skeleton, La Droguerie
Douze courts-métrages en noir et blanc mettent en scène une multitude de personnages incarnés par le performer Martin Zimmermann dans une esthétique rock’n’roll. Ces vidéos transforment le sous-sol de cette ancienne droguerie en de mystérieuses catacombes peuplées d’extravagantes créatures.
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Il immortalise le géant des mers faisant irruption dans le ciel parisien, présenté à Vevey sur la façade d’une compagnie de machines hydrauliques! </p><p><strong>No 40 — Frédéric Nauczyciel, <em>Fireflies, Baltimore</em>, Quai Perdonnet/Façade de la Bibliothèque municipale </strong></p><p>Né dans les quartiers noirs américains à la fin des années 1960, le <em>voguing</em> détourne les poses des mannequins blanches sur les couvertures du magazine Vogue. Les danseurs aux costumes extravagants et accessoires ultra- féminins sont captés ici en compagnie d’un pêcheur du dimanche ultra-masculin. </p><p><em>Projet réalisé en collaboration avec le Théâtre de Vidy et en tandem avec les spectacles de Frédéric Nauczyciel.</em> </p><p><strong>*** No 46 - Philippe Ramette — <em>Promenade irrationnelle/Exploration rationnelle des fonds sous-marins</em> - Façade Holdigaz </strong></p><p>Depuis 20 ans, l’artiste réalise des performances spectaculaires affranchies des lois de la gravitation. 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Sur le lieu même de la captation, un matin d’hiver au bas de la Grande Place, des passants se transforment en personnages du film. </p><p><strong>No 27 — Fumiko Imano, <em>We Oui!</em> Quai Perdonnet </strong></p><p>La Japonaise immortalise les scènes d’un quotidien inventé de toutes pièces. En toile de fond, les musiciens de la troupe théâtrale Les ArTpenteurs, battent la chamade. </p><p><strong>* No 28 — Erik Kessels, <em>Group Show</em>, Eglise Sainte-Claire </strong></p><p>Installation visuelle et sonore présentant une collection vintage de milliers de pochettes de vinyles de fanfares et d’ensembles de musique folklorique. Le dispositif est complété par une bande sonore expérimentale diffusant un mix de ces disques. L’effet dans la petite église est magestique. </p><p><strong>No. 36 - Christian Marclay, <em>Bottle Caps/ Chewing Gum / Cigarettes/ Cotton Buds/ Lids and Straws (One Minute) / Straws</em>, Gare CFF, hall </strong></p><p>Présentées pour la première fois en Suisse, ces vidéos de Christian Marclay repoussent les limites du concept de <em>street photography</em>. Au gré́ de ses promenades dans Londres, le plasticien photographie les objets jetés dans la rue. Ces vidéos sont diffusées à raison d’un sujet par jour de la semaine. </p><p><strong>No 38 Daido Moriya - <em>A tale of II Cities 4</em>, <em>Paris, 1989</em>, Façade Andritz Hydro </strong></p><p>En 1988 et 1989, le Japonais voit une énorme baleine gonflable flottant dans les airs, suspendue entre deux grues dans le secteur des Halles. Il immortalise le géant des mers faisant irruption dans le ciel parisien, présenté à Vevey sur la façade d’une compagnie de machines hydrauliques! </p><p><strong>No 40 — Frédéric Nauczyciel, <em>Fireflies, Baltimore</em>, Quai Perdonnet/Façade de la Bibliothèque municipale </strong></p><p>Né dans les quartiers noirs américains à la fin des années 1960, le <em>voguing</em> détourne les poses des mannequins blanches sur les couvertures du magazine Vogue. Les danseurs aux costumes extravagants et accessoires ultra- féminins sont captés ici en compagnie d’un pêcheur du dimanche ultra-masculin. </p><p><em>Projet réalisé en collaboration avec le Théâtre de Vidy et en tandem avec les spectacles de Frédéric Nauczyciel.</em> </p><p><strong>*** No 46 - Philippe Ramette — <em>Promenade irrationnelle/Exploration rationnelle des fonds sous-marins</em> - Façade Holdigaz </strong></p><p>Depuis 20 ans, l’artiste réalise des performances spectaculaires affranchies des lois de la gravitation. Sans trucage, ni retouche numérique, il marche à la perpendiculaire d’un palmier ou au fond de la mer. L’image monumentale présentée à Vevey orne un bâtiment à l’entrée de la ville. </p><p><strong>*** No 47 — ECAL/Elisa Ribeiro — <em>Nuisibles</em>, Confrérie des Vignerons </strong></p><p>Une galerie de portraits d’insectes ravageurs de la vigne réalisés à l’aide d’un microscope à balayage électronique révèle l’extraordinaire, invisible à l’œil nu. Ici en décalage délicieux avec le contexte historique du Musée historique de Vevey. </p><p><strong>*** No 54 - Angélique Stehli, <em>Pink Cells Mention Lumière Broncolor</em>, Ancienne prison de Vevey </strong></p><p>L’ancienne prison de la ville de Vevey devient comme une boîte à bonbon. La couleur rose bubble-gum censée réduire l’hostilité des détenus placarde les trois étages, ainsi qu’une chambre réelle ouverte pour l’occasion. 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Sur les murs de la salle d’attente du débarcadère, les œuvres retrouvent l’appel du large. </p><p><strong>No 58 - Marie Voignier, <em>Les Immobiles</em>, Musée historique de Vevey </strong></p><p>Dans les combles poutrées, des chasseurs de safari racontent leurs cruels exploits. </p><p><strong>* No 59 — Erwin Wurm, <em>Narrow House</em>, Salle del Castillo </strong></p><p>Version compressée de la maison d’enfance de l’Autrichien facétieux Erwin Wurm, cette maquette à l’échelle déforme les perceptions, à l’instar des copies de mobilier réalisées pour la Villa «Le Lac» de Le Corbusier. </p><p>Ne manquer sous aucun prétexte l’installation au sous-sol de La Droguerie (ici sans image):</p><p><strong> *** No 61 — Martin Zimmermann & Augustin Rebetez, <em>Les catacombes de Mr. Skeleton</em>, La Droguerie </strong></p><p>Douze courts-métrages en noir et blanc mettent en scène une multitude de personnages incarnés par le <em>performer</em> Martin Zimmermann dans une esthétique rock’n’roll. 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Le surréalisme est trop approprié; en revanche, je m’intéresse à Dada et suis très content que ma vidéo soit présentée à proximité du travail de Man Ray.<em></em></p> <blockquote> <p><em>L’exposition «<a href="https://elysee.ch/expositions/man-ray/" target="_blank" rel="noopener">Man Ray, libérer la photographie</a>» </em><em>présente 188 clichés d’une collection privée qui retrace les expérimentations de l’ami de Duchamp, qui réalisa parmi les portraits les plus iconiques du siècle dernier. 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Les surréalistes se sont beaucoup amusés dans les fêtes foraines, comme dans les photomatons.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1714625866_christianmarclayvideostillfromphotomatoncollectionphotoelyse.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Christian Marclay, Video still from Photomaton © Collection Photo Elysée</em></h4> <p><strong>Dans votre œuvre minuscule présentée à Lausanne et réalisée à partir des milliers de tirages du photomaton installé à Photo Elysée, vous faites déferler les images à la vitesse d’un film.</strong></p> <p>Comme les films de Man Ray nous le rappellent, nous étions au début du cinéma. C’était encore le début de la peinture abstraite et on peut dire que Man Ray faisait déjà de la photographie abstraite.</p> <p>Prenons le temps de réfléchir à ce que cela voulait dire d’avoir une caméra devant soi à l’époque. Ce que faisait Man Ray avec l’appareil photo était d’autant plus remarquable. Aujourd’hui, c’est devenu banal, tout le monde a une caméra dans son téléphone.</p> <p><strong>Et vous, que faites-vous pour échapper à la banalité?</strong></p> <p>J'estime que le rapport physique à la photo est très important. C’est pourquoi j’ai choisi ce thème du photomaton lorsque j’ai été approché pour ce projet de collaboration avec les élèves de l’Ecal.</p> <p>Dans mon travail, la présence du spectateur est essentielle. 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Et après la photo?</strong></p> <p>Je suis persuadé que l’art redevient tactile, je dirais, même, analogique. Les portraits de Cindy Sherman sont intéressants car, depuis sa plongée dans le numérique, elle introduit des éléments en couleur qui sont collés directement sur la photo, en relief.<em></em></p> <blockquote> <p><em>L’artiste américaine, <a href="https://elysee.ch/expositions/cindy-sherman/" target="_blank" rel="noopener">Cindy Sherman (1954)</a></em><em> commençait dans les années 1970 ses travaux sur la représentation et l’identité en se prenant comme seul sujet. Ses autoportraits tiennent d’un étrange équilibrisme entre le soi et l’extravagance artistique. Depuis 2010, elle s’autorise les exagérations du numérique.</em></p> </blockquote> <p><strong>A l’ère digitale, pourquoi privilégier le lien physique?</strong></p> <p>Plus que jamais! Mon travail cherche ce rapport physique à l’image, comme avec le son. Même mes peintures établissent un rapport au son, ce sont des collages d’onomatopées qui fonctionnent comme des partitions, comme si on pouvait entendre le peintre en train de peindre.</p> <p>La façon dont on perçoit les images m’intéresse. Pour la petite anecdote, j’ai vu l’autre jour un jeune qui tentait d’élargir une image sur papier dans un magazine comme sur l’écran de son téléphone…</p> <p><strong>Dans vos montages vidéo, vous utilisez souvent des images anciennes. Pour quelle raison?</strong></p> <p>Je leur donne une nouvelle vie, je les fais revivre. En même temps, je m’en sers pour ce rapport à la physicalité, je crée une rencontre avec le spectateur. Je compte sur sa présence pour l’amener ailleurs. Il devient l’acteur principal, l’œuvre n’existe pas tant qu’il n’y a pas cette interaction.</p> <p>Dans «Doors», qui sera présenté en septembre dans le cadre du <a href="https://www.images.ch/en/biennale/" target="_blank" rel="noopener">Festival Images de Vevey</a>, j’utilise la répétition et les bifurcations de scènes de films pour déstabiliser le public et créer une tension. Je jongle avec la temporalité, puisque les séquences ne sont pas linéaires: une même porte permet d’accéder à des suites différentes.</p> <p><strong>Qu’en est-il de la performance, lorsque vous vous mettez en scène, on pourrait même dire en musique, puisque vous êtes également compositeur et musicien?</strong></p> <p>Cela tient de la même dynamique, au même rapport au physique. J’attache de l’importance à la rencontre sociale qui permet le partage et au passage d’un temps en commun. 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Une illumination sans précédent </em>(2003), coordinatrice du Comité Nicolas de Staël et conseillère scientifique de l’exposition, est la fille d’Anne de Staël (1942), la fille que Nicolas de Staël (1914-55) a eue avec Jeannine Guillou (1909-46), une artiste française qu’il avait rencontrée au Maroc en 1937 et qui a joué un rôle déterminant dans la vocation et l’évolution du peintre.</p> <p>Cet article complète <a href="https://bonpourlatete.com/culture/nicolas-de-stael-la-lumiere-vorace" target="_blank" rel="noopener">Nicolas de Staël, la lumière vorace,</a> paru le 8 mars.</p> <p><strong>Michèle Laird: A force de chercher, de toujours se renouveler, Nicolas de Staël manquait-il de confiance en lui-même?</strong></p> <p><strong>Marie du Bouchet</strong>: Non, il était très sûr de lui. Il avait le don de la certitude: il savait qu’il avait quelque chose en lui. Dès son jeune âge, il a cherché à convaincre ses parents adoptifs d’avoir confiance en son choix de devenir artiste, malgré les réticences du père qui voulait qu’il devienne ingénieur, comme lui.</p> <p><strong>Par artiste, entendez-vous peintre? </strong></p> <p>Pas seulement. On se rend compte dans ses écrits de jeunesse, alors qu’il est en train de se constituer en tant qu’artiste peintre, que l’écriture reste très importante puisqu’il décrit toutes ses sensations.</p> <p>Dans une édition récente des textes qu’il a écrits lors d’un voyage au Maroc et qui n’ont que récemment été trouvés (<em>Le voyage au Maroc</em>, Nicolas de Staël, Editions Arléa, 2023), on découvre qu’à 23 ans il était déjà capable d’exprimer un profond sentiment de la vie et qu’il percevait toutes les possibilités de la lumière. On voit la présence de sa future palette dans ses textes. 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Son intérêt pour les musiques vivantes le conduisait aux concerts du domaine musical tenu par Suzanne Tézenas à Paris avec Pierre Boulez. Sa dernière toile, <em>Le Concert</em>, 1955, immense (6 m de large), inachevée, a du reste été réalisée au retour d’un concert de musique contemporaine, juste avant sa mort.</p> <p><strong>Sa vaste correspondance, donne-t-elle des clés pour le comprendre?</strong></p> <p>C’est assez particulier, c’est comme s’il avait inventé sa propre langue tellement il voulait dire les choses exactement, comme il les ressentait. Il écrivait au rythme de sa pensée. Il se passe dans ses lettres exactement ce qui se passe dans sa peinture: il nous donne un moyen très précis d’entrer dans ses motivations intérieures. Il nous donne à lire, exactement comme il nous donne à voir.</p> <p><em>Ndlr: </em>Lettres 1926-1955 de Nicolas de Staël<em> (présentation, commentaires et notes de Germain Viatte), édition augmentée 2016, Le Bruit du Temps. 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Par exemple, avec son ami Jean Bauret, à qui il montrait ce qu’il avait peint pour avoir son avis.</p> <p><strong>Comment expliquez-vous sa singularité?</strong></p> <p>Il a trouvé des rapports de couleur que personne ne savait faire. Son intérêt pour les mosaïques byzantines – ces tesselles où les couleurs s’expriment sur celles qui sont sous-jacentes, qui sont constamment mises en rapport les unes avec les autres – cela a donné une mobilité à ses œuvres.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969008_destaelfleursdetailparis1952huilesurtoilecollectionparticuliere.jpg" /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, "Fleurs" (détail), Paris, 1952, Huile sur toile, collection particulière</em></h4> <p><strong>Cette singularité, a-t-elle posé un problème aux conservateurs et aux historiens de l’art?</strong></p> <p>De Staël a toujours suscité des doutes de la part des conservateurs qui se sentent mal à l’aise face à une singularité et à un propos pictural absolument unique, inclassable. Mais, les choses sont en train de changer avec ces rétrospectives. Le public, lui, n’a jamais été dérangé par le fait que de Staël n’appartenait à aucune école.</p> <p><strong>Son retour à la figuration, après sa période d’abstraction, en a pourtant dérouté plus d’un.</strong></p> <p>Pour moi, il s’agissait d’une évolution naturelle de sa peinture, pas forcément d’un retour à la figuration, mais d’une exploration de formes. Du reste, chez ce peintre-là, même l’abstraction reste ancrée d’une façon très particulière dans le réel, dans l’observation de la lumière et de la structure d’un espace réel. C’est vraiment le propre de son abstraction. Il était toujours à la limite de quelque chose de très concret.</p> <p><strong>Quelle était la place du dessin dans ses explorations?</strong></p> <p>Il travaillait le dessin et la peinture concomitamment, c’était vraiment un dialogue, sans que le croquis ne soit nécessairement préparatoire. Si le trait du dessin contient toute l’énergie de sa peinture, cela tient à sa capacité de synthèse – cette synthèse que l’artiste sait établir. On la retrouve dans ses dessins.</p> <p>Il cherchait toujours cette lumière qui surgit du fond de la toile, ou du fond de la page du dessin. On peut dire que la simplicité du trait va lui permettre de travailler ce rapport à la lumière qu’il va poursuivre à travers la peinture.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969110_destaeletudedepaysageitaliedessinesurlemotif1953stylofeutresurpapier322x262cmcollectionparticuliere.jpg" /></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969062_destaelsiciliedessinesurlemotif1953stylofeutresurpapier322x262collectionparticuliere.jpg" /></p> <h4>Lors d’un voyage en Italie réalisé en août 1953 avec sa famille, et deux amies, dont Jeanne Polge, de Staël ne peint pas, il dessine. A son retour, ces croquis formeront la base des paysages d’Agrigente et Syracuse réalisés avec des aplats de teintes éclatantes.</h4> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, Sicile, dessiné sur le motif, 1953, Stylo-feutre sur papier, 32,2 x 26,2, collection particulière</em></h4> <p><strong>Peut-être que je me trompe, mais je n’ai trouvé aucune ombre dans ses tableaux.</strong></p> <p>Si on prend <em>Les Poissons</em>, 1955, comme exemple, il y a des tâches noires qui pourraient être des ombres. Mais, c’est vrai, s’il y a ombre, elle prend une forme qu’on ne reconnait pas; elle devient un écho, un ricochet à l’objet, elle ne sert pas à l’inscrire par rapport à une position. J’ai l’impression qu’il avait une façon de poser les objets d’une façon finalement assez métaphysique: il transpose notre réel dans un espace pictural, il réussit à faire exister ces formes <em>dans le monde de la peinture.</em></p> <p><strong>Il mesurait 1m97 et pourtant il travaillait sans chevalet.</strong></p> <p>Oui, il était toujours replié, accroupi, pour peindre ses toiles au sol. C’est très particulier et c’est une réflexion qu’on peut avoir sur son rapport à la toile et même au réel. Il y a un lien en permanence au sol. Il avait d’ailleurs toujours très mal au dos.</p> <p><strong>Les photos réalisées par Denise Colomb en 1954, devenues iconiques, nous laissent avec l’image d’un homme élégant, presque détaché.</strong></p> <p>Cela peut surprendre, mais il avait en réalité une personnalité rayonnante et très joyeuse. C’est pour cela d’ailleurs qu’on ne peut pas parler d’un peintre désespéré. C’était quelqu’un de très enthousiaste qui parlait tout le temps de joie, y compris dans sa correspondance. S’il rencontrait des moments de remise en question, la peinture l’entrainait vers la grande énergie qu’il recherchait, qu’il percevait et dont il a su nous rendre compte. Les spectateurs le sentent très bien aujourd’hui encore.</p> <p><strong>Comment se comportait-il avec son entourage?</strong></p> <p>Il y avait beaucoup de bonheur dans son couple avec Françoise <em>(Ndlr: de Staël épousa Françoise Chapouton en 1946 après le décès de Jeannine Guillou, et avec laquelle il eut trois autres enfants)</em>, des déjeuners passionnants, des sujets toujours essentiels, enflammés, donc je pense que ça crée une vie extraordinairement dense et enlevée pour ceux qui vivent dedans.</p> <p>En même temps, il pouvait être très colérique, voulant les choses telles qu’il les concevait au moment-même, et s’il y avait de la résistance, il le supportait mal. Comme l’explique ma mère, Anne de Staël, il était toujours en effraction, il forçait les choses. Ça, c’est un trait de caractère qui peut rendre les choses difficiles pour l’entourage.</p> <p><strong>Ce qui frappe dans sa correspondance, c’est combien il se préoccupait des autres.</strong></p> <p>Il avait une grande tendresse pour s’adresser à la mère de Françoise et à sa grand-mère; en fait, il les adoptait, pour sans doute se faire adopter lui-même, en tant qu’orphelin… Il était absolument charmant. Tout le monde l’aimait beaucoup. Il n’était pas du tout le genre d’artiste à qui on ne pouvait pas s’adresser, qui restait dans son mutisme. Il donnait énormément à tous ceux qui l’entouraient.</p> <p><strong>N’a-t-il jamais eu un sentiment d’échec pendant ses années de misère?</strong></p> <p>Jamais, il était comme tiré par la direction dans laquelle il allait. Le déroulement était très logique. Même dans le dénuement le plus total pendant la guerre, il n’en a jamais dévié.</p> <p><strong>Ressentez-vous sa présence dans sa peinture?</strong></p> <p>C’est curieux comme question, mais il est vrai que l’on peut avoir l’impression d’être en sa présence devant ses tableaux. Sans doute est-ce l’effet d’une émotion indéfinissable face à un élan artistique qui ne ressemble à aucun autre.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969451_destaelpaysageavecfiguresdetail1952huilesurcarton12x22cm.jpg" /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, "Paysage avec figures" (détail) 1952, huile sur carton, 12 x 22 cm</em></h4> <p><strong>Aidez-nous à comprendre ce qui a mené à son suicide. Votre maman, Anne de Staël – qui n’avait que 13 ans quand son père est mort et à qui il a adressé sa dernière lettre – explique que l’histoire d’amour malheureuse avec Jeanne Polge était une clé, mais pas la cause de sa disparition.</strong></p> <p>Nicolas de Staël n’était jamais dans la gratuité, il tendait toujours vers l’essentiel. Une telle intensité pouvait-elle durer? C’est fatiguant dix ans de recherches constantes, tous les jours sans répit.</p> <p><em>Ndlr: plus de 1'000 tableaux et autant de dessins, dont 250 par année juste avant sa mort.</em></p> <p>On peut comprendre son épuisement.</p> <p>Le suicide était présent dans sa vie, il en était fasciné. Peut-être ne se voyait-il pas en vieux peintre. Il avait bien préparé son départ; il était passé chez le notaire avant son départ pour protéger sa fille, Anne, née en dehors du mariage. Peut-on parler d’un acte désespéré?</p> <p><strong>Il écrivait dans sa note d’adieu à son marchand, Jacques Dubourg, le jour de sa mort, le 16 mars 1955, qu’il n’avait plus la force de parachever ses tableaux.</strong></p> <p>Contrairement aux peintres qui ne nous donnent pas les mots pour comprendre, Nicolas de Staël s’est exprimé jusqu’au bout.</p> <p><strong>De Staël est-il resté plus intemporel que les autres? </strong></p> <p>C’est vrai, de Staël a cette chose étonnante, c’est qu’il reste éternellement jeune. Il est d’ailleurs mort jeune et c’est comme si sa jeunesse était restée imprimée dans sa peinture. 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Accompagnée de son époux, Gustave de Staël, le dernier enfant du peintre (qu’il n’a pas eu le temps de connaître), elle suit le travail du peintre depuis les années soixante quand elle le découvrait aux Etats Unis, pays dont elle est originaire. «A la Fondation de l’Hermitage, les tableaux respirent». </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1709151778_stael_lesmouettes_1955scaled.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Dans un atelier loué sur les remparts d’Antibes, de Staël passera ses derniers mois à peindre comme un fou, seul, face à la mer. «Je deviens un cyclone en peinture», écrit-il en mai 54 à Jeanne Polge, la femme qui refusera son amour.</em></h4> <h4 style="text-align: center;">Nicolas de Staël, "Les Mouettes", 1955. Huile sur toile, 195 × 130 cm. Collection particulière. Photo Thomas Hennocque © 2023, ProLitteris, Zurich</h4> <p>Seule critique, le superbe catalogue de l’exposition termine avec une analyse du déclin de la reconnaissance du peintre dès son retour à la figuration au début des années cinquante – après son passage par l’abstraction – et face à l’émergence de l’Expressionisme américain (Pollock, Rothko, Rauschenberg…), comme si le monde de l’art pouvait lui dicter ce qu’il devait devenir. Peut-on encore imaginer un peintre plus proche de sa propre vérité sans l’interférence de chapelles artistiques? De Staël est resté fidèle à lui-même, restant libre à jamais.</p> <p>«<span>L’homme était désespéré, </span>mais l’artiste est resté jusqu’à la fin face à la beauté», observe Pierre Wat.</p> <p>L’échec d’une histoire d’amour a trop longtemps alimenté la légende romanesque du suicide de l’artiste. 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Réalisée au moyen de caméras multispectrales et de capteurs ultrasoniques, le film d’une durée de 74 minutes donne à voir des images et à entendre des sons qui sont en dehors de nos champs de perception.</p> <h3>Photo / Art</h3> <p>«Je cherche les lignes de faille de la photographie documentaire pour trouver de nouvelles façons de raconter des histoires», expliquait Mosse lors du vernissage. 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Des scènes effroyables – tournées en noir et blanc analogique pour son effet velouté – d’abattage d’arbres centenaires, de bêtes issues d’élevages ultra-intensifs, de mercure utilisé pour l’extraction d’or versée dans les cours d’eau, d’incendies provoqués au pétrole pour dégager les sols, sont entrecoupées d’images technicolor et de sons magnifiées du lit de la forêt, de tapis à l’infini de la canopée captée à l’infrarouge (où la chlorophylle se traduit par des teintes de rouge et rose vifs), autant de chefs-d’œuvre de la nature invisibles à l’œil nu – et de tableaux abstraits.</p> <blockquote> <p><em>La clé est dans le montage, précise Mosse, «passer d’une dimension à l’autre pour créer une dissonance visuelle, c’est là où la magie opère.»</em><em></em></p> <p><em><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1704798162_richard_mosse_vue_exposition_de_broken_spectre_national_gallery_of_victoria_tom_ross.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></em></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705486767_richardmossebrokenspectrevuedexposition.bw.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>Les scènes qui illustrent les ravages perpétrés par l’homme sont filmées en noir et blanc.</em></h4> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1704798223_richard_mosse_vue_exposition_de_broken_spectre_national_gallery_of_victoria_tom_ross.2.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705486865_richardmossebrokenspectrevuedexposition.couleur.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>Les scènes qui documentent l’état de la forêt amazonienne sont filmées avec des caméras multispectrales qui permettent d'enregistrer en une seule prise de vue plusieurs longueurs d'onde du spectre lumineux et ensuite de choisir quelles couleurs rendre visibles pour révéler les détails. 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Les hommes et femmes qui participent à cette destruction ne sont pourtant pas des démons, ils travaillent pour des cercles mafieux de plus en plus puissants au service du commerce international, prévient Mosse, qui les filme sans hostilité; il n’est pas indifférent à leur sort.</p> <h3>Art / Politique</h3> <p>«Mon travail consiste à partager, à communiquer, non pas à juger». Mosse s’appuie sur les thèses du philosophe Walter Benjamin pour expliquer qu’une œuvre d’art ne doit pas servir de propagande.</p> <blockquote> <p><em>«A mon avis, l’art ne vous dit pas ce que vous devez penser. Mon intention est de désorienter le spectateur (visiteur) pour qu’il décide de lui-même. Je me contente de donner la texture des crimes environnementaux»</em>, rappelle Mosse.</p> </blockquote> <p>Son film a cependant pris une tournure politique imprévue par le hasard d’une actualité tragique. Le lendemain d’une fusillade par des <em>garimpeiros</em> (chercheurs d’or) contre une communauté indigène de Yanomamis qui avait empêché la livraison et brûlé l’essence nécessaire à leur campement, Mosse et son équipe arrivaient sur place et tombaient sur Adneia.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705487011_richardmossecapturetireedebrokenspectreroraimasigaerienmultispectralrichardmosse.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>La rivière Uraricoera dans l’état de Rondônia, berceau de la communauté Yanomami, est au cœur de la ruée pour l’or cautionnée du temps de Bolsonaro et combattue par Lula.</em></h4> <p>Pendant de longues minutes ininterrompues (à part pour le changement de pellicules par Tweeten pris au dépourvu et en manque de stock), la jeune <em>mater dolorosa</em> livre une diatribe cinglante. «Bolsonaro, cette terre n’est pas la tienne, ce n’est pas toi qui a mis la rivière là. Espèce de parasite, reprends toute ta saleté. Tu nous fais souffrir. Envoie-nous l’armée pour nous protéger des envahisseurs, nous voulons que nos enfants dorment la nuit.» Malaria, diarrhée, le mercure qui pollue l’eau, les Yanomamis n’ont même plus de centre médical. La mortalité enfantine est élevée.</p> <p>Puis, le regard droit dans l’objectif, elle s’adresse à nous: «Vous les blancs, ouvrez les yeux, ouvrez vos cerveaux. Nos enfants souffrent, ça fend le cœur!» La caméra continue de tourner autour d’elle pendant qu’elle se ressaisit dans la douleur. La scène est bouleversante.</p> <p>Mosse admet que «Broken Spectre» est son premier film activiste. Il n’a pas la certitude d’un lien de cause à effet, mais quand John Kerry, l’envoyé spécial des Etats-Unis pour le climat de l’administration Biden, a rencontré Luiz Inácio Lula da Silva le président brésilien fraîchement élu, il a demandé à recevoir le lien du film de Mosse qu’il venait de découvrir à Londres (le film a été présenté en Angleterre, Australie et les EU). Très peu de temps après, l’armée brésilienne est intervenue pour empêcher l’activité des <em>garimpeiros</em> dans la région.</p> <p>«C’est précisément ce que demandait Adneia! Cela démontre le pouvoir de l’art», dit Mosse, enthousiaste.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705487284_richardmosselausannenovembre2023.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="461" height="412" /></p> <blockquote> <h4><em>Richard Mosse, Lausanne, novembre 2023.</em></h4> </blockquote> <p>Issu d’une famille Quaker irlandaise et pacifiste, Mosse, la quarantaine juvénile, vit à présent à New York. Il qualifie ce film difficile, filmé sur 3 ans de 2019 à 2022, par épisodes de six à huit semaines, son «chemin de croix». </p> <blockquote> <p><em>«La déforestation se produit en direct. C'est maintenant qu'il faut l’arrêter».</em></p> </blockquote> <h3>Après-propos</h3> <p>Dans un article du <em><a href="https://www.theguardian.com/world/2023/dec/27/mining-on-rise-again-in-amazon-says-yanomami-leader" target="_blank" rel="noopener">Guardian </a></em> du 27 décembre 2023, David Kopenawa, l’activiste shaman Yanomami, se lamente du retour des mineurs malgré la campagne d’éviction du gouvernement. Les antennes paraboliques Starlink permettraient aux criminels d’y échapper. Lula a depuis commandé une intensification des efforts.</p> <p><strong>Témoignage de David Frost, le compositeur de la bande sonore à la fois organique et spectrale de «Broken Spectre»</strong></p> <p>«Au cours des trois dernières années, Richard Mosse, Trevor Tweeten et moi-même avons parcouru l'Amazonie pour documenter sa destruction. Les résultats de cette documentation sont devenus le nouveau film de Richard, Broken Spectre.</p> <p>Durant cette période, j’ai été témoin d’incendies si vastes qu’ils masquaient le soleil. J'ai vu des bûcherons illégaux abattre des arbres vieux de 700 ans et j'ai entendu le silence troublant de la forêt qui a suivi. J’ai vu des rivières empoisonnées par le mercure et de vastes étendues de forêt décimées pour la promesse de quelques grains d’or par de jeunes mineurs cherchant illégalement fortune dans les territoires autochtones. J'ai enregistré des vétérinaires bénévoles traitant des brûlures au troisième degré sur les pattes d'un Jaguar anesthésié; des blessures infligées par des éleveurs enhardis cherchant à produire davantage de bœuf destiné à l'exportation sur les restes fumants de sa maison dans une zone humide. Tout cela parce que "l’homme dominera"».</p> <hr /> <h4><a href="https://elysee.ch/expositions/richard-mosse-broken-spectre/" target="_blank" rel="noopener">«Broken Spectre»</a>, Richard Mosse, Photo Elysée, Lausanne, jusqu'au 25 février 2024. 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