Culture / Grandir et faire son deuil: «Close»
© Kris Dewitte
Continuer à vivre tout en se sentant mourir avec le défunt, se reconstruire et guérir après le suicide d’un proche est tout un chemin. «Close» met en scène ce chemin de croissance dans un scénario riche et original, à travers des images d’une délicatesse bouleversante. Regard.
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Et tel n’est pas le but de ces quelques lignes. Récit d’une plongée entre science et émerveillement à Aquatis. Le ton est donné dès la première pièce. Les couleurs et l’ambiance spectaculaires nous indiquent qu’il ne s’agit pas que d’un musée froid et austère. Mais les schémas scientifiques, les descriptions sérieuses et tout sauf infantilisantes nous indiquent aussi qu’enfants comme adultes n’ont qu’à bien se tenir car il ne s’agit ni d’un parc d’attraction ni de quelqu’autre défouloir. Dotés d’une grande originalité, les tableaux explicatifs, films et diverses animations donnent le goût de la science, dans le sens qu’ils donnent envie de savoir et d’en apprendre davantage sur le monde qui nous entoure. On y découvre ainsi poissons, reptiles et même quelques mammifères des cinq continents disposés dans un ordre parfait. On en apprend davantage sur la géographie de nos contrées en se concentrant sur le Rhône sous toutes ses formes, puis sur le Léman et jusqu’à la mer Méditerranée. Les explications sont toujours accompagnées du vivant qui les illustre en direct. La valeur scientifique n’enlève rien à la puissance poétique que l’on vit au sein de l’établissement, s’émerveillant tour à tour des couleurs bleu et jaune de tel poisson et d’être à quelques centimètres d’un alligator. 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Dans la tourmente de l’entre-deux guerres, connaissant la pauvreté et le racisme, mais aussi les fêtes de la diaspora arménienne dans le café de son père, les danses, les chants, et les premiers pas sur les planches. «<a href="https://www.youtube.com/watch?v=jSqkbJxF-Mo" target="_blank" rel="noopener">Les deux guitares</a>», chant tzigane, nous ramène à cette époque.</p> <p>Place ensuite au jeune homme, qui rêve de gloire, et qui collectionne les petits boulots. Fatigué d’imiter Trenet et de chanter les bruits de fond des cabarets, il se bat «à corps perdu, assoiffé, obstiné» pour chanter lui aussi l’amour, pour écrire les grands textes qui feront pleurer la France et le monde. Il construit sa vie, avec un mariage, une enfant, une tournée au Québec, et puis déconstruit tout. Il se sépare même de celle dont il est l’homme à tout faire, j’ai nommé «la Môme». 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Le film est bien décevant sous certains aspects, il comporte bien des problèmes tant au niveau du jeu que de la réalisation. <i>Et pourtant, pourtant…</i> ce film a du cœur.</p> <p>Aussi, être grincheux face à cette équipe de jeunes qui aiment sincèrement Aznavour et qui se sont donnés de la peine pour réaliser ce film, ce serait jouer les scribouillards qui critiquent tout sans avoir jamais rien fait par soi. La critique aurait eu de quoi se déchaîner si le film et son équipe étaient prétentieux. <i>Et pourtant, pourtant…</i> il n’en est rien. Etre grincheux, c’eût été encore faire le jeu de ces critiques qui s’en prenaient à Aznavour lui-même en écrivant, pour l’un d'eux cité dans le film, «comment peut-on laisser un infirme chanter?», avant de venir présenter ses excuses à un Aznavour bonhomme qui n’en tient pas rigueur et qui offre même une coupe de champagne à son détracteur.</p> <p><i>Et pourtant, pourtant…</i> disons ce qu’il y a à dire. 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Plus que des meilleurs amis, Rémi et Léo, treize ans, se définissent comme «des meilleurs amis plus plus» ou des frères. Ils partagent tout, jusqu’à leurs familles respectives et même le lit où ils se reposent après des journées d’été à jouer, courir et rire. C’est peu dire: ils sont fusionnels. Sans que la caméra n’insiste à l’excès sur ce point qui n’est pas central, le spectateur entrevoit sobrement une amitié aux confins du sentiment amoureux. La tendresse des corps toujours côte à côte, les embrassades et les regards complices laissent place à cette confusion des sentiments. Confusion qui n’en est pas une pour les protagonistes au début du film car ils sont encore dans la spontanéité et l’innocence de l’enfance.
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Soupçon d'homosexualité
Les questions fusent. Si Léo n’avait pas rejeté son ami Rémi, le drame aurait-il été évité? Si des «soupçons» d’homosexualité n’avaient pas été émis par les camarades, les deux jeunes auraient-ils poursuivi leur amitié fusionnelle? Au fond, est-ce que le problème c’est l’homophobie? Est-ce que le problème c’est le harcèlement scolaire? Si le film a un message à passer, c’est bien que ces questions n’ont pas lieu d’être. Comme dans son premier film sur un jeune garçon qui veut changer de sexe, Girl (2018), le réalisateur décide ne pas entrer dans des polémiques d’ordre plus politique voire militant. Il se contente, avec brio, de filmer la souffrance d’une transition dans la vie des jeunes.
Des questions peuvent néanmoins être soulevées à partir de l’œuvre. La tendresse dans une amitié masculine n’est-elle pas admise par notre société? Ou est-ce que le rejet d’une tendresse sensuelle n’est que le signe naturel que les jeunes garçons deviennent peu à peu des hommes? Aussi, ne souffre-t-on pas d’une homophobie plus brutale encore, dans une société qui se pavane avec sa prétendue ouverture, se vantant d’être moderne et inclusive jusqu’au ridicule?
Cela fait plusieurs années que je me demande si l’injonction faussement bienveillante à s’affirmer, quasiment dès l’enfance, comme hétéro, homo, trans, non-binaire et j’en passe, ne cache pas en fait une hantise de la différence des uns et des autres. Je m’explique: à vouloir catégoriser tout le monde, même des enfants, n’est-on pas en train de vouloir censurer les incertitudes, les doutes, les transformations, les spécificités et le chemin de chacun? Ainsi, deux garçons qui ont des gestes de tendresse seraient forcément homosexuels et il faudrait les aider à le constater au plus vite pour qu’ils affichent fièrement cette étiquette. Ou alors, s’ils sont hétérosexuels, il faut absolument qu’ils affichent au grand jour leur distance et leur virilité.
Un excès engendre l’autre. Car quand on invite, même indirectement par l’école ou les médias, des jeunes à affirmer leur dite identité sexuelle, on les invite en fait à se catégoriser eux-mêmes à partir de modèles caricaturaux. Si je suis un hétéro, un vrai, je dois cracher par terre et insulter les homos. Si je suis un homo, un vrai, je dois être efféminé et pourquoi pas porter des jupes. C’est cette catégorisation, venant de l’injonction sociale à affirmer son identité sexuelle, qui crée notamment l’homophobie; et qui, au lieu d’exalter les différences, les efface.
Croissance et séparation
Ce n’est pas l’homosexualité ou la tendresse d’une amitié masculine qui sont centrales. C’est bien la croissance qui engendre la séparation. La croissance se fait dans le malaise, voire dans la douleur. Elle est pourtant nécessaire, car sans croissance l’enfant ne devient jamais adolescent, l’adolescent ne devient pas un adulte et l’adulte ne devient pas un vieillard. La croissance ordonne le cycle de la vie. Elle est ce changement perpétuel, plus marqué lors de certaines étapes à franchir, qui me permet d’évoluer physiquement, de rencontrer de nouvelles personnes, de me lier à elles, de m’en séparer, d’apprendre de nouvelles choses, de vivre de nouvelles expériences, de chuter et de me relever.
Lorsque je suis dans la croissance, vers un «nouveau moi» je dois me séparer de quelque chose qui faisait mon «ancien moi». Ainsi, pour que l’enfant croisse en adolescent, il doit se séparer progressivement de ses parents, gagnant en autonomie. Pour que l’adolescent devienne adulte, il doit se séparer de la maison où il a grandi, peut-être même de sa ville et de ses attaches, il doit se séparer de la sécurité d’un foyer établi, pour à son tour, fonder son propre foyer. Il quittera son père et sa mère pour s’unir à sa femme, selon la formule biblique. Un peu triste tout ça, non? Pas forcément, car «séparation» ne veut pas forcément dire «abandon», encore moins «reniement», mais davantage «détachement» pour que les deux parties gagnent en liberté.
Dans le film, Léo et Rémi vivent différemment leur entrée dans l’adolescence. Léo semble vouloir être plus précoce pour s’affirmer en tant que jeune homme. Tandis que Rémi paraît regretter l’enfance et ne parvient pas à franchir le pas pour s’en séparer. On dirait que Léo veut se séparer de Rémi pour exister aux yeux des autres garçons. On dirait en revanche que pour Rémi, seul compte le regard de Léo. Alors que Léo s’affranchit de la fusion qui le lie à son ami, Rémi lui s’y accroche désespérément.
C’est tout le danger d’une amitié ou d’un couple fusionnels et exclusifs. Lorsqu’on devient dépendant d’une personne, on ne vit plus par soi-même. La dépendance d’un enfant envers ses parents est évidente, mais la croissance demande à ce qu’elle s’estompe jusqu’à disparaître pour mener sa propre vie. Quand deux êtres fusionnent, ils se rendent esclaves l’un de l’autre. Si l’autre n’est plus là, ma vie n’a plus de sens. Or ma vie a du sens en soi, et sa valeur ne doit dépendre d’aucune attache extérieure.
Même douloureusement, Léo passe le cap de cette séparation de l’enfance. Il le passe dans un mal-être qui le pousse injustement au rejet de son ami. Mais la vie est malheureusement remplie d’injustices et d’attitudes incompréhensibles de la part de ceux qu’on aime le plus. Rémi est trop déstabilisé par le rejet de son ami. Il comprend peut-être que celui-ci n’éprouve pas les mêmes sentiments que lui. Il voit son enfance et son monde s’effondrer. Il n’arrive pas à faire le deuil d’un âge qui change et d’une réciprocité amicale ou amoureuse qui n’est plus, alors il met fin à ses jours.
Vivre avec le suicide d'un proche
Que dire sur un suicide? Chaque mot serait de trop. On peut essayer de voir, comme pour Rémi, le mal-être qui l’a poussé à mettre fin à ses jours, mais on ne peut pas savoir les souffrances les plus intimes et secrètes qui ont mené à cet acte qu’on ne peut du reste évidemment pas juger. Le film respecte ce silence, en restant très sobre dans ses images et bannissant tout bavardage: pas de cadavre, pas de cris ou d’affolements, ni d’explications ou de discours sur ce suicide.
Une fois Rémi que s’est donné la mort, Léo est rongé par la culpabilité. Là encore, la caméra reste très discrète. Tout ce qu’elle laisse entrevoir, c’est le malaise et le silence du jeune homme. Dans son chemin de reconstruction, il semble passer par une phase de déni. Non, ça ne peut être vrai, alors on fait comme si de rien n’était. Mais l’accablement rejoint vite Léo, et il se sent coupable.
Ce qui fait toute la chair et la trame du film, c’est justement le chemin de guérison de Léo ainsi que celui de la mère de Rémi. Sans en dire plus, à vous désormais d’aller explorer ce chemin, d’y laisser quelques questions et surtout quelques larmes, en allant découvrir Close au cinéma.
«Close», Lukas Dhont, avec Eden Dambrine, Gustav De Waele, Emilie Dequenne, 1h45.
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Le film est bien décevant sous certains aspects, il comporte bien des problèmes tant au niveau du jeu que de la réalisation. <i>Et pourtant, pourtant…</i> ce film a du cœur.</p> <p>Aussi, être grincheux face à cette équipe de jeunes qui aiment sincèrement Aznavour et qui se sont donnés de la peine pour réaliser ce film, ce serait jouer les scribouillards qui critiquent tout sans avoir jamais rien fait par soi. La critique aurait eu de quoi se déchaîner si le film et son équipe étaient prétentieux. <i>Et pourtant, pourtant…</i> il n’en est rien. Etre grincheux, c’eût été encore faire le jeu de ces critiques qui s’en prenaient à Aznavour lui-même en écrivant, pour l’un d'eux cité dans le film, «comment peut-on laisser un infirme chanter?», avant de venir présenter ses excuses à un Aznavour bonhomme qui n’en tient pas rigueur et qui offre même une coupe de champagne à son détracteur.</p> <p><i>Et pourtant, pourtant…</i> disons ce qu’il y a à dire. Le jeu de Tahar Rahim, avec les qualités de ses défauts, est davantage une imitation, parfois exagérée aux confins du ridicule, qu’une interprétation. Sans parler des colères surfaites de Charles qui auraient eu davantage leur place sur des planches de théâtre que sur un plateau de cinéma. Quant à la famille Aznavourian et leur entourage, jamais n’a été livrée une mise en scène aussi caricaturale des gentils Arméniens qui aiment la poésie et les fêtes, et qui sont très pauvres mais vraiment très très gentils, généreux et accueillants alors. On est à la limite du racisme.</p> <p>La musique et les paroles d’Aznavour passent comme une bande-son qui font compagnie aux images. Et la trame est agencée sans aucune originalité. 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