Culture / Des fables de la modernité s’emparent de Genève
6 août 2018
Inverso Mundus AES+F
Inverso Mundus Still d'un film de 38’ AES+F
Inverso Mundus Collage numérique AES+F
Allegoria Sacra (2011-2013) Un still du film de 34’ AES+F
Allegoria Sacra (2011-2013) AES+F
Allegoria sacra Collage numérique AES+F
Last Riot (2005-2007) Still d'un film de 19’25 AES+F
Le collectif d’art russe AES+F investit le Musée d’art et d’histoire de Genève avec ses allégories féroces. L’œuvre du collectif d’art vidéo saccage depuis 30 ans les codes de l’art occidental tout en y puisant d’une manière éhontée. Dans un langage visuel qui frise le kitch, les grandes fresques mouvantes se lisent comme des commentaires érudits ou une critique sauvage de nos valeurs. Le résultat est déroutant, ambigu et fascinant.
Le Musée d’art et d’histoire de Genève se transforme en cour des miracles des temps modernes pour recevoir Theatrum Mundi (le théâtre du monde), l’expression collective de quatre artistes multimédia qui travaillent et vivent à Moscou.
Rétrofuturisme
Réalisées sur une période de 10 ans, les vidéos projetées sur écrans géants dans les salles palatines du musée genevois, campées parmi des sculptures et collages digitaux du même collectif, ont apporté la reconnaissance internationale à l’AES+F (les initiales des fondateurs, dont une femme), car elles brouillent les pistes de l’art contemporain avec une imagerie rétrofuturiste et une stylisation à la Instagram.
D’où une efficacité artistique retenue par des institutions aussi prestigieuses que le Moderna Museet (Stockholm), la Tate Britain (London), le MAXXI and MACRO Future (Rome), le Centre Pompidou (Paris) et le Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid).
AES+F, Inverso Mundus (Le monde à l’envers), 2015, still du film de 38'
Inverso Mundus, une vidéo grandiose qui fut un événement à la Biennale de Venise en 2015, Last Riot, présenté à Venise en 2007, Allegoria Sacra et le collage numérique The Feast of Trimalchio, se regardent comme des commentaires troublants de la société contemporaine. L'oeuvre rappelle cependant le faste et le foisonnement de l’univers du primitif flamand Hieronymus Bosch retravaillé dans des plans glacés et glaçants dignes de Stanley Kubrick. La saturation musicale dans un bain de Bellini, Liszt, Mozart, Ravel, Wagner et Tchaïkovski ajoute un côté mystique à la succession d''étranges images.
« C’est un miroir de notre réalité, qu’il s’agisse de notre réalité «réelle», d’une réalité virtuelle ou d’une réalité rêvée. » Tatiana Arzamasova, AES+F
AES+F, Inverso Mundus (Le monde à l’envers), 2015, still d’un film de 38’ d’une grande puissance énigmatique qui illustre les rapports de force inversés.
Paradis perdus
Les thématiques abordées par AES+F n’ont pas de limites, on y parle de religion chrétienne avec son iconographie arcane (Saint Sébastien), du rapport ambigu à la migration (le beau nègre), de la société de déchets sous un urbanisme aseptisé, de l’emprise de la violence dans les jeux vidéo, de la hiérarchie des rapports de force, le tout dans un symbolisme à outrance et une imagerie léchée.
AES+F, Last Riot (la dernière révolte), un constat acerbe sur la perception détournée de la réalité dans un monde virtualisé, surtout chez les jeunes.
Les références multiples à l’art classique et à la mythologie (La Pietà de Michel-Ange, les trois grâces, le mythe du centaure, l’Allegoria sacra de Bellini ) exhalent un parfum de paradis perdu, tout comme le répulsif bestiaire fantasmagorique qui émerge de la nuit des temps dans Inverso Mundus. Le cocktail pourrait paraître simpliste, mais la luxuriance des images au ralenti est totalement captivante.
« C’est là le secret du langage visuel: se souvenir des choses dont nous n’avons pas conscience. » Evgeny Svyatsky, AES+F .
Clés de l'AES+F
En posant un regard sur les clichés de la culture contemporaine pop avec les clés et références de l’ancienne, les œuvres protéiformes du collectif reposent sur un langage artistique et une esthétique singuliers :
- La sublimation de l’imagerie contemporaine par le mouvement au ralenti, à mi-chemin entre la photo et la vidéo.
- Des visages sans expression, sans émotion, sans humanité, sculptés par la lumière, beaux, efficaces.
- Une iconographie futuriste 3D glamour, toujours à deux doigts de l’excès.
- La beauté des contrastes entre noirs et blancs, entre jeunes et vieux, entre ciel et mer, entre le monde animal et l’homme, entre sexes.
- Une narration romancée des luttes entre les classes, entre la femme et l’homme, entre le réel et le fantasme, entre la violence et la sérénité, entre l’état de grâce et l’accident.
« Nous essayons de donner au public des images très théâtrales et surréalistes de notre monde, dans lequel il est difficile de différencier la réalité de la virtualité. Il s’agit d’une réflexion sur le futur du monde. » Lev Evzovich, AES+F
AES+F, L’Allégorie sacrée, 2011-2013, un monde toujours en attente, comme dans les aéroports.
L’ultra-sophistication méconnue de la Russie
Le plus frappant dans cette oeuvre est la découverte d’une ultra-sophistication issue de l'art contemporain russe qui contraste avec l'image vieillotte qui se dégage encore de la culture en Russie. L'AES+F maîtrise les nouvelles technologies au point d’inventer une forme d’immersion visuelle totale et de transformer l’art en spectacle.
Teinté d'un esthétisme baroque, ce grand fourre-tout laisse perplexe, mais il séduit car l’exagération flirte avec une critique de la surabondance occidentale. L’observation est minutieuse et l’hyperréalisme resplendit sur les immenses écrans du MAH. Theatrum Mundi, c'est du grand théâtre, sans qu'un seul mot ne soit prononcé.
Les citations sont extraites d’un entretien avec 3 des 4 membres du collectif AES+F réalisé par Maureen Marozeau pour le blog du musée :
« Nous ne sommes pas quatre mais un seul artiste. AES+F est un individu, tout comme n’importe quel artiste solo. Quatre corps et une synergie d’esprits. Cela nous donne une idée du futur, avec la téléportation, où les corps et les esprits finiront par se fusionner grâce à l’intelligence artificielle. Nous sommes le premier artiste mutant du futur. » Evgeny Svyatsky, AES+F
Jusqu'au 7 octobre 2018
Musée d’art et d’histoire de Genève
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Le cocktail pourrait paraître simpliste, mais la luxuriance des images au ralenti est totalement captivante. </p><blockquote><sub>« C’est là le secret du langage visuel: se souvenir des choses dont nous n’avons pas conscience. » Evgeny Svyatsky, AES+F .</sub></blockquote><h3>Clés de l'AES+F</h3><p>En posant un regard sur les clichés de la culture contemporaine pop avec les clés et références de l’ancienne, les œuvres protéiformes du collectif reposent sur un langage artistique et une esthétique singuliers :</p><h4><ul><li>La sublimation de l’imagerie contemporaine par le mouvement au ralenti, à mi-chemin entre la photo et la vidéo. </li></ul><ul><li>Des visages sans expression, sans émotion, sans humanité, sculptés par la lumière, beaux, efficaces. </li></ul><ul><li>Une iconographie futuriste 3D glamour, toujours à deux doigts de l’excès. </li></ul><ul><li>La beauté des contrastes entre noirs et blancs, entre jeunes et vieux, entre ciel et mer, entre le monde animal et l’homme, entre sexes. </li></ul><ul><li>Une narration romancée des luttes entre les classes, entre la femme et l’homme, entre le réel et le fantasme, entre la violence et la sérénité, entre l’état de grâce et l’accident. </li></ul></h4><blockquote><sub>« Nous essayons de donner au public des images très théâtrales et surréalistes de notre monde, dans lequel il est difficile de différencier la réalité de la virtualité. 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Le surréalisme est trop approprié; en revanche, je m’intéresse à Dada et suis très content que ma vidéo soit présentée à proximité du travail de Man Ray.<em></em></p> <blockquote> <p><em>L’exposition «<a href="https://elysee.ch/expositions/man-ray/" target="_blank" rel="noopener">Man Ray, libérer la photographie</a>» </em><em>présente 188 clichés d’une collection privée qui retrace les expérimentations de l’ami de Duchamp, qui réalisa parmi les portraits les plus iconiques du siècle dernier. 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Aujourd’hui, c’est devenu banal, tout le monde a une caméra dans son téléphone.</p> <p><strong>Et vous, que faites-vous pour échapper à la banalité?</strong></p> <p>J'estime que le rapport physique à la photo est très important. C’est pourquoi j’ai choisi ce thème du photomaton lorsque j’ai été approché pour ce projet de collaboration avec les élèves de l’Ecal.</p> <p>Dans mon travail, la présence du spectateur est essentielle. 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Et après la photo?</strong></p> <p>Je suis persuadé que l’art redevient tactile, je dirais, même, analogique. Les portraits de Cindy Sherman sont intéressants car, depuis sa plongée dans le numérique, elle introduit des éléments en couleur qui sont collés directement sur la photo, en relief.<em></em></p> <blockquote> <p><em>L’artiste américaine, <a href="https://elysee.ch/expositions/cindy-sherman/" target="_blank" rel="noopener">Cindy Sherman (1954)</a></em><em> commençait dans les années 1970 ses travaux sur la représentation et l’identité en se prenant comme seul sujet. Ses autoportraits tiennent d’un étrange équilibrisme entre le soi et l’extravagance artistique. Depuis 2010, elle s’autorise les exagérations du numérique.</em></p> </blockquote> <p><strong>A l’ère digitale, pourquoi privilégier le lien physique?</strong></p> <p>Plus que jamais! Mon travail cherche ce rapport physique à l’image, comme avec le son. Même mes peintures établissent un rapport au son, ce sont des collages d’onomatopées qui fonctionnent comme des partitions, comme si on pouvait entendre le peintre en train de peindre.</p> <p>La façon dont on perçoit les images m’intéresse. Pour la petite anecdote, j’ai vu l’autre jour un jeune qui tentait d’élargir une image sur papier dans un magazine comme sur l’écran de son téléphone…</p> <p><strong>Dans vos montages vidéo, vous utilisez souvent des images anciennes. Pour quelle raison?</strong></p> <p>Je leur donne une nouvelle vie, je les fais revivre. En même temps, je m’en sers pour ce rapport à la physicalité, je crée une rencontre avec le spectateur. Je compte sur sa présence pour l’amener ailleurs. Il devient l’acteur principal, l’œuvre n’existe pas tant qu’il n’y a pas cette interaction.</p> <p>Dans «Doors», qui sera présenté en septembre dans le cadre du <a href="https://www.images.ch/en/biennale/" target="_blank" rel="noopener">Festival Images de Vevey</a>, j’utilise la répétition et les bifurcations de scènes de films pour déstabiliser le public et créer une tension. Je jongle avec la temporalité, puisque les séquences ne sont pas linéaires: une même porte permet d’accéder à des suites différentes.</p> <p><strong>Qu’en est-il de la performance, lorsque vous vous mettez en scène, on pourrait même dire en musique, puisque vous êtes également compositeur et musicien?</strong></p> <p>Cela tient de la même dynamique, au même rapport au physique. J’attache de l’importance à la rencontre sociale qui permet le partage et au passage d’un temps en commun. 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Son intérêt pour les musiques vivantes le conduisait aux concerts du domaine musical tenu par Suzanne Tézenas à Paris avec Pierre Boulez. Sa dernière toile, <em>Le Concert</em>, 1955, immense (6 m de large), inachevée, a du reste été réalisée au retour d’un concert de musique contemporaine, juste avant sa mort.</p> <p><strong>Sa vaste correspondance, donne-t-elle des clés pour le comprendre?</strong></p> <p>C’est assez particulier, c’est comme s’il avait inventé sa propre langue tellement il voulait dire les choses exactement, comme il les ressentait. Il écrivait au rythme de sa pensée. Il se passe dans ses lettres exactement ce qui se passe dans sa peinture: il nous donne un moyen très précis d’entrer dans ses motivations intérieures. Il nous donne à lire, exactement comme il nous donne à voir.</p> <p><em>Ndlr: </em>Lettres 1926-1955 de Nicolas de Staël<em> (présentation, commentaires et notes de Germain Viatte), édition augmentée 2016, Le Bruit du Temps. 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Par exemple, avec son ami Jean Bauret, à qui il montrait ce qu’il avait peint pour avoir son avis.</p> <p><strong>Comment expliquez-vous sa singularité?</strong></p> <p>Il a trouvé des rapports de couleur que personne ne savait faire. Son intérêt pour les mosaïques byzantines – ces tesselles où les couleurs s’expriment sur celles qui sont sous-jacentes, qui sont constamment mises en rapport les unes avec les autres – cela a donné une mobilité à ses œuvres.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969008_destaelfleursdetailparis1952huilesurtoilecollectionparticuliere.jpg" /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, "Fleurs" (détail), Paris, 1952, Huile sur toile, collection particulière</em></h4> <p><strong>Cette singularité, a-t-elle posé un problème aux conservateurs et aux historiens de l’art?</strong></p> <p>De Staël a toujours suscité des doutes de la part des conservateurs qui se sentent mal à l’aise face à une singularité et à un propos pictural absolument unique, inclassable. Mais, les choses sont en train de changer avec ces rétrospectives. Le public, lui, n’a jamais été dérangé par le fait que de Staël n’appartenait à aucune école.</p> <p><strong>Son retour à la figuration, après sa période d’abstraction, en a pourtant dérouté plus d’un.</strong></p> <p>Pour moi, il s’agissait d’une évolution naturelle de sa peinture, pas forcément d’un retour à la figuration, mais d’une exploration de formes. Du reste, chez ce peintre-là, même l’abstraction reste ancrée d’une façon très particulière dans le réel, dans l’observation de la lumière et de la structure d’un espace réel. C’est vraiment le propre de son abstraction. Il était toujours à la limite de quelque chose de très concret.</p> <p><strong>Quelle était la place du dessin dans ses explorations?</strong></p> <p>Il travaillait le dessin et la peinture concomitamment, c’était vraiment un dialogue, sans que le croquis ne soit nécessairement préparatoire. Si le trait du dessin contient toute l’énergie de sa peinture, cela tient à sa capacité de synthèse – cette synthèse que l’artiste sait établir. On la retrouve dans ses dessins.</p> <p>Il cherchait toujours cette lumière qui surgit du fond de la toile, ou du fond de la page du dessin. On peut dire que la simplicité du trait va lui permettre de travailler ce rapport à la lumière qu’il va poursuivre à travers la peinture.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969110_destaeletudedepaysageitaliedessinesurlemotif1953stylofeutresurpapier322x262cmcollectionparticuliere.jpg" /></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969062_destaelsiciliedessinesurlemotif1953stylofeutresurpapier322x262collectionparticuliere.jpg" /></p> <h4>Lors d’un voyage en Italie réalisé en août 1953 avec sa famille, et deux amies, dont Jeanne Polge, de Staël ne peint pas, il dessine. A son retour, ces croquis formeront la base des paysages d’Agrigente et Syracuse réalisés avec des aplats de teintes éclatantes.</h4> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, Sicile, dessiné sur le motif, 1953, Stylo-feutre sur papier, 32,2 x 26,2, collection particulière</em></h4> <p><strong>Peut-être que je me trompe, mais je n’ai trouvé aucune ombre dans ses tableaux.</strong></p> <p>Si on prend <em>Les Poissons</em>, 1955, comme exemple, il y a des tâches noires qui pourraient être des ombres. Mais, c’est vrai, s’il y a ombre, elle prend une forme qu’on ne reconnait pas; elle devient un écho, un ricochet à l’objet, elle ne sert pas à l’inscrire par rapport à une position. J’ai l’impression qu’il avait une façon de poser les objets d’une façon finalement assez métaphysique: il transpose notre réel dans un espace pictural, il réussit à faire exister ces formes <em>dans le monde de la peinture.</em></p> <p><strong>Il mesurait 1m97 et pourtant il travaillait sans chevalet.</strong></p> <p>Oui, il était toujours replié, accroupi, pour peindre ses toiles au sol. C’est très particulier et c’est une réflexion qu’on peut avoir sur son rapport à la toile et même au réel. Il y a un lien en permanence au sol. Il avait d’ailleurs toujours très mal au dos.</p> <p><strong>Les photos réalisées par Denise Colomb en 1954, devenues iconiques, nous laissent avec l’image d’un homme élégant, presque détaché.</strong></p> <p>Cela peut surprendre, mais il avait en réalité une personnalité rayonnante et très joyeuse. C’est pour cela d’ailleurs qu’on ne peut pas parler d’un peintre désespéré. C’était quelqu’un de très enthousiaste qui parlait tout le temps de joie, y compris dans sa correspondance. S’il rencontrait des moments de remise en question, la peinture l’entrainait vers la grande énergie qu’il recherchait, qu’il percevait et dont il a su nous rendre compte. Les spectateurs le sentent très bien aujourd’hui encore.</p> <p><strong>Comment se comportait-il avec son entourage?</strong></p> <p>Il y avait beaucoup de bonheur dans son couple avec Françoise <em>(Ndlr: de Staël épousa Françoise Chapouton en 1946 après le décès de Jeannine Guillou, et avec laquelle il eut trois autres enfants)</em>, des déjeuners passionnants, des sujets toujours essentiels, enflammés, donc je pense que ça crée une vie extraordinairement dense et enlevée pour ceux qui vivent dedans.</p> <p>En même temps, il pouvait être très colérique, voulant les choses telles qu’il les concevait au moment-même, et s’il y avait de la résistance, il le supportait mal. Comme l’explique ma mère, Anne de Staël, il était toujours en effraction, il forçait les choses. Ça, c’est un trait de caractère qui peut rendre les choses difficiles pour l’entourage.</p> <p><strong>Ce qui frappe dans sa correspondance, c’est combien il se préoccupait des autres.</strong></p> <p>Il avait une grande tendresse pour s’adresser à la mère de Françoise et à sa grand-mère; en fait, il les adoptait, pour sans doute se faire adopter lui-même, en tant qu’orphelin… Il était absolument charmant. Tout le monde l’aimait beaucoup. Il n’était pas du tout le genre d’artiste à qui on ne pouvait pas s’adresser, qui restait dans son mutisme. Il donnait énormément à tous ceux qui l’entouraient.</p> <p><strong>N’a-t-il jamais eu un sentiment d’échec pendant ses années de misère?</strong></p> <p>Jamais, il était comme tiré par la direction dans laquelle il allait. Le déroulement était très logique. Même dans le dénuement le plus total pendant la guerre, il n’en a jamais dévié.</p> <p><strong>Ressentez-vous sa présence dans sa peinture?</strong></p> <p>C’est curieux comme question, mais il est vrai que l’on peut avoir l’impression d’être en sa présence devant ses tableaux. Sans doute est-ce l’effet d’une émotion indéfinissable face à un élan artistique qui ne ressemble à aucun autre.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w678c16-9/1710969451_destaelpaysageavecfiguresdetail1952huilesurcarton12x22cm.jpg" /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Nicolas de Staël, "Paysage avec figures" (détail) 1952, huile sur carton, 12 x 22 cm</em></h4> <p><strong>Aidez-nous à comprendre ce qui a mené à son suicide. Votre maman, Anne de Staël – qui n’avait que 13 ans quand son père est mort et à qui il a adressé sa dernière lettre – explique que l’histoire d’amour malheureuse avec Jeanne Polge était une clé, mais pas la cause de sa disparition.</strong></p> <p>Nicolas de Staël n’était jamais dans la gratuité, il tendait toujours vers l’essentiel. Une telle intensité pouvait-elle durer? C’est fatiguant dix ans de recherches constantes, tous les jours sans répit.</p> <p><em>Ndlr: plus de 1'000 tableaux et autant de dessins, dont 250 par année juste avant sa mort.</em></p> <p>On peut comprendre son épuisement.</p> <p>Le suicide était présent dans sa vie, il en était fasciné. Peut-être ne se voyait-il pas en vieux peintre. Il avait bien préparé son départ; il était passé chez le notaire avant son départ pour protéger sa fille, Anne, née en dehors du mariage. Peut-on parler d’un acte désespéré?</p> <p><strong>Il écrivait dans sa note d’adieu à son marchand, Jacques Dubourg, le jour de sa mort, le 16 mars 1955, qu’il n’avait plus la force de parachever ses tableaux.</strong></p> <p>Contrairement aux peintres qui ne nous donnent pas les mots pour comprendre, Nicolas de Staël s’est exprimé jusqu’au bout.</p> <p><strong>De Staël est-il resté plus intemporel que les autres? </strong></p> <p>C’est vrai, de Staël a cette chose étonnante, c’est qu’il reste éternellement jeune. Il est d’ailleurs mort jeune et c’est comme si sa jeunesse était restée imprimée dans sa peinture. 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Eternel exilé de sa Russie natale, issu de l’aristocratie militaire qui a fui la révolution en 1917, orphelin à sept ans, de Staël a mené une vie d’une frénésie extrême avec comme seule boussole son besoin de créer.</p> <p>«C’est notre James Dean à nous», avance Pierre Wat, commissaire avec Charlotte Barat-Mabille des expositions de Staël au Musée d’art moderne de Paris et la Fondation de l’Hermitage.</p> <p>D’une beauté sauvage, photogénique, immense avec son 1m97, le mythe de Staël a dévoré l’homme. «L’enjeu était de ramener le regard sur sa peinture».</p> <p>Si la récente exposition de Paris se prêtait à la vénération d’un artiste que le public a toujours aimé, celle de Lausanne nous rapproche de l’intimité de l’homme, aidée par le charme de l’Hermitage.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1709151058_stael_parcdesprinces_1952scaled.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Le 10 avril 1952, de Staël et sa femme Françoise assistent au premier match de foot éclairé en nocturne au Parc des Princes. «Entre ciel et terre, sur l’herbe rouge ou bleue une tonne de muscles voltige en plein oubli de soi avec toute la présence que cela requiert en toute invraisemblance. 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De petites compositions prises sur le vif, à peine plus grandes qu’une feuille de papier, veillent sur d’immenses réalisations, telles que les célèbres <em>Le Parc des Princes</em> et <em>Nu couché bleu</em>.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1709151113_stael_lelavandou_1952scaled.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>En mai 1952, de Staël voyage dans le sud de la France. «La lumière est tout simplement fulgurante ici, bien plus que je m’en souvenais. Je vous ferai des choses de mer, de plage, en menant l’éclat jusqu’au bout si tout va bien, et des choses d’ombres nocturnes». Lettre à son marchand, Jacques Dubourg, Le Lavandou, 31 mai 1952.</em></h4> <h4 style="text-align: center;">Nicolas de Staël, "Le Lavandou", 1952. Huile sur carton, 12 × 22 cm. Collection particulière. 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Il n’était pas attaché à ses œuvres – qu’il laissait partir comme un passé déjà oublié – comme si le seul fait de les avoir réalisées lui suffisait. Ses innombrables lettres, d’une qualité d’écrivain, sont celles d’un être fébrile, exigeant, loyal, amoureux, insupportable, mais généreux, se préoccupant des autres et, paradoxalement, ne se comportant jamais en héros. Il se lit comme un livre ouvert.</p> <p>«C’est la plus belle exposition consacrée à Nicolas de Staël que j’aie jamais vue» déclarait l’artiste Elena Prentice, à Lausanne. Accompagnée de son époux, Gustave de Staël, le dernier enfant du peintre (qu’il n’a pas eu le temps de connaître), elle suit le travail du peintre depuis les années soixante quand elle le découvrait aux Etats Unis, pays dont elle est originaire. «A la Fondation de l’Hermitage, les tableaux respirent». </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1709151778_stael_lesmouettes_1955scaled.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><em>Dans un atelier loué sur les remparts d’Antibes, de Staël passera ses derniers mois à peindre comme un fou, seul, face à la mer. «Je deviens un cyclone en peinture», écrit-il en mai 54 à Jeanne Polge, la femme qui refusera son amour.</em></h4> <h4 style="text-align: center;">Nicolas de Staël, "Les Mouettes", 1955. Huile sur toile, 195 × 130 cm. Collection particulière. Photo Thomas Hennocque © 2023, ProLitteris, Zurich</h4> <p>Seule critique, le superbe catalogue de l’exposition termine avec une analyse du déclin de la reconnaissance du peintre dès son retour à la figuration au début des années cinquante – après son passage par l’abstraction – et face à l’émergence de l’Expressionisme américain (Pollock, Rothko, Rauschenberg…), comme si le monde de l’art pouvait lui dicter ce qu’il devait devenir. Peut-on encore imaginer un peintre plus proche de sa propre vérité sans l’interférence de chapelles artistiques? De Staël est resté fidèle à lui-même, restant libre à jamais.</p> <p>«<span>L’homme était désespéré, </span>mais l’artiste est resté jusqu’à la fin face à la beauté», observe Pierre Wat.</p> <p>L’échec d’une histoire d’amour a trop longtemps alimenté la légende romanesque du suicide de l’artiste. 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Réalisée au moyen de caméras multispectrales et de capteurs ultrasoniques, le film d’une durée de 74 minutes donne à voir des images et à entendre des sons qui sont en dehors de nos champs de perception.</p> <h3>Photo / Art</h3> <p>«Je cherche les lignes de faille de la photographie documentaire pour trouver de nouvelles façons de raconter des histoires», expliquait Mosse lors du vernissage. 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Des scènes effroyables – tournées en noir et blanc analogique pour son effet velouté – d’abattage d’arbres centenaires, de bêtes issues d’élevages ultra-intensifs, de mercure utilisé pour l’extraction d’or versée dans les cours d’eau, d’incendies provoqués au pétrole pour dégager les sols, sont entrecoupées d’images technicolor et de sons magnifiées du lit de la forêt, de tapis à l’infini de la canopée captée à l’infrarouge (où la chlorophylle se traduit par des teintes de rouge et rose vifs), autant de chefs-d’œuvre de la nature invisibles à l’œil nu – et de tableaux abstraits.</p> <blockquote> <p><em>La clé est dans le montage, précise Mosse, «passer d’une dimension à l’autre pour créer une dissonance visuelle, c’est là où la magie opère.»</em><em></em></p> <p><em><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1704798162_richard_mosse_vue_exposition_de_broken_spectre_national_gallery_of_victoria_tom_ross.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></em></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705486767_richardmossebrokenspectrevuedexposition.bw.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>Les scènes qui illustrent les ravages perpétrés par l’homme sont filmées en noir et blanc.</em></h4> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1704798223_richard_mosse_vue_exposition_de_broken_spectre_national_gallery_of_victoria_tom_ross.2.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705486865_richardmossebrokenspectrevuedexposition.couleur.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>Les scènes qui documentent l’état de la forêt amazonienne sont filmées avec des caméras multispectrales qui permettent d'enregistrer en une seule prise de vue plusieurs longueurs d'onde du spectre lumineux et ensuite de choisir quelles couleurs rendre visibles pour révéler les détails. Cette technique est au cœur de la pratique de Richard Mosse.</em></h4> </blockquote> <p>Le titre «Broken Spectre» (Spectre brisé) s’inspire du spectre de Brocken, ce phénomène rare quand l’ombre d’un sujet proche est projetée au loin sur un nuage et parfois auréolée d’un halo arc-en-ciel.</p> <p>Pour autant, les observations visuelles de Richard Mosse restent empreintes d’humanité. Le degré d’intimité établi avec les prédateurs de la déforestation pris sur le vif peut surprendre. Depuis 1972, l’année de la construction de la voie transamazonienne, la surface de la forêt a diminué de près d’un quart. Le point de bascule, au-delà duquel la forêt ne pourra plus se regénérer et servir d’absorbeur de CO<sub>2</sub> de la planète sera bientôt atteint. 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Le lendemain d’une fusillade par des <em>garimpeiros</em> (chercheurs d’or) contre une communauté indigène de Yanomamis qui avait empêché la livraison et brûlé l’essence nécessaire à leur campement, Mosse et son équipe arrivaient sur place et tombaient sur Adneia.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705487011_richardmossecapturetireedebrokenspectreroraimasigaerienmultispectralrichardmosse.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4><em>La rivière Uraricoera dans l’état de Rondônia, berceau de la communauté Yanomami, est au cœur de la ruée pour l’or cautionnée du temps de Bolsonaro et combattue par Lula.</em></h4> <p>Pendant de longues minutes ininterrompues (à part pour le changement de pellicules par Tweeten pris au dépourvu et en manque de stock), la jeune <em>mater dolorosa</em> livre une diatribe cinglante. «Bolsonaro, cette terre n’est pas la tienne, ce n’est pas toi qui a mis la rivière là. Espèce de parasite, reprends toute ta saleté. Tu nous fais souffrir. Envoie-nous l’armée pour nous protéger des envahisseurs, nous voulons que nos enfants dorment la nuit.» Malaria, diarrhée, le mercure qui pollue l’eau, les Yanomamis n’ont même plus de centre médical. La mortalité enfantine est élevée.</p> <p>Puis, le regard droit dans l’objectif, elle s’adresse à nous: «Vous les blancs, ouvrez les yeux, ouvrez vos cerveaux. Nos enfants souffrent, ça fend le cœur!» La caméra continue de tourner autour d’elle pendant qu’elle se ressaisit dans la douleur. La scène est bouleversante.</p> <p>Mosse admet que «Broken Spectre» est son premier film activiste. Il n’a pas la certitude d’un lien de cause à effet, mais quand John Kerry, l’envoyé spécial des Etats-Unis pour le climat de l’administration Biden, a rencontré Luiz Inácio Lula da Silva le président brésilien fraîchement élu, il a demandé à recevoir le lien du film de Mosse qu’il venait de découvrir à Londres (le film a été présenté en Angleterre, Australie et les EU). Très peu de temps après, l’armée brésilienne est intervenue pour empêcher l’activité des <em>garimpeiros</em> dans la région.</p> <p>«C’est précisément ce que demandait Adneia! Cela démontre le pouvoir de l’art», dit Mosse, enthousiaste.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1705487284_richardmosselausannenovembre2023.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="461" height="412" /></p> <blockquote> <h4><em>Richard Mosse, Lausanne, novembre 2023.</em></h4> </blockquote> <p>Issu d’une famille Quaker irlandaise et pacifiste, Mosse, la quarantaine juvénile, vit à présent à New York. Il qualifie ce film difficile, filmé sur 3 ans de 2019 à 2022, par épisodes de six à huit semaines, son «chemin de croix». </p> <blockquote> <p><em>«La déforestation se produit en direct. 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