Média indocile – nouvelle formule
Raphaël Aubert, écrivain
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Culture / Le sismographe de la vie artistique
«Le Bœuf sur le toit. Miroir des années folles», Jean-Pierre Pastori, In Fine Editions d’art, 162 pages.
Raphaël Aubert, écrivain
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<p><i> – </i>Oui, et plus précisément la formule de Novalis qu’il répétait souvent: «le paradis est dispersé sur toute la terre, il faut réunir ses traits épars», formule qui définit assez précisément l’idée que je me faisais de la poésie, même si ensuite elle s’est développée dans une tout autre direction que la sienne. Non plus forcément la campagne ou la vie paysanne, mais simplement la poésie en tant que recherche de l’ordre caché derrière les apparences. Donc en effet une attention au monde, mais pour trouver ce qui est derrière. C’était une rencontre décisive puisqu’elle m’éclairait sur moi-même.</p>
<p><i>Et Rilke, auquel vous avez consacré un livre?</i> </p>
<p>– Rilke a été vraiment ma grande passion de tout jeune lecteur, et je suis sûr qu’il a eu une influence réelle sur ma poésie, peut-être trop grande à certaine moment, et dont j’ai eu à me défendre. Cela beaucoup plus nettement que l’œuvre de Roud, qui n’a jamais joué un rôle quant à ma façon d’écrire.</p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615490024_jaccottetroud.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="517" height="624" /></p>
<h4 style="text-align: center;">Philippe Jaccottet, <i>Gustave Roud</i>, Seghers Editeur coll. «Poètes d’aujourd’hui», 1968 © Coll. part. </h4>
<p><i>Ce qui me paraît constituer l’un des thèmes majeurs de votre œuvre poétique, au demeurant fort abondante, c’est «l’effacement magique de tout obstacle» présent dans </i>A travers un verger <i>et plus encore la quête de l’issue, «Peut-être y a-t-il une espèce d’issue.» </i></p>
<p><i>– </i>Oui, «l’effacement magique de tout obstacle» est bien l’un des thèmes majeurs, dont j’ai pris conscience peut-être simplement en regardant les paysages à notre arrivée ici, à Grignan. J’y ai été émerveillé par la lumière d’une façon tout à fait inattendue et féconde pour ce que j’ai écrit. Essayant de comprendre d’où venait cette émotion et cette exaltation que j’éprouvais devant certains paysages, je me suis aperçu que parfois, à certains moments, la lumière semblait absorber par exemple les montagnes. Et si j’étais émerveillé, logiquement il n’y avait aucune raison de l’être plus par cela que par autre chose, mais j’avais là une image, une métaphore, précisément de cet effacement des obstacles. Tentation que l’on a toujours si l’on est hanté par la mort, l’obstacle majeur. Eh bien, devant de tels paysages, on est porté à s’imaginer que même celui-ci pourra être franchi par une tension plus grande du regard ou par un détachement du monde. Donc l’issue, dont vous parlez, pourrait être, à certains moments, cela. Je crois que beaucoup de textes, en particulier les proses décrivant des paysages et les poèmes, correspondent à des moments où cette sorte de passage devient possible. </p>
<p>Pourtant, je me demande toujours, et c’est là tout le débat de ces livres, si ce n’est pas une illusion de l’esprit. Et naturellement, plus les années passent, plus les obstacles deviennent, au contraire, réels. Et il devient difficile de se laisser aller à cette sorte de rêve, d’illusion ou d’espoir. C’est pourquoi les derniers livres, <i>Chants d’en bas </i>et <i>A travers un verger, </i>à cause d’expériences personnelles, se trouvent être les plus sombres: c’est vraiment la victoire passagère, la prédominance du mur auquel on se heurte, et à partir duquel il semble qu’il n’y ait plus d’issue. Mais les prochains livres, Dieu merci, n’auront plus ce même caractère assez noir. </p>
<p><i>Précisément</i>, A travers un verger <i>apparaît comme une manière de révision, de retour déchirant sur l’œuvre. </i></p>
<p><i>– </i>Oui , c’est une réaction violente contre un livre précédent. Je m’aperçois d’ailleurs que de livre en livre cela se passe généralement ainsi, <i>L’Obscurité</i> ayant été suivi d’<i>Air</i>s en réaction contre l’excès de noirceur du récit, mais ce n’est pas du tout intentionnel. Simplement la vie fait que c’est ainsi. Dans le cas particulier, <i>A travers un verger</i> commence comme un texte des <i>Paysages avec figures absentes</i>, donc une description, en même temps qu’une célébration de la beauté du monde à laquelle je demeure infiniment sensible. Mais devant certaines épreuves de la vie, on a soudain l’impression de ne plus avoir le droit de se livrer à ce travail d’exaltation, que c’est presque une sorte de scandale de décrire des amandiers en fleurs dans un monde tel que le nôtre, dans une vie telle que celle-ci. D’où la réaction de la seconde partie. Et d’abord peut-être l’impossibilité de terminer ce texte. </p>
<p><i>Justement, vous avez écrit dans </i>L’Effraie, <i>au sujet de la beauté:«Je sais maintenant que je ne possède rien, pas même ce bel or qui est feuille pourrie.» La beauté, pour vous, est donc toujours problématique? </i></p>
<p>– Oui, parce que je suis constamment sensible au fait qu’elle soit périssable, et je crois que c’est le nœud de tout. D’ailleurs tout cela est d’une banalité épouvantable, mais enfin c’est la banalité qui est à la source de presque toute la poésie lyrique. Mais depuis que je suis ici, car c’est un poème ancien que vous citez, où s’exprime tout de même la mélancolie de la jeunesse ou de l’adolescence, les choses sont devenues plus concrètes, plus chargées de substance, et la beauté a pris dans mon expérience une place beaucoup plus substantielle qu’auparavant. </p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615489964_jaccottetleffraie.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="527" height="743" /></p>
<h4 style="text-align: center;">Philippe Jaccottet, <i>L’Effraie et autres poésies</i>, édition originale, 1953 © Coll. part. </h4>
<p><i>Quelle place?</i></p>
<p>– C’est quelque chose qui n’est peut-être pas précisément définissable, mais disons tout de même que c’est une présence constante, comme les blessures, les douleurs ou les difficultés quotidiennes de la vie, et qui s’y oppose constamment. Au fond, une sorte d’aide, un signe qui vous est fait, et dont on ne peut pas ne pas tenir compte. Je continue à éprouver fortement cela comme pouvant ne pas être dépourvu de sens, même s’il est permis de penser, à certains moments, que tout cela n’est qu’un mirage. Foncièrement, je ne le crois pas. C’est pourquoi je continue à écrire.</p>
<p><i>L’autre versant de votre œuvre, c’est la traduction. Quels sont les auteurs que vous avez eu le plus de plaisir à traduire? – </i>Robert Musil en particulier. Avec <i>L’Homme sans qualité</i>, c’était vraiment la découverte d’un univers totalement inconnu, comme faire un voyage dans un pays étranger. Et j’ai passé trois ans sans jamais m’ennuyer sur ce livre. J’ai traduit un peu Rilke, avec peut-être un peu moins de plaisir, mesurant tellement l’insuffisance de ma traduction que cela en devenait agaçant. <i>L’Odyssée,</i> à cause d’une certaine fraîcheur dans la redécouverte de ce texte. Et puis, il y a d’autres choses, <i>Hypérion </i>de Hölderlin. La traduction avançant bien, j’avais l’impression de rendre quelque chose, et ce n’était pas d’une difficulté excessive.</p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615655006_palzieuxgrignan.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p>
<h4 style="text-align: center;">Palézieux, <i>Paysage à Grignan</i>, eau-forte, 1963 <b>© </b>Musée Jenisch Vevey - Cabinet cantonal des estampes</h4>
<p><i>En 1953, vous vous êtes installé à Grignan. Pourquoi Grignan? Un exil? </i></p>
<p>– Non, Grignan, c’est vraiment un hasard. Ma femme et moi nous cherchions un endroit pour vivre, à la campagne de préférence, Paris ne nous paraissant plus possible étant donné les conditions matérielles que nous avions à ce moment-là qui étaient vraiment le strict minimum. Il y avait aussi je pense le besoin, pas même conscient, de mettre une certaine distance – exil c’est beaucoup dire – entre le monde littéraire parisien et moi. Etant quand même d’une nature influençable ou assez incertaine – je l’étais surtout à ce moment-là –, fréquenter constamment des écrivains, dont certains que j’aimais vraiment beaucoup, pouvait me démolir. Et comme ils avaient tous les idées les plus opposées les unes des autres, j’étais encore plus perdu! Donc le besoin d’une certaine distance, simplement.</p>
<p><i>Dans quelle mesure restez-vous romand?</i> </p>
<p>– Oh! Je crois qu’on le demeure par nature.</p>
<hr />
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615489839_jaccottetatraversunverger.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="257" height="441" /></p>
<h4>Philippe Jaccottet, <em>A travers un verger</em>, Fata Morgana, nouvelle édition 2021.</h4>',
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Non plus forcément la campagne ou la vie paysanne, mais simplement la poésie en tant que recherche de l’ordre caché derrière les apparences. Donc en effet une attention au monde, mais pour trouver ce qui est derrière. C’était une rencontre décisive puisqu’elle m’éclairait sur moi-même.</p> <p><i>Et Rilke, auquel vous avez consacré un livre?</i> </p> <p>– Rilke a été vraiment ma grande passion de tout jeune lecteur, et je suis sûr qu’il a eu une influence réelle sur ma poésie, peut-être trop grande à certaine moment, et dont j’ai eu à me défendre. Cela beaucoup plus nettement que l’œuvre de Roud, qui n’a jamais joué un rôle quant à ma façon d’écrire.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615490024_jaccottetroud.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="517" height="624" /></p> <h4 style="text-align: center;">Philippe Jaccottet, <i>Gustave Roud</i>, Seghers Editeur coll. «Poètes d’aujourd’hui», 1968 © Coll. part. </h4> <p><i>Ce qui me paraît constituer l’un des thèmes majeurs de votre œuvre poétique, au demeurant fort abondante, c’est «l’effacement magique de tout obstacle» présent dans </i>A travers un verger <i>et plus encore la quête de l’issue, «Peut-être y a-t-il une espèce d’issue.» </i></p> <p><i>– </i>Oui, «l’effacement magique de tout obstacle» est bien l’un des thèmes majeurs, dont j’ai pris conscience peut-être simplement en regardant les paysages à notre arrivée ici, à Grignan. J’y ai été émerveillé par la lumière d’une façon tout à fait inattendue et féconde pour ce que j’ai écrit. Essayant de comprendre d’où venait cette émotion et cette exaltation que j’éprouvais devant certains paysages, je me suis aperçu que parfois, à certains moments, la lumière semblait absorber par exemple les montagnes. Et si j’étais émerveillé, logiquement il n’y avait aucune raison de l’être plus par cela que par autre chose, mais j’avais là une image, une métaphore, précisément de cet effacement des obstacles. Tentation que l’on a toujours si l’on est hanté par la mort, l’obstacle majeur. Eh bien, devant de tels paysages, on est porté à s’imaginer que même celui-ci pourra être franchi par une tension plus grande du regard ou par un détachement du monde. Donc l’issue, dont vous parlez, pourrait être, à certains moments, cela. Je crois que beaucoup de textes, en particulier les proses décrivant des paysages et les poèmes, correspondent à des moments où cette sorte de passage devient possible. </p> <p>Pourtant, je me demande toujours, et c’est là tout le débat de ces livres, si ce n’est pas une illusion de l’esprit. Et naturellement, plus les années passent, plus les obstacles deviennent, au contraire, réels. Et il devient difficile de se laisser aller à cette sorte de rêve, d’illusion ou d’espoir. C’est pourquoi les derniers livres, <i>Chants d’en bas </i>et <i>A travers un verger, </i>à cause d’expériences personnelles, se trouvent être les plus sombres: c’est vraiment la victoire passagère, la prédominance du mur auquel on se heurte, et à partir duquel il semble qu’il n’y ait plus d’issue. Mais les prochains livres, Dieu merci, n’auront plus ce même caractère assez noir. </p> <p><i>Précisément</i>, A travers un verger <i>apparaît comme une manière de révision, de retour déchirant sur l’œuvre. </i></p> <p><i>– </i>Oui , c’est une réaction violente contre un livre précédent. Je m’aperçois d’ailleurs que de livre en livre cela se passe généralement ainsi, <i>L’Obscurité</i> ayant été suivi d’<i>Air</i>s en réaction contre l’excès de noirceur du récit, mais ce n’est pas du tout intentionnel. Simplement la vie fait que c’est ainsi. Dans le cas particulier, <i>A travers un verger</i> commence comme un texte des <i>Paysages avec figures absentes</i>, donc une description, en même temps qu’une célébration de la beauté du monde à laquelle je demeure infiniment sensible. Mais devant certaines épreuves de la vie, on a soudain l’impression de ne plus avoir le droit de se livrer à ce travail d’exaltation, que c’est presque une sorte de scandale de décrire des amandiers en fleurs dans un monde tel que le nôtre, dans une vie telle que celle-ci. D’où la réaction de la seconde partie. Et d’abord peut-être l’impossibilité de terminer ce texte. </p> <p><i>Justement, vous avez écrit dans </i>L’Effraie, <i>au sujet de la beauté:«Je sais maintenant que je ne possède rien, pas même ce bel or qui est feuille pourrie.» La beauté, pour vous, est donc toujours problématique? </i></p> <p>– Oui, parce que je suis constamment sensible au fait qu’elle soit périssable, et je crois que c’est le nœud de tout. D’ailleurs tout cela est d’une banalité épouvantable, mais enfin c’est la banalité qui est à la source de presque toute la poésie lyrique. Mais depuis que je suis ici, car c’est un poème ancien que vous citez, où s’exprime tout de même la mélancolie de la jeunesse ou de l’adolescence, les choses sont devenues plus concrètes, plus chargées de substance, et la beauté a pris dans mon expérience une place beaucoup plus substantielle qu’auparavant. </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615489964_jaccottetleffraie.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="527" height="743" /></p> <h4 style="text-align: center;">Philippe Jaccottet, <i>L’Effraie et autres poésies</i>, édition originale, 1953 © Coll. part. </h4> <p><i>Quelle place?</i></p> <p>– C’est quelque chose qui n’est peut-être pas précisément définissable, mais disons tout de même que c’est une présence constante, comme les blessures, les douleurs ou les difficultés quotidiennes de la vie, et qui s’y oppose constamment. Au fond, une sorte d’aide, un signe qui vous est fait, et dont on ne peut pas ne pas tenir compte. Je continue à éprouver fortement cela comme pouvant ne pas être dépourvu de sens, même s’il est permis de penser, à certains moments, que tout cela n’est qu’un mirage. Foncièrement, je ne le crois pas. C’est pourquoi je continue à écrire.</p> <p><i>L’autre versant de votre œuvre, c’est la traduction. Quels sont les auteurs que vous avez eu le plus de plaisir à traduire? – </i>Robert Musil en particulier. Avec <i>L’Homme sans qualité</i>, c’était vraiment la découverte d’un univers totalement inconnu, comme faire un voyage dans un pays étranger. Et j’ai passé trois ans sans jamais m’ennuyer sur ce livre. J’ai traduit un peu Rilke, avec peut-être un peu moins de plaisir, mesurant tellement l’insuffisance de ma traduction que cela en devenait agaçant. <i>L’Odyssée,</i> à cause d’une certaine fraîcheur dans la redécouverte de ce texte. Et puis, il y a d’autres choses, <i>Hypérion </i>de Hölderlin. La traduction avançant bien, j’avais l’impression de rendre quelque chose, et ce n’était pas d’une difficulté excessive.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615655006_palzieuxgrignan.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;">Palézieux, <i>Paysage à Grignan</i>, eau-forte, 1963 <b>© </b>Musée Jenisch Vevey - Cabinet cantonal des estampes</h4> <p><i>En 1953, vous vous êtes installé à Grignan. Pourquoi Grignan? Un exil? </i></p> <p>– Non, Grignan, c’est vraiment un hasard. Ma femme et moi nous cherchions un endroit pour vivre, à la campagne de préférence, Paris ne nous paraissant plus possible étant donné les conditions matérielles que nous avions à ce moment-là qui étaient vraiment le strict minimum. Il y avait aussi je pense le besoin, pas même conscient, de mettre une certaine distance – exil c’est beaucoup dire – entre le monde littéraire parisien et moi. Etant quand même d’une nature influençable ou assez incertaine – je l’étais surtout à ce moment-là –, fréquenter constamment des écrivains, dont certains que j’aimais vraiment beaucoup, pouvait me démolir. Et comme ils avaient tous les idées les plus opposées les unes des autres, j’étais encore plus perdu! Donc le besoin d’une certaine distance, simplement.</p> <p><i>Dans quelle mesure restez-vous romand?</i> </p> <p>– Oh! Je crois qu’on le demeure par nature.</p> <hr /> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1615489839_jaccottetatraversunverger.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="257" height="441" /></p> <h4>Philippe Jaccottet, <em>A travers un verger</em>, Fata Morgana, nouvelle édition 2021.</h4>', 'content_edition' => null, 'slug' => 'l-effacement-soit-ma-facon-de-resplendir', 'headline' => false, 'homepage' => 'col-md-12', 'like' => (int) 568, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 2850, 'homepage_order' => (int) 3090, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => 'Chronique', 'poster' => null, 'category_id' => (int) 3, 'person_id' => (int) 72, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'tags' => [ (int) 0 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Tag) {} ], 'attachments' => [ (int) 0 => object(Cake\ORM\Entity) {} ], 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ '*' => true, 'id' => false ], '[dirty]' => [], '[original]' => [], '[virtual]' => [], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [], '[invalid]' => [], '[repository]' => 'Posts' }count - [internal], line ?? 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Chronique / «L’effacement soit ma façon de resplendir»
C’était en 1977. J’écrivais déjà pour la presse. Je collaborais alors à l’hebdomadaire romand «La Vie protestante» et je m’étais rendu à Grignan pour
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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<p>Pour Baudelaire, c’est l’occasion d’exposer ses vues esthétiques tout en défendant les artistes qu’il révère. A commencer par Eugène Delacroix qu’il a découvert très tôt, à dix-sept ans. Déambulant dans la galerie des Batailles du château de Versailles, une œuvre retint plus particulièrement son attention, la <i>Bataille de Taillebourg</i>. Dès avant sa rencontre avec Delacroix, vraisemblablement en 1846, il a acquis plusieurs lithographies de la série <i>Hamlet. </i>Le jeune écrivain est alors en quête d’un art neuf. Et le peintre qui présente au salon de 1845 sa toile intitulée <i>Dernières paroles de l’empereur Marc-Aurèle </i>est bien prêt de représenter cet idéal. «Tableau splendide, magnifique, sublime, incompris», s’enthousiasme Baudelaire. «Nous sommes ici en plein Delacroix, c'est-à-dire que nous avons devant les yeux l'un des spécimens les plus complets de ce que peut le génie dans la peinture.» </p>
<p>Dans son compte rendu du salon suivant, celui de 1846, Baudelaire va encore plus loin. Il qualifie Delacroix rien moins que de «chef de l’école <i>moderne</i>.» A ses yeux, tout dans son œuvre tend en effet à incarner le romantisme même. Qui ne s’exprime, affirme-t-il,«ni dans le choix des sujets, ni dans la vérité exacte, mais dans la manière de sentir.» Et l’écrivain d’ajouter:«Qui dit romantisme dit art moderne, c'est-à-dire intimité, spiritualité, couleur, aspiration vers l'infini, exprimés par tous les moyens que contiennent les arts.» </p>
<p>Jamais Baudelaire ne se départira de son admiration pour le peintre des <i>Femmes d'Alger</i>. Dans son <i>Salon de 1859</i> encore, il qualifie Delacroix de «peintre-poète» qui «verse tour à tour sur ses toiles inspirées le sang, la lumière et les ténèbres.» Ce qui vaudra en retour au poète des <i>Fleurs du Mal</i> une lettre émue:«Comment vous remercier dignement pour cette nouvelle preuve de votre amitié?» Et sans doute comme Fantin-Latour et Manet avec qui il assista aux obsèques de Delacroix le 17 août 1863, Baudelaire ne put qu’être lui aussi frappé par l’assistance clairsemée qui suivit le convoi funèbre. En réaction, Fantin-Latour peignit son fameux <i>Hommage à Delacroix</i> où l’on reconnaît, entourant un portrait du peintre inspiré d’un cliché de Nadar, Champfleury, Whistler, Manet, Fantin-Latour lui-même ainsi bien sûr que Baudelaire. Mais ce n’est pas le seul tableau dans lequel figure le poète.</p>
<h3>Combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottines vernies</h3>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1614423571_fantinlatourhommagedelacroix.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p>
<h4 style="text-align: center;">Fantin-Latour, <i>Hommage à Delacroix</i> (1864). Baudelaire est assis au premier rang à droite © DR</h4>
<p>Il est également représenté dans l’immense toile de Gustave Courbet, <i>L’Atelier du peintre</i> (1855). Il est placé tout à la droite de la composition, parmi ceux que l’artiste nomme «tous les actionnaires, c'est-à-dire les amis, les travailleurs, les amateurs du monde de l'art.» La conception picturale de Courbet correspond alors assez exactement à ce que Baudelaire appelle de ses vœux dans son <i>Salon de 1845</i> et qu’il développe dans celui de 1846. «Au vent qui soufflera demain nul ne tend l’oreille; et pourtant l’héroïsme de la vie moderne nous entoure et nous presse (…) Celui-là sera le peintre, le vrai peintre, qui saura arracher à la vie actuelle son côté épique, et nous faire voir et comprendre, avec de la couleur ou du dessin, combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottines vernies.» On reconnaît là l’éloge du dandy – Baudelaire y reviendra longuement dans <i>Le peintre de la vie moderne</i> publié en 1863 dans <i>Le Figaro</i>. </p>
<p>Du dandysme, Courbet est certes très éloigné. Il n’en est pas moins le peintre qui répond le mieux au vœu de Baudelaire qui dans son <i>Salon de 1846</i> en appelle aux «grands coloristes (qui) savent faire de la couleur avec un habit noir, une cravate blanche et un fond gris.» <i>Un enterrement à Ornans </i>(1849-1850),<i></i>le tableau programmatique de Courbet qui fit scandale, répond très exactement à ce que réclame Baudelaire. </p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1614423633_manetmusiqueauxtuileries.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p>
<h4 style="text-align: center;">Manet, <i>La Musique aux Tuileries</i> (1862), détail. Baudelaire est de profil à gauche de Gautier © DR</h4>
<p>Dernier artiste enfin associé à l’écrivain, mais il y en a d’autres encore dont on pourrait parler, Edouard Manet. On a beaucoup glosé sur ce que répondit Baudelaire en 1865 à une lettre du peintre alors attaqué de toute part – deux ans auparavant, son<i> Déjeuner sur l’herbe</i>, exposé à la requête de Napoléon III parmi les «refusés», a choqué tout comme son <i>Olympia </i>(voir ci-dessus). «Vous n’êtes, lui écrit alors Baudelaire, que le premier dans la décrépitude de votre art.» Dans cette réflexion, on peut naturellement voir – en apparence – une condamnation de l’art de l’époque dominé par Manet. Mais c’est méconnaître Baudelaire, grand admirateur notamment des eaux-fortes de l’artiste qu’il compare à Goya. Il faut plutôt comprendre la remarque dans toute son ironie. Avec à l’esprit les critiques des bienpensants, de tous les philistins pour qui le progrès consonne nécessairement avec décadence et l’art qui s’y réfère avec décrépitude. En ce sens-là, Manet est bien le plus grand artiste de son temps.</p>
<p>Le peintre et le poète se sont connus très tôt. Tous deux partagent alors un même goût pour le dandysme et le fameux habit noir. C’est dans ce véritable uniforme de la modernité complété d’un haut de forme que le peintre a représenté son ami aux côtés de Théophile Gautier, dédicataire des <i>Fleurs du Mal</i>, dans son tableau <i>La Musique aux Tuileries</i> (1862). Il existe également une eau-forte qui reprend cette même silhouette du poète. L’un des plus beaux portraits de femme peint par Manet témoigne également de cette amitié. Il s’agit de l’opulente toile, qui n’a rien à envier à Velasquez, figurant la «lionne» du poète, Jeanne Duval, peinte en 1862 et intitulée <i>La Maîtresse de Baudelaire</i>. Enfin, contemplant l’<i>Olympia </i>de Manet, avec son mince ruban noir noué autour du cou et son bracelet au poignet,<i></i>comment ne pas se réciter les premiers vers du poème «Les Bijoux» des <i>Fleurs du Mal</i>? </p>
<p style="text-align: center;"><i>«La très-chère était nue, et, connaissant mon cœur,</i></p>
<p style="text-align: center;"><i>Elle n'avait gardé que ses bijoux</i></p>
<p style="text-align: center;"><i>Dont le riche attirail lui donnait l'air vainqueur </i></p>
<p style="text-align: center;"><i>Qu'ont dans leurs jours heureux les esclaves des Mores.»</i></p>
<hr />
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Depuis Diderot, à l’origine de l’exercice et qui en a fait un véritable genre littéraire, nombreux sont les écrivains à publier leurs <i>Salons</i>: Stendhal en fait paraître trois, consacrés aux expositions de 1822, 1824 et 1827, Gauthier, que Baudelaire admire, en publie neuf, s’étendant de 1833 à 1842. Rien d’étonnant dès lors que le jeune littérateur s’y essaie à son tour. Son <i>Salon de 1845</i> sera suivi de ceux de 1846 et de 1859. A quoi on peut ajouter trois textes traitant de la section beaux-arts de l’Exposition universelle de 1855. </p> <p>Pour Baudelaire, c’est l’occasion d’exposer ses vues esthétiques tout en défendant les artistes qu’il révère. A commencer par Eugène Delacroix qu’il a découvert très tôt, à dix-sept ans. Déambulant dans la galerie des Batailles du château de Versailles, une œuvre retint plus particulièrement son attention, la <i>Bataille de Taillebourg</i>. Dès avant sa rencontre avec Delacroix, vraisemblablement en 1846, il a acquis plusieurs lithographies de la série <i>Hamlet. </i>Le jeune écrivain est alors en quête d’un art neuf. Et le peintre qui présente au salon de 1845 sa toile intitulée <i>Dernières paroles de l’empereur Marc-Aurèle </i>est bien prêt de représenter cet idéal. «Tableau splendide, magnifique, sublime, incompris», s’enthousiasme Baudelaire. «Nous sommes ici en plein Delacroix, c'est-à-dire que nous avons devant les yeux l'un des spécimens les plus complets de ce que peut le génie dans la peinture.» </p> <p>Dans son compte rendu du salon suivant, celui de 1846, Baudelaire va encore plus loin. Il qualifie Delacroix rien moins que de «chef de l’école <i>moderne</i>.» A ses yeux, tout dans son œuvre tend en effet à incarner le romantisme même. Qui ne s’exprime, affirme-t-il,«ni dans le choix des sujets, ni dans la vérité exacte, mais dans la manière de sentir.» Et l’écrivain d’ajouter:«Qui dit romantisme dit art moderne, c'est-à-dire intimité, spiritualité, couleur, aspiration vers l'infini, exprimés par tous les moyens que contiennent les arts.» </p> <p>Jamais Baudelaire ne se départira de son admiration pour le peintre des <i>Femmes d'Alger</i>. Dans son <i>Salon de 1859</i> encore, il qualifie Delacroix de «peintre-poète» qui «verse tour à tour sur ses toiles inspirées le sang, la lumière et les ténèbres.» Ce qui vaudra en retour au poète des <i>Fleurs du Mal</i> une lettre émue:«Comment vous remercier dignement pour cette nouvelle preuve de votre amitié?» Et sans doute comme Fantin-Latour et Manet avec qui il assista aux obsèques de Delacroix le 17 août 1863, Baudelaire ne put qu’être lui aussi frappé par l’assistance clairsemée qui suivit le convoi funèbre. En réaction, Fantin-Latour peignit son fameux <i>Hommage à Delacroix</i> où l’on reconnaît, entourant un portrait du peintre inspiré d’un cliché de Nadar, Champfleury, Whistler, Manet, Fantin-Latour lui-même ainsi bien sûr que Baudelaire. Mais ce n’est pas le seul tableau dans lequel figure le poète.</p> <h3>Combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottines vernies</h3> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1614423571_fantinlatourhommagedelacroix.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;">Fantin-Latour, <i>Hommage à Delacroix</i> (1864). Baudelaire est assis au premier rang à droite © DR</h4> <p>Il est également représenté dans l’immense toile de Gustave Courbet, <i>L’Atelier du peintre</i> (1855). Il est placé tout à la droite de la composition, parmi ceux que l’artiste nomme «tous les actionnaires, c'est-à-dire les amis, les travailleurs, les amateurs du monde de l'art.» La conception picturale de Courbet correspond alors assez exactement à ce que Baudelaire appelle de ses vœux dans son <i>Salon de 1845</i> et qu’il développe dans celui de 1846. «Au vent qui soufflera demain nul ne tend l’oreille; et pourtant l’héroïsme de la vie moderne nous entoure et nous presse (…) Celui-là sera le peintre, le vrai peintre, qui saura arracher à la vie actuelle son côté épique, et nous faire voir et comprendre, avec de la couleur ou du dessin, combien nous sommes grands et poétiques dans nos cravates et nos bottines vernies.» On reconnaît là l’éloge du dandy – Baudelaire y reviendra longuement dans <i>Le peintre de la vie moderne</i> publié en 1863 dans <i>Le Figaro</i>. </p> <p>Du dandysme, Courbet est certes très éloigné. Il n’en est pas moins le peintre qui répond le mieux au vœu de Baudelaire qui dans son <i>Salon de 1846</i> en appelle aux «grands coloristes (qui) savent faire de la couleur avec un habit noir, une cravate blanche et un fond gris.» <i>Un enterrement à Ornans </i>(1849-1850),<i></i>le tableau programmatique de Courbet qui fit scandale, répond très exactement à ce que réclame Baudelaire. </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1614423633_manetmusiqueauxtuileries.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;">Manet, <i>La Musique aux Tuileries</i> (1862), détail. Baudelaire est de profil à gauche de Gautier © DR</h4> <p>Dernier artiste enfin associé à l’écrivain, mais il y en a d’autres encore dont on pourrait parler, Edouard Manet. On a beaucoup glosé sur ce que répondit Baudelaire en 1865 à une lettre du peintre alors attaqué de toute part – deux ans auparavant, son<i> Déjeuner sur l’herbe</i>, exposé à la requête de Napoléon III parmi les «refusés», a choqué tout comme son <i>Olympia </i>(voir ci-dessus). «Vous n’êtes, lui écrit alors Baudelaire, que le premier dans la décrépitude de votre art.» Dans cette réflexion, on peut naturellement voir – en apparence – une condamnation de l’art de l’époque dominé par Manet. Mais c’est méconnaître Baudelaire, grand admirateur notamment des eaux-fortes de l’artiste qu’il compare à Goya. Il faut plutôt comprendre la remarque dans toute son ironie. Avec à l’esprit les critiques des bienpensants, de tous les philistins pour qui le progrès consonne nécessairement avec décadence et l’art qui s’y réfère avec décrépitude. En ce sens-là, Manet est bien le plus grand artiste de son temps.</p> <p>Le peintre et le poète se sont connus très tôt. Tous deux partagent alors un même goût pour le dandysme et le fameux habit noir. C’est dans ce véritable uniforme de la modernité complété d’un haut de forme que le peintre a représenté son ami aux côtés de Théophile Gautier, dédicataire des <i>Fleurs du Mal</i>, dans son tableau <i>La Musique aux Tuileries</i> (1862). Il existe également une eau-forte qui reprend cette même silhouette du poète. L’un des plus beaux portraits de femme peint par Manet témoigne également de cette amitié. Il s’agit de l’opulente toile, qui n’a rien à envier à Velasquez, figurant la «lionne» du poète, Jeanne Duval, peinte en 1862 et intitulée <i>La Maîtresse de Baudelaire</i>. 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Chronique / Peintres de la vie moderne
Avant que d’être le poète scandaleux des «Fleurs du Mal», Charles Baudelaire, dont on célèbre cette année le bicentenaire, a beaucoup écrit sur l’art.
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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<p>Toujours en une du journal, on lit: «Lorsque l’avion de Nungesser apparut au-dessus de la rade de New York, le commandant Foullois, chef de l’aviation maritime de chasse, s’était porté à son devant avec une escadrille et, dès que l’avion fut en vue, les sirènes des bateaux mugirent et les bâtiments hissèrent le pavillon.» La vérité est que Nungesser et Coli n’ont jamais atteint New York, disparaissant corps et biens. Aujourd’hui, on estime que les deux hommes sont bel et bien parvenus à traverser l’Atlantique, atteignant Saint-Pierre-et-Miquelon où ils auraient tenté d’amerrir. En vain. L’annonce, quelques jours plus tard, de leur disparition, causa une intense émotion. Entraînant par contre-coup la désaffection du public à l’égard du journal fondé par Emile de Girardin, qui jamais ne s’en releva.</p>
<p>Toujours dans l’intention de prendre l’avantage sur leurs concurrents, les grands journaux se disputent les meilleures plumes du moment. Et de solliciter tout naturellement les écrivains et écrivaines en vogue. L’un des plus populaires est Pierre Benoit. Le romancier à succès de <i>L’Atlantide </i>et de <i>La Châtelaine du Liban</i> – le premier titre publié par le Livre de poche à son lancement en 1953, on ne le sait pas toujours ou on l’a oublié, est <i>Koenigsmark</i>. Voilà qui dit bien l’aura entourant alors son auteur. Durant l’entre-deux-guerres, Pierre Benoit partage son temps entre l’écriture de son roman annuel et les grands reportages aux quatre coins de la planète, notamment pour <i>L’intransigeant</i>. <i>L’Intran</i>, comme on disait familièrement, le grand quotidien de droite du soir. </p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215880_parissoir29mai1935gallica.jpeg" class="img-responsive img-fluid center " width="501" height="766" /></p>
<h4 style="text-align: center;">Annonce des reportages de Claude Farrère et Blaise Cendrars, <i>Paris-Soir</i>, 29 mai 1935 © Gallica</h4>
<p>Pour les principaux représentants de la scène littéraire, écrire pour la presse est une source appréciable de revenus. Ainsi Saint-Exupéry raconte-t-il pour <i>L’Intran </i>son raid manqué Paris-Saigon en décembre 1935. Après dix-neuf heures de vol, l’aviateur-écrivain s’était écrasé dans le désert libyen. Son récit, «Le vol brisé. Prison de sable», paraît en janvier suivant; il constituera les cinq premiers chapitres de <i>Terre des Hommes</i>. Une année plus tard, Jean Prouvost, le patron de <i>Paris-Soir,</i> lui propose quatre-vingt mille francs pour dix articles consacrés à la guerre civile espagnole. </p>
<p>Les moyens dont dispose la presse de l’époque sont souvent considérables. Les directeurs de journaux mettent à disposition de leurs reporteurs-vedettes argent, voitures et chauffeurs – cela a bien changé! Rien d’étonnant dès lors que pour un événement aussi important que le voyage inaugural du paquebot <i>Normandie</i> les journaux se mobilisent. Il faut dire que le nouveau fleuron des <i>French Lines</i> conjugue tous les superlatifs. Il est, répète-t-on à satiété, le plus gros, le plus moderne et le plus fastueux de tous les navires construits à son époque. Son appareil propulsif est du dernier cri et, pour sa décoration intérieure, qui en fait une véritable vitrine du luxe français, les meilleurs représentants de ce qu’on appellera l’<i>Art déco </i>ont été requis, les Subes, Lalique, Leleu, Patout.</p>
<p>C’est le tout jeune directeur de la rédaction de <i>Paris-Soir – </i>il a 28 ans – un certain Pierre Lazareff, futur patron de <i>Cinq colonnes à la une,</i> alors déjà amateur de coups fumants, qui a eu l’idée d’envoyer Farrère et Cendrars sur le <i>Normandie</i>. Les deux hommes se complètent à merveille. Ancien capitaine de corvette – il a notamment servi en Extrême-Orient avant la Grande Guerre – Farrère racontera la traversée en écrivain de la mer depuis les <i>spardecks</i> et la passerelle, tandis que Cendrars, le bourlingueur, sera avec l’équipage. Aux côtés des mécaniciens, dans les entrailles du navire. </p>
<h3>La capitale flottante ne bouge pas plus que Paris ou Londres ne vibrent</h3>
<p>Colette a déjà une longue pratique du journalisme. Durant toute sa carrière elle rédigera plus d’un millier d’articles sur la mode, le théâtre, le tourisme, l’amour, que sais-je encore? Et collaborera à une centaine de titres, dont <i>Le Journal</i> où elle écrit depuis 1933. C’est donc tout naturellement elle qui couvrira la croisière inaugurale du<i> Normandie. </i>«Ce paquebot, note-t-elle dans son premier article, qui n’est que succulence, crème fraîche, fruits fermes, pain croustillant et quelle table!» Car bien évidemment Colette, on n’est pas bourguignonne pour rien, se délecte en connaisseuse de la cuisine du bord. Mais tout autant du spectacle de la mer. «Juste au-dessous de mes hublots, écrit-elle au lendemain de l’appareillage, se gonfle, s’abaisse, harmonieuse, respire sans fin une longue bête onctueuse d’un gris vert, emplumée d’écume. Tout le reste de l’horizon n’est que brume tiède, traînante, qui lèche et calme la mer.» </p>
<p>Farrère, lui, c’est en technicien qu’il jauge des qualités nautiques du nouveau-né. «Le sillage s’étale en poupe jusqu’à perte de vue, plat comme une immense route très blanche. 30 nœuds et même davantage. Ni tangage, ni roulis. La capitale flottante ne bouge pas plus que Paris ou que Londres ne vibrent, nul ne l’ignore, à tous les passages trop brutaux des cars, des autobus, des camions et autres supervéhicules trop négligemment suspendus.» Comme beaucoup d’autres personnalités conviées à ce premier voyage, l’écrivain suit grâce à la TSF la crise ministérielle qui vient d’éclater à Paris. Tandis que le <i>Normandie</i> se rapproche de son but et s’apprête à conquérir le ruban bleu récompensant la traversée la plus rapide, le cabinet Flandrin a été renversé. «Hier, formidable éclat de rire d’un bout à l’autre des huit ponts de la* <i>Normandie, </i>écrit Farrère.<i></i>La TSF s’est fort gracieusement moquée de nous tous, tant que nous sommes, sans la moindre malice d’ailleurs en annonçant que le maréchal Pétain était ministre de la Marine!» </p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215936_coletteborddunormandie.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="536" height="554" /></p>
<h4 style="text-align: center;">Colette (au milieu) à bord du <i>Normandie</i> © Coll. part. </h4>
<p>Et Blaise Cendrars, me demanderez-vous? Sitôt embarqué, il s’est enfoncé dans le ventre du navire. Chacun de ses articles sera un hymne à la technique, aux machines et aux hommes qui les servent. «Poussant une lourde porte où je faillis être renversé par un courant d’air, je débouchai dans la salle des dynamos bruissante, ronflante et toute remplie d’un rythme continu, qui est le seul témoignage de la Force invisible, car nulle part on ne voit tourner une roue ni travailler une bielle (…) Quand j’arrive sur la passerelle, le balcon de fer bien astiqué qui domine la centrale électrique et qui est le poste de commande de toute cette machinerie automatique, l’humble correspondant de <i>Paris-Soir</i> que je suis est reçu fraternellement et, oserais-je le dire, avec gratitude, par les officiers mécaniciens.» C’est à peine si durant les jours suivant, l’écrivain quittera leur compagnie. </p>
<p>Le 4 juin, à l’arrivée à New York, Cendrars rejoint tout de même ses collègues sur le pont pour assister à la «marche triomphale» du <i>Normandie</i>. «Jamais plus nous ne reverrons cela, jamais plus nous ne l’oublierons», écrit Colette. «New York, note de son côté Cendrars, est la ville la plus jeune, la plus moderne, la plus enthousiaste, mais aussi la plus généreuse du monde. L’accueil délirant que le port de New York a fait à la <i>Normandie </i>défilant devant les gratte-ciel de Manhattan est allé droit au cœur de tous les Français qui étaient à bord.» L’écrivain peut alors rejoindre les mécaniciens pour les remercier: «Je trouvais tout le monde à son poste, l’équipage au grand complet, comme toujours calme et veillant à la manœuvre. Ils ignoraient comment New York recevait leur bateau. Ils n’avaient rien vu, rien entendu, mais chaque homme avait le sourire.»</p>
<hr />
<h4>*Nos trois auteurs parlent de la <i>Normandie</i> alors que l’usage veut plutôt que l’on écrive le <i>Normandie.</i></h4>
<hr />
<h4><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215779_aborddunormandie.jpeg" class="img-responsive img-fluid left " width="272" height="386" /></h4>
<h4>Cendrars, Colette, Farrère, Wolff, <i>A bord du Normandie. Journal transatlantique</i>, Le Passeur/Cecofop, 2003</h4>',
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Entraînant par contre-coup la désaffection du public à l’égard du journal fondé par Emile de Girardin, qui jamais ne s’en releva.</p> <p>Toujours dans l’intention de prendre l’avantage sur leurs concurrents, les grands journaux se disputent les meilleures plumes du moment. Et de solliciter tout naturellement les écrivains et écrivaines en vogue. L’un des plus populaires est Pierre Benoit. Le romancier à succès de <i>L’Atlantide </i>et de <i>La Châtelaine du Liban</i> – le premier titre publié par le Livre de poche à son lancement en 1953, on ne le sait pas toujours ou on l’a oublié, est <i>Koenigsmark</i>. Voilà qui dit bien l’aura entourant alors son auteur. Durant l’entre-deux-guerres, Pierre Benoit partage son temps entre l’écriture de son roman annuel et les grands reportages aux quatre coins de la planète, notamment pour <i>L’intransigeant</i>. <i>L’Intran</i>, comme on disait familièrement, le grand quotidien de droite du soir. </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215880_parissoir29mai1935gallica.jpeg" class="img-responsive img-fluid center " width="501" height="766" /></p> <h4 style="text-align: center;">Annonce des reportages de Claude Farrère et Blaise Cendrars, <i>Paris-Soir</i>, 29 mai 1935 © Gallica</h4> <p>Pour les principaux représentants de la scène littéraire, écrire pour la presse est une source appréciable de revenus. Ainsi Saint-Exupéry raconte-t-il pour <i>L’Intran </i>son raid manqué Paris-Saigon en décembre 1935. Après dix-neuf heures de vol, l’aviateur-écrivain s’était écrasé dans le désert libyen. Son récit, «Le vol brisé. Prison de sable», paraît en janvier suivant; il constituera les cinq premiers chapitres de <i>Terre des Hommes</i>. Une année plus tard, Jean Prouvost, le patron de <i>Paris-Soir,</i> lui propose quatre-vingt mille francs pour dix articles consacrés à la guerre civile espagnole. </p> <p>Les moyens dont dispose la presse de l’époque sont souvent considérables. Les directeurs de journaux mettent à disposition de leurs reporteurs-vedettes argent, voitures et chauffeurs – cela a bien changé! Rien d’étonnant dès lors que pour un événement aussi important que le voyage inaugural du paquebot <i>Normandie</i> les journaux se mobilisent. Il faut dire que le nouveau fleuron des <i>French Lines</i> conjugue tous les superlatifs. Il est, répète-t-on à satiété, le plus gros, le plus moderne et le plus fastueux de tous les navires construits à son époque. Son appareil propulsif est du dernier cri et, pour sa décoration intérieure, qui en fait une véritable vitrine du luxe français, les meilleurs représentants de ce qu’on appellera l’<i>Art déco </i>ont été requis, les Subes, Lalique, Leleu, Patout.</p> <p>C’est le tout jeune directeur de la rédaction de <i>Paris-Soir – </i>il a 28 ans – un certain Pierre Lazareff, futur patron de <i>Cinq colonnes à la une,</i> alors déjà amateur de coups fumants, qui a eu l’idée d’envoyer Farrère et Cendrars sur le <i>Normandie</i>. Les deux hommes se complètent à merveille. Ancien capitaine de corvette – il a notamment servi en Extrême-Orient avant la Grande Guerre – Farrère racontera la traversée en écrivain de la mer depuis les <i>spardecks</i> et la passerelle, tandis que Cendrars, le bourlingueur, sera avec l’équipage. Aux côtés des mécaniciens, dans les entrailles du navire. </p> <h3>La capitale flottante ne bouge pas plus que Paris ou Londres ne vibrent</h3> <p>Colette a déjà une longue pratique du journalisme. Durant toute sa carrière elle rédigera plus d’un millier d’articles sur la mode, le théâtre, le tourisme, l’amour, que sais-je encore? Et collaborera à une centaine de titres, dont <i>Le Journal</i> où elle écrit depuis 1933. C’est donc tout naturellement elle qui couvrira la croisière inaugurale du<i> Normandie. </i>«Ce paquebot, note-t-elle dans son premier article, qui n’est que succulence, crème fraîche, fruits fermes, pain croustillant et quelle table!» Car bien évidemment Colette, on n’est pas bourguignonne pour rien, se délecte en connaisseuse de la cuisine du bord. Mais tout autant du spectacle de la mer. «Juste au-dessous de mes hublots, écrit-elle au lendemain de l’appareillage, se gonfle, s’abaisse, harmonieuse, respire sans fin une longue bête onctueuse d’un gris vert, emplumée d’écume. Tout le reste de l’horizon n’est que brume tiède, traînante, qui lèche et calme la mer.» </p> <p>Farrère, lui, c’est en technicien qu’il jauge des qualités nautiques du nouveau-né. «Le sillage s’étale en poupe jusqu’à perte de vue, plat comme une immense route très blanche. 30 nœuds et même davantage. Ni tangage, ni roulis. La capitale flottante ne bouge pas plus que Paris ou que Londres ne vibrent, nul ne l’ignore, à tous les passages trop brutaux des cars, des autobus, des camions et autres supervéhicules trop négligemment suspendus.» Comme beaucoup d’autres personnalités conviées à ce premier voyage, l’écrivain suit grâce à la TSF la crise ministérielle qui vient d’éclater à Paris. Tandis que le <i>Normandie</i> se rapproche de son but et s’apprête à conquérir le ruban bleu récompensant la traversée la plus rapide, le cabinet Flandrin a été renversé. «Hier, formidable éclat de rire d’un bout à l’autre des huit ponts de la* <i>Normandie, </i>écrit Farrère.<i></i>La TSF s’est fort gracieusement moquée de nous tous, tant que nous sommes, sans la moindre malice d’ailleurs en annonçant que le maréchal Pétain était ministre de la Marine!» </p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215936_coletteborddunormandie.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="536" height="554" /></p> <h4 style="text-align: center;">Colette (au milieu) à bord du <i>Normandie</i> © Coll. part. </h4> <p>Et Blaise Cendrars, me demanderez-vous? Sitôt embarqué, il s’est enfoncé dans le ventre du navire. Chacun de ses articles sera un hymne à la technique, aux machines et aux hommes qui les servent. «Poussant une lourde porte où je faillis être renversé par un courant d’air, je débouchai dans la salle des dynamos bruissante, ronflante et toute remplie d’un rythme continu, qui est le seul témoignage de la Force invisible, car nulle part on ne voit tourner une roue ni travailler une bielle (…) Quand j’arrive sur la passerelle, le balcon de fer bien astiqué qui domine la centrale électrique et qui est le poste de commande de toute cette machinerie automatique, l’humble correspondant de <i>Paris-Soir</i> que je suis est reçu fraternellement et, oserais-je le dire, avec gratitude, par les officiers mécaniciens.» C’est à peine si durant les jours suivant, l’écrivain quittera leur compagnie. </p> <p>Le 4 juin, à l’arrivée à New York, Cendrars rejoint tout de même ses collègues sur le pont pour assister à la «marche triomphale» du <i>Normandie</i>. «Jamais plus nous ne reverrons cela, jamais plus nous ne l’oublierons», écrit Colette. «New York, note de son côté Cendrars, est la ville la plus jeune, la plus moderne, la plus enthousiaste, mais aussi la plus généreuse du monde. L’accueil délirant que le port de New York a fait à la <i>Normandie </i>défilant devant les gratte-ciel de Manhattan est allé droit au cœur de tous les Français qui étaient à bord.» L’écrivain peut alors rejoindre les mécaniciens pour les remercier: «Je trouvais tout le monde à son poste, l’équipage au grand complet, comme toujours calme et veillant à la manœuvre. Ils ignoraient comment New York recevait leur bateau. Ils n’avaient rien vu, rien entendu, mais chaque homme avait le sourire.»</p> <hr /> <h4>*Nos trois auteurs parlent de la <i>Normandie</i> alors que l’usage veut plutôt que l’on écrive le <i>Normandie.</i></h4> <hr /> <h4><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1613215779_aborddunormandie.jpeg" class="img-responsive img-fluid left " width="272" height="386" /></h4> <h4>Cendrars, Colette, Farrère, Wolff, <i>A bord du Normandie. 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Chronique / Etonnants voyageurs
Le Havre, gare maritime, 29 mai 1935. Ils sont quatre du monde des Lettres arrivés de Paris. Les plus perspicaces ont reconnu Madame Colette, la
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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On ne sait si Aragon qui travaille alors au roman <i>Les Communistes</i> – j’en ai parlé ici même dans une chronique en juin dernier – s’est pincé le nez ou fait tirer les oreilles pour les défendre. </p> <p>Quoi qu’il en soit, c’est lui qui en janvier 1951 présente l’exposition de Fougeron, <i>Au pays des mines</i>, à la galerie Bernheim-Jeune, à Paris, que le Parti communiste a louée pour l’occasion. Ce qui n’empêche nullement le même Aragon, quelques mois plus tard, en octobre, dans <i>Les Lettres françaises</i>, de rendre un vibrant hommage à Picasso pour son 70<sup>e</sup> anniversaire! Le grand écart n’a jamais fait peur à l’écrivain.</p> <h3>L'aboutissement et le sommet de la peinture française</h3> <p>La première rencontre entre Louis Aragon et Henri Matisse a lieu au début de la Seconde Guerre mondiale. En décembre 1940, l’écrivain et son épouse, la romancière Elsa Triolet, gagnent la zone libre et s’installent à Nice. Henri Matisse (1869-1954) y vit depuis 1938; il s’est établi sur les hauteurs, à Cimiez, à l’hôtel Regina qui domine la baie des Anges. Le peintre est alors dans la plénitude de sa création. Son art tend de plus en plus à l’essentiel: dessins, qui sont autant de variations à partir d’un seul trait, série des <i>Intérieurs</i>, fruits de ses séjours à Vence dans l’arrière-pays varois – <i>Intérieur rouge, nature morte sur table bleue</i>; <i>Intérieur jaune et bleu</i> – dont la simplification extrême annonce l’ultime féérie colorée, celle des papiers découpés. Les fameux <i>Nus bleus,</i> réduits à quelques grandes masses, ainsi que les immenses compositions <i>Polynésie, la mer</i> (1946) ou encore <i>La Tristesse du roi</i> (1952). </p> <p>Il y a longtemps qu’Aragon rêve de rencontrer Matisse qu’il admire depuis toujours, dont l’œuvre représente à ses yeux «l’aboutissement et le sommet» de la peinture française.«J’irais volontiers le voir, confie-t-il à un ami peu avant son arrivée à Nice. Je ne le connais pas, mais dans cette extraordinairement triste époque, j’ai envie de voir les gens dont les pensées sont en couleur.» C’est à la toute fin de 1941 qu’Aragon se rend chez Matisse à Cimiez. Visite qui n’est que la première et qui sera suivie de beaucoup d’autres jusqu’à la disparition de l’artiste en 1954. Durant les jours précédents, Aragon a entrepris d’écrire «Matisse ou la grandeur». Signé du pseudonyme Blaise d’Ambérieux, le texte paraît au début de l’année suivante dans le premier numéro de la célèbre revue clandestine de Pierre Seghers, <i>Poésie 42.</i> </p> <p>Pour l’écrivain, évoquer la peinture de Matisse, ce n’est en effet pas seulement parler d’art. C’est encore et peut-être d’abord faire acte de résistance. Dans les dessins du maître de Cimiez,«où le trait, écrit-il, est un chant, la ligne une danse (…) se résument à l’heure la plus sombre de notre histoire, la pureté, l’essence de la sensibilité française, cette victoire de l’esprit qui ne dépend ni du nombre d’avions ni de la rapidité des chars.» L’année suivante, en 1943, chez Fabiani, à Paris, paraît un album de dessins de l’artiste intitulé <i>Thèmes et variations</i>. Il s’ouvre par un important texte d’Aragon, «Matisse en France».</p> <p>Au fil de leurs rencontres, les deux hommes sont devenus très proches et une véritable collaboration s’est instaurée entre eux. Ainsi Matisse réalise-t-il une série de portraits à l’encre de chine ou au fusain du romancier, trente-quatre très exactement, celui-ci devenant l’un de ses modèles à l’instar de Marguerite, la fille de l’artiste. Parmi les nombreux textes consacrés par Aragon au peintre de Cimiez, on peut mentionner encore «Apologie du luxe» publié en 1946 dans la fameuse collection «Trésors de la peinture française» d’Albert Skira – la chance a voulu que je puisse en acquérir un exemplaire il y a quelques années chez un bouquiniste. Aragon y rapporte l’une de ses visites au peintre.«Au mur, note-t-il, il y a des tableaux qui sont plus que jamais beaux, et jeunes, et frais, lumineux et gais, plus gais que jamais, plus confiants que jamais dans la lumière et la vie…’’Je me défends’’, dit admirablement Matisse.» </p> <h4><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1611836916_aragonapologieduluxe.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></h4> <h4 style="text-align: center;">Aragon, <i>Apologie du luxe</i>, Editions d’art Albert Skira, 1946 © Coll. RA</h4> <h3>Je l'ai appelé <em>roman</em> sans doute afin qu'on me le pardonne</h3> <p>«Apologie du luxe» est l’un des textes, avec celui que j’ai mentionné précédemment et bien d’autres encore, repris désormais dans <i>Henri Matisse, roman</i>. Je dis repris et non réunis. Car l’ouvrage en deux volumes qu’Aragon publie en 1971 – je me le fis offrir par mes parents – est bien autre chose qu’un simple recueil de textes épars. Ne serait-ce parce que ceux-ci sont complétés de multiples ajouts, de précisions, de notes marginales, de post-scriptum. De toutes les variations aragoniennes auxquelles l’écrivain nous a habitués en matière de commentaires, d’avant et après-dire, dont s’accompagnent l’édition de ses livres à partir, mettons, de <i>La mise à mort</i> (1963) et de <i>Blanche ou l’oubli</i> (1967). </p> <p>Je parlais plus haut d’ouvrage inclassable. Le mot n’est pas trop fort. Sa publication n’ira d’ailleurs pas sans difficulté. Il y faudra trois années, l’auteur s’employant quasi jusqu’au dernier moment à le transformer, sinon à le bouleverser.«Ce livre, écrit-il en commençant, ne ressemble à rien qu’à son propre désordre (…) Il n’arrive pas à prendre sens. Forme moins encore. Il égare ses pas, revient sur ses propres traces » Et plus loin:«Ce livre est comme il est. Je n’y puis rien. Peut-être parce que l’homme s’est tu, que je n’en puis entendre la voix, qu’il a cessé d’être présence, pour devenir question.» </p> <p>En dépit ou plutôt à cause de sa forme singulière, <i>Henri Matisse, roman</i> est un hommage à nul autre pareil à l’un des plus magnifiques artistes du XXe siècle.«Je l’ai appelé <i>roman</i>, écrit encore Aragon, sans doute afin qu’on me le pardonne.»</p> <hr /> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1611836585_aragonhenrimatisseroman.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="233" height="346" /></p> <h4>Louis Aragon, <em>Henri Matisse, roman</em>, Gallimard, Quarto, 1998.</h4>', 'content_edition' => null, 'slug' => 'le-roman-de-la-peinture', 'headline' => false, 'homepage' => 'col-md-6', 'like' => (int) 550, 'editor' => null, 'index_order' => (int) 2787, 'homepage_order' => (int) 3027, 'original_url' => '', 'podcast' => false, 'tagline' => 'Chronique', 'poster' => null, 'category_id' => (int) 3, 'person_id' => (int) 72, 'post_type_id' => (int) 1, 'post_type' => object(App\Model\Entity\PostType) {}, 'person' => object(App\Model\Entity\Person) {}, 'tags' => [ (int) 0 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 1 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 2 => object(App\Model\Entity\Tag) {}, (int) 3 => object(App\Model\Entity\Tag) {} ], 'attachments' => [ (int) 0 => object(Cake\ORM\Entity) {} ], 'category' => object(App\Model\Entity\Category) {}, '[new]' => false, '[accessible]' => [ '*' => true, 'id' => false ], '[dirty]' => [], '[original]' => [], '[virtual]' => [], '[hasErrors]' => false, '[errors]' => [], '[invalid]' => [], '[repository]' => 'Posts' }count - [internal], line ?? 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<p>S’il ne cesse pas d’admirer Miró, Matisse – je vais y venir – Chagall et naturellement Picasso, tous peintres amis dont les œuvres ornent les murs de l’appartement de la rue de Varenne, à Paris, Aragon, pour des raisons politiques, prend aussi la défense d’artistes tel qu’André Fougeron (1913-1998) et Boris Taslitzky (1911-2005). On est alors en pleine Guerre froide. Et le PCF fait sien la doctrine soviétique en matière artistique, rejetant le «formalisme bourgeois» au nom du réalisme socialiste. Et de mettre en avant ces deux peintres d’origine modeste, adhérents du parti et qui ont combattu durant la Résistance. On ne sait si Aragon qui travaille alors au roman <i>Les Communistes</i> – j’en ai parlé ici même dans une chronique en juin dernier – s’est pincé le nez ou fait tirer les oreilles pour les défendre. </p>
<p>Quoi qu’il en soit, c’est lui qui en janvier 1951 présente l’exposition de Fougeron, <i>Au pays des mines</i>, à la galerie Bernheim-Jeune, à Paris, que le Parti communiste a louée pour l’occasion. Ce qui n’empêche nullement le même Aragon, quelques mois plus tard, en octobre, dans <i>Les Lettres françaises</i>, de rendre un vibrant hommage à Picasso pour son 70<sup>e</sup> anniversaire! Le grand écart n’a jamais fait peur à l’écrivain.</p>
<h3>L'aboutissement et le sommet de la peinture française</h3>
<p>La première rencontre entre Louis Aragon et Henri Matisse a lieu au début de la Seconde Guerre mondiale. En décembre 1940, l’écrivain et son épouse, la romancière Elsa Triolet, gagnent la zone libre et s’installent à Nice. Henri Matisse (1869-1954) y vit depuis 1938; il s’est établi sur les hauteurs, à Cimiez, à l’hôtel Regina qui domine la baie des Anges. Le peintre est alors dans la plénitude de sa création. Son art tend de plus en plus à l’essentiel: dessins, qui sont autant de variations à partir d’un seul trait, série des <i>Intérieurs</i>, fruits de ses séjours à Vence dans l’arrière-pays varois – <i>Intérieur rouge, nature morte sur table bleue</i>; <i>Intérieur jaune et bleu</i> – dont la simplification extrême annonce l’ultime féérie colorée, celle des papiers découpés. Les fameux <i>Nus bleus,</i> réduits à quelques grandes masses, ainsi que les immenses compositions <i>Polynésie, la mer</i> (1946) ou encore <i>La Tristesse du roi</i> (1952). </p>
<p>Il y a longtemps qu’Aragon rêve de rencontrer Matisse qu’il admire depuis toujours, dont l’œuvre représente à ses yeux «l’aboutissement et le sommet» de la peinture française.«J’irais volontiers le voir, confie-t-il à un ami peu avant son arrivée à Nice. Je ne le connais pas, mais dans cette extraordinairement triste époque, j’ai envie de voir les gens dont les pensées sont en couleur.» C’est à la toute fin de 1941 qu’Aragon se rend chez Matisse à Cimiez. Visite qui n’est que la première et qui sera suivie de beaucoup d’autres jusqu’à la disparition de l’artiste en 1954. Durant les jours précédents, Aragon a entrepris d’écrire «Matisse ou la grandeur». Signé du pseudonyme Blaise d’Ambérieux, le texte paraît au début de l’année suivante dans le premier numéro de la célèbre revue clandestine de Pierre Seghers, <i>Poésie 42.</i> </p>
<p>Pour l’écrivain, évoquer la peinture de Matisse, ce n’est en effet pas seulement parler d’art. C’est encore et peut-être d’abord faire acte de résistance. Dans les dessins du maître de Cimiez,«où le trait, écrit-il, est un chant, la ligne une danse (…) se résument à l’heure la plus sombre de notre histoire, la pureté, l’essence de la sensibilité française, cette victoire de l’esprit qui ne dépend ni du nombre d’avions ni de la rapidité des chars.» L’année suivante, en 1943, chez Fabiani, à Paris, paraît un album de dessins de l’artiste intitulé <i>Thèmes et variations</i>. Il s’ouvre par un important texte d’Aragon, «Matisse en France».</p>
<p>Au fil de leurs rencontres, les deux hommes sont devenus très proches et une véritable collaboration s’est instaurée entre eux. Ainsi Matisse réalise-t-il une série de portraits à l’encre de chine ou au fusain du romancier, trente-quatre très exactement, celui-ci devenant l’un de ses modèles à l’instar de Marguerite, la fille de l’artiste. Parmi les nombreux textes consacrés par Aragon au peintre de Cimiez, on peut mentionner encore «Apologie du luxe» publié en 1946 dans la fameuse collection «Trésors de la peinture française» d’Albert Skira – la chance a voulu que je puisse en acquérir un exemplaire il y a quelques années chez un bouquiniste. Aragon y rapporte l’une de ses visites au peintre.«Au mur, note-t-il, il y a des tableaux qui sont plus que jamais beaux, et jeunes, et frais, lumineux et gais, plus gais que jamais, plus confiants que jamais dans la lumière et la vie…’’Je me défends’’, dit admirablement Matisse.» </p>
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<h4 style="text-align: center;">Aragon, <i>Apologie du luxe</i>, Editions d’art Albert Skira, 1946 © Coll. RA</h4>
<h3>Je l'ai appelé <em>roman</em> sans doute afin qu'on me le pardonne</h3>
<p>«Apologie du luxe» est l’un des textes, avec celui que j’ai mentionné précédemment et bien d’autres encore, repris désormais dans <i>Henri Matisse, roman</i>. Je dis repris et non réunis. Car l’ouvrage en deux volumes qu’Aragon publie en 1971 – je me le fis offrir par mes parents – est bien autre chose qu’un simple recueil de textes épars. Ne serait-ce parce que ceux-ci sont complétés de multiples ajouts, de précisions, de notes marginales, de post-scriptum. De toutes les variations aragoniennes auxquelles l’écrivain nous a habitués en matière de commentaires, d’avant et après-dire, dont s’accompagnent l’édition de ses livres à partir, mettons, de <i>La mise à mort</i> (1963) et de <i>Blanche ou l’oubli</i> (1967). </p>
<p>Je parlais plus haut d’ouvrage inclassable. Le mot n’est pas trop fort. Sa publication n’ira d’ailleurs pas sans difficulté. Il y faudra trois années, l’auteur s’employant quasi jusqu’au dernier moment à le transformer, sinon à le bouleverser.«Ce livre, écrit-il en commençant, ne ressemble à rien qu’à son propre désordre (…) Il n’arrive pas à prendre sens. Forme moins encore. Il égare ses pas, revient sur ses propres traces » Et plus loin:«Ce livre est comme il est. Je n’y puis rien. Peut-être parce que l’homme s’est tu, que je n’en puis entendre la voix, qu’il a cessé d’être présence, pour devenir question.» </p>
<p>En dépit ou plutôt à cause de sa forme singulière, <i>Henri Matisse, roman</i> est un hommage à nul autre pareil à l’un des plus magnifiques artistes du XXe siècle.«Je l’ai appelé <i>roman</i>, écrit encore Aragon, sans doute afin qu’on me le pardonne.»</p>
<hr />
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Et bien plus tard, en 1953, lors de la mort de Staline, c’est encore à Picasso, lui aussi membre du Parti communiste, qu’Aragon demande un portrait en hommage au «Petit père des peuple». Dessin qui paraît en première page de l’hebdomadaire littéraire du PCF que l’écrivain dirige alors, <i>Les Lettres françaises</i>. Au grand dam des camarades, furieux de cette figuration d’un Staline jeune. En complète opposition avec l’imagerie de bronze en vigueur de la propagande soviétique. Aragon est contraint de s’excuser. </p> <p>Autre artiste avec lequel l’écrivain s’est lié durant ses années surréalistes, André Masson (1896-1987). Leur amitié survivra à toutes les tempêtes, y compris lorsque Aragon rompra avec Breton. Plusieurs des ouvrages du poète seront illustrés par Masson, notamment son <i>Elégie à Pablo Neruda</i> (1966). C’est aussi durant ces mêmes années de l’entre-deux guerres qu’il commence à écrire sur l’art et les peintres qu’il aime. Et bien après encore, quasi jusqu’à sa mort. 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Chronique / Le roman de la peinture
Ce devait être l’un des événements-phares de l’automne et de l’hiver parisien, l’exposition «Matisse, comme un roman» au Centre Georges Pompidou. Une
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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<p>Autant de témoignages de la part des Pontifes romains à l’égard de l’un des représentants majeurs de la culture occidentale qui ne vont certes pas sans intentions, sinon arrière-pensées, apologétiques. Il n’empêche. Voilà qui en dit long sur<i></i>la place éminente qu’occupe Dante dans l’histoire de la pensée et qui lui fut reconnue très tôt. De son vivant déjà, sa légende prend corps: n’est-il pas celui qui a visité les Enfers? Et son œuvre connaît aussitôt une large diffusion par le biais des multiples copies manuscrites de son poème.</p>
<p>Le <i>Quattrocento, </i>bien que fort éloigné en apparence du monde de Dante, lui voue un véritable culte. Marsile Ficin (1433-1499), grande figure de l’humanisme renaissant qui dirigea l’Académie néoplatonicienne de Florence, pour qui la poésie est la reine des arts, tient Dante pour le poète universel; Raphaël et Michel-Ange voient en lui un maître. Tout comme avant eux Brunelleschi, l’architecte de Santa Maria Del Fiore. Le Dôme de Florence dont la nef s’orne de la seule œuvre connue de Domenico di Michelino. Un tableau commandé pour le bicentenaire de la naissance de Dante le représentant tenant à la main son poème avec en arrière-plan la montagne du Purgatoire. Quel autre écrivain, quel autre poète que Dante figure-t-il ainsi au mur de l’un des édifice religieux majeurs de la Renaissance? </p>
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<h4 style="text-align: center;">Botticelli, Carte de l’Enfer, pointe d'argent, encre et détrempe, vers 1485, Vatican </h4>
<p>Une autre œuvre consacrée à <i>La Divina Commedia </i>aurait d’ailleurs été envisagée pour décorer l’intérieur de la tribune de Santa Maria Del Fiore. Le projet en aurait été confié à Sandro Botticelli qui, on le sait, à la demande de Lorenzo de Médicis, cousin du Magnifique, entreprit d’illustrer le poème de son prestigieux compatriote auquel il vouait une admiration sans borne. Ce travail, qui l’occupa une décennie, resta malheureusement inachevé – Diane de Selliers en a publié il y a quelques années une somptueuse édition. L’ensemble s’ouvre avec la représentation du fameux cratère de l’Enfer – la seule illustration achevée. Image qui est au cœur, comme on le sait aussi, du film <i>Inferno</i> (2016) de Ron Howard d’après le roman de Dan Brown. Or, selon le critique italien Alessandro Parronchi, si l’on assemble entre elles les illustrations de Botticelli, celles-ci se raccordent si parfaitement qu’elles pourraient bien avoir été dessinées à partir du carton de la fresque jamais réalisée de Santa Maria Del Fiore!</p>
<h3><em>A te convien tenere altro viaggio</em></h3>
<p>Oui, la gloire de Dante est immense. C’est pourquoi le chroniqueur est saisi de vertige alors qu’il lui faut maintenant tenter – comment faire plus? – d’aborder son poème. Composée entre 1307 et l’année de sa mort, <i>La Divina Commedia</i> commence fictivement le Jeudi saint 7 avril 1300 – la toute première année sainte. Dante erre, désemparé, au milieu de la forêt obscure. Certes aperçoit-il au loin une montagne illuminée. Mais les chemins qui y mènent lui demeurent interdits par trois bêtes sauvages, dont la vue accroit encore sa peur; il s’imagine mourir. Quand apparaît le poète Virgile (-70 av. J.C -19), celui qu’il considère comme son maître. L’auteur de <i>L’Enéide </i>qui relate les origines héroïques de Rome. «<i>A te convien tenere altro viaggio</i>», lui dit-il alors. C’est «un autre voyage», en effet, que Dante doit entreprendre s’il veut atteindre la vérité et Virgile sera son guide. Pour cela, il lui faudra visiter les cercles de l’Enfer avant de gravir la montagne du Purgatoire. Ensuite, seulement Dante accèdera au Paradis. C’est Beatrice, sa Dame, qui lui a dépêché Virgile. </p>
<p>La première rencontre entre Dante et Beatrice Portinari se produit en 1274; tous deux sont âgés de neuf ans. Ainsi qu’il le raconte dans <i>La Vita Nuova</i>, quasi une décennie s’écoulera avant que Dante ne revoie la jeune femme qui disparaîtra à seulement vingt-quatre ans. Jamais pourtant le poète ne l’oubliera. Pour toujours, elle incarnera à ses yeux l’image parfaite de la beauté et sera, selon la formule du <i>dolce stil nuovo</i>, l’école littéraire novatrice à laquelle Dante appartint, l’«Ange venu du ciel» pour le sauver. Et c’est Beatrice qui l’accueillera au seuil du Paradis. </p>
<p><i>La Divine Comédie</i> est bien sûr fortement imprégnée de théologie et peut être considérée comme une illustration idéale de la doctrine thomiste. Toutefois, et c’est à souligner, le christianisme de Dante n’est nullement en rupture avec l’Antiquité, il en est au contraire la continuation, le prolongement. Ainsi au plus profond des Enfers où Lucifer a été précipité pour s’être rebellé contre Dieu, Dante nous montre l’ange déchu dévorant jusqu’à la fin des temps Judas, qui trahit Jésus, mais aussi Brutus et Cassius, les assassins de César. Aux yeux de Dante, l’Antiquité demeure un modèle. En ce sens, <i>La Divina Commedia</i> fait plus qu’annoncer la Renaissance. Virgile n’est d’ailleurs pas le seul personnage antique convoqué par Dante. Il y a par exemple Caton qui l’accueille au pied de la montagne du Purgatoire. Caton, l’intègre stoïcien qui se donna la mort à Utique en -49 après la défaite des derniers partisans de Pompée. Dante invoque aussi régulièrement les Muses et les dieux antiques afin qu’ils l’assistent dans son entreprise. Comme au Chant II du <i>Paradis</i>:«Les flots qui s’ouvrent devant moi n’ont jamais été parcourus/ c’est Minerve qui m’inspire et Apollon qui me conduit/ et les neuf Muses me montrent les Ourses (les étoiles du Salut).»</p>
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<h4 style="text-align: center;">Botticelli, Beatrice et Dante, <i>Paradis</i>, Chant II, pointe d’argent et encre (détail) © utexas.edu </h4>
<h3><em>L’amour qui meut le soleil et les autres étoiles</em></h3>
<p><i>La Divine Comédie</i> n’est rien d’autre en fin de compte que le grand récit du monde. Et c’est l’Histoire qu’elle fait défiler sous nos yeux. Pour une bonne part évidemment, celle contemporaine de Dante. Marquée par les luttes qui déchirèrent Florence entre tenants du pape, les Guelfes, et partisans de l’empereur, les Gibelins, auxquelles lui-même participa et qui furent la cause de son exil. A la suite de Dante, on croise aux Enfers quantité de personnages historiques avec lesquels il s’entretient afin de comprendre la raison de leur damnation. Le merveilleux professeur d’Italien à qui je dois ma découverte de <i>La Divina Commedia</i> et avec qui je me suis rendu pour la première fois en Italie, à Florence, avait pour habitude d’affirmer que son auteur avait placée en Enfer des personnalités en fait qu’il admirait, représentant autant de tentations présentes en lui. Parmi elles, il y a notamment Francesca da Rimini (1259-1285), dont le tragique destin inspira quantité d’artistes, peintres et musiciens. </p>
<p>D’une grande beauté, issue d’une famille noble de Ravenne, Francesca dut épouser pour des raisons politiques le <i>condottiere</i> Gianciotto Malatesta. Celui-ci avait un jeune frère, Paolo, qui tomba amoureux de la jeune mariée. Découvrant qu’il avait été trompé, Gianciotto poignarda les amants. On pense ici à Tristan et Iseult, à Lancelot et Guenièvre. De sa rencontre avec Francesca et Paolo, Dante ressort très troublé. N’a-t-il pas lui aussi cru en l’amour? Et s’il est sorti de la <i>selva oscura</i> n’est-pas grâce à l’amour encore de Beatrice? </p>
<p>L’amour, la beauté sont en effet au cœur de <i>La Divine Comédie</i> et plus particulièrement de la dernière partie, <i>Le Paradis</i>, où le poète a maintenant pour guide Beatrice. J’ai évoqué plus haut les illustrations de Botticelli. On remarquera que l’artiste a prêté à Beatrice les traits de Simonetta Vespucci. La jeune femme célèbre à la cour de Laurent de Médicis pour sa beauté et qui fut son modèle pour l’une des trois Grâces du <i>Printemps </i>et pour <i>La Naissance de Vénus</i>. Ce n’est bien sûr nullement fortuit. Pour le poète aussi bien que pour le peintre, Beatrice est l’image même de la beauté. Et c’est par un ultime chant dédié à l’amour que s’achève <i>La Divine Comédie</i>.<i></i>«<i>L’amor che move il sole et l’altre stelle</i>.»</p>
<hr />
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Benoit XV, en 1921 (<i>In praeclara summorum</i>) à l’occasion du 600<sup>e</sup> anniversaire de sa mort; Paul VI, en 1965 (<i>Altissimi cantus</i>), pour les 700 ans de sa naissance. Et plus près de nous, en octobre dernier, le pape François, ne déclarait-il pas que l'expérience de Dante peut nous aider à «traverser les nombreuses forêts obscures de notre terre?» </p> <p>Autant de témoignages de la part des Pontifes romains à l’égard de l’un des représentants majeurs de la culture occidentale qui ne vont certes pas sans intentions, sinon arrière-pensées, apologétiques. Il n’empêche. Voilà qui en dit long sur<i></i>la place éminente qu’occupe Dante dans l’histoire de la pensée et qui lui fut reconnue très tôt. De son vivant déjà, sa légende prend corps: n’est-il pas celui qui a visité les Enfers? Et son œuvre connaît aussitôt une large diffusion par le biais des multiples copies manuscrites de son poème.</p> <p>Le <i>Quattrocento, </i>bien que fort éloigné en apparence du monde de Dante, lui voue un véritable culte. Marsile Ficin (1433-1499), grande figure de l’humanisme renaissant qui dirigea l’Académie néoplatonicienne de Florence, pour qui la poésie est la reine des arts, tient Dante pour le poète universel; Raphaël et Michel-Ange voient en lui un maître. Tout comme avant eux Brunelleschi, l’architecte de Santa Maria Del Fiore. Le Dôme de Florence dont la nef s’orne de la seule œuvre connue de Domenico di Michelino. Un tableau commandé pour le bicentenaire de la naissance de Dante le représentant tenant à la main son poème avec en arrière-plan la montagne du Purgatoire. 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L’ensemble s’ouvre avec la représentation du fameux cratère de l’Enfer – la seule illustration achevée. Image qui est au cœur, comme on le sait aussi, du film <i>Inferno</i> (2016) de Ron Howard d’après le roman de Dan Brown. Or, selon le critique italien Alessandro Parronchi, si l’on assemble entre elles les illustrations de Botticelli, celles-ci se raccordent si parfaitement qu’elles pourraient bien avoir été dessinées à partir du carton de la fresque jamais réalisée de Santa Maria Del Fiore!</p> <h3><em>A te convien tenere altro viaggio</em></h3> <p>Oui, la gloire de Dante est immense. C’est pourquoi le chroniqueur est saisi de vertige alors qu’il lui faut maintenant tenter – comment faire plus? – d’aborder son poème. Composée entre 1307 et l’année de sa mort, <i>La Divina Commedia</i> commence fictivement le Jeudi saint 7 avril 1300 – la toute première année sainte. Dante erre, désemparé, au milieu de la forêt obscure. Certes aperçoit-il au loin une montagne illuminée. Mais les chemins qui y mènent lui demeurent interdits par trois bêtes sauvages, dont la vue accroit encore sa peur; il s’imagine mourir. Quand apparaît le poète Virgile (-70 av. J.C -19), celui qu’il considère comme son maître. L’auteur de <i>L’Enéide </i>qui relate les origines héroïques de Rome. «<i>A te convien tenere altro viaggio</i>», lui dit-il alors. C’est «un autre voyage», en effet, que Dante doit entreprendre s’il veut atteindre la vérité et Virgile sera son guide. Pour cela, il lui faudra visiter les cercles de l’Enfer avant de gravir la montagne du Purgatoire. Ensuite, seulement Dante accèdera au Paradis. C’est Beatrice, sa Dame, qui lui a dépêché Virgile. </p> <p>La première rencontre entre Dante et Beatrice Portinari se produit en 1274; tous deux sont âgés de neuf ans. Ainsi qu’il le raconte dans <i>La Vita Nuova</i>, quasi une décennie s’écoulera avant que Dante ne revoie la jeune femme qui disparaîtra à seulement vingt-quatre ans. Jamais pourtant le poète ne l’oubliera. Pour toujours, elle incarnera à ses yeux l’image parfaite de la beauté et sera, selon la formule du <i>dolce stil nuovo</i>, l’école littéraire novatrice à laquelle Dante appartint, l’«Ange venu du ciel» pour le sauver. Et c’est Beatrice qui l’accueillera au seuil du Paradis. </p> <p><i>La Divine Comédie</i> est bien sûr fortement imprégnée de théologie et peut être considérée comme une illustration idéale de la doctrine thomiste. Toutefois, et c’est à souligner, le christianisme de Dante n’est nullement en rupture avec l’Antiquité, il en est au contraire la continuation, le prolongement. Ainsi au plus profond des Enfers où Lucifer a été précipité pour s’être rebellé contre Dieu, Dante nous montre l’ange déchu dévorant jusqu’à la fin des temps Judas, qui trahit Jésus, mais aussi Brutus et Cassius, les assassins de César. Aux yeux de Dante, l’Antiquité demeure un modèle. En ce sens, <i>La Divina Commedia</i> fait plus qu’annoncer la Renaissance. 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Comme au Chant II du <i>Paradis</i>:«Les flots qui s’ouvrent devant moi n’ont jamais été parcourus/ c’est Minerve qui m’inspire et Apollon qui me conduit/ et les neuf Muses me montrent les Ourses (les étoiles du Salut).»</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1610712671_botticellibeatriceetdante.jpg" class="img-responsive img-fluid center " width="523" height="647" /></p> <h4 style="text-align: center;">Botticelli, Beatrice et Dante, <i>Paradis</i>, Chant II, pointe d’argent et encre (détail) © utexas.edu </h4> <h3><em>L’amour qui meut le soleil et les autres étoiles</em></h3> <p><i>La Divine Comédie</i> n’est rien d’autre en fin de compte que le grand récit du monde. Et c’est l’Histoire qu’elle fait défiler sous nos yeux. Pour une bonne part évidemment, celle contemporaine de Dante. 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Celui-ci avait un jeune frère, Paolo, qui tomba amoureux de la jeune mariée. Découvrant qu’il avait été trompé, Gianciotto poignarda les amants. On pense ici à Tristan et Iseult, à Lancelot et Guenièvre. De sa rencontre avec Francesca et Paolo, Dante ressort très troublé. N’a-t-il pas lui aussi cru en l’amour? Et s’il est sorti de la <i>selva oscura</i> n’est-pas grâce à l’amour encore de Beatrice? </p> <p>L’amour, la beauté sont en effet au cœur de <i>La Divine Comédie</i> et plus particulièrement de la dernière partie, <i>Le Paradis</i>, où le poète a maintenant pour guide Beatrice. J’ai évoqué plus haut les illustrations de Botticelli. On remarquera que l’artiste a prêté à Beatrice les traits de Simonetta Vespucci. La jeune femme célèbre à la cour de Laurent de Médicis pour sa beauté et qui fut son modèle pour l’une des trois Grâces du <i>Printemps </i>et pour <i>La Naissance de Vénus</i>. Ce n’est bien sûr nullement fortuit. Pour le poète aussi bien que pour le peintre, Beatrice est l’image même de la beauté. Et c’est par un ultime chant dédié à l’amour que s’achève <i>La Divine Comédie</i>.<i></i>«<i>L’amor che move il sole et l’altre stelle</i>.»</p> <hr /> <h4><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1610704008_dantelenfer.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="245" height="401" /></h4> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1610704029_dantelepurgatoire.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="245" height="410" /></p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1610704056_danteleparadis.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="244" height="409" /></p> <h4>Dante, <i>La Divine Comédie</i>. 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Chronique / L’altro viaggio
Au milieu du chemin de notre vie/ je me retrouvais dans une forêt obscure/ parce que la voie droite était perdue.» Qui ne connaît les trois premiers
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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<h4 style="text-align: center;"><i>Le Guépard</i> (Burt Lancaster), film de Luchino Visconti. Saisie d’écran.</h4>
<p>Il y a pourtant autre chose. Et c’est un livre, qu’on m’a prêté récemment, qui m’a permis de le comprendre. Son titre: <i>A ce stade de la nuit</i> de Maylis de Kerangal. </p>
<p>Avant de la lire, j’avoue n’en avoir jamais entendu parler. Quinquagénaire, issue d’une vieille famille bretonne, ai-je appris depuis, ayant publié une quinzaine d’ouvrages, romans, récits, albums pour enfants, récompensée en 2010 du Prix Médicis. A ma grande honte, car elle est rien moins qu’une magnifique écrivaine ainsi que je l’ai découvert à travers ce récit sensible, méditatif, à la fois grave et lumineux, dont on ne ressort pas complètement indemne et qui traite justement de la crise migratoire et de Lampedusa. </p>
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<h4 style="text-align: center;">Maylis de Kerangal © frenchculture.org</h4>
<p>Le point de départ du récit de Maylis de Kerangal est le naufrage le 3 octobre 2013 d’un bateau de migrants au large de l’île italienne. A bord du bâtiment, un vieux chalutier parti de Tripoli, ont embarqué plusieurs centaines de personnes, en majorité des Erythréens et des Somaliens. A un peu plus d’un mille de Lampedusa, le bateau tombe en panne; du fuel se répand sur le pont et un incendie éclate, un passager ayant mis le feu à une couverture afin d’alerter d’éventuels navires se trouvant à proximité. Pour échapper aux flammes, certains des occupants se jettent à la mer, d’autres se réfugient sur le côté opposé du bateau qui, déséquilibré, chavire. 366 personnes périssent.</p>
<p>Une cuisine, la nuit, à Paris. La narratrice d’<i>A ce stade de la nuit </i>entend soudain à la radio, au bulletin d’informations, prononcer ce nom de Lampedusa; on parle d’un naufrage survenu près de la petite île. Ce nom, à l’instar de tous les admirateurs du <i>Guépard,</i> le livre aussi bien que le film, réveille aussitôt des souvenirs et fait resurgir des images. Celles de Burt Lancaster, qui incarne la figure du prince Salina – autre nom d’île –, Don Fabrizio, le personnage central du roman avec Tancredi Falconeri, son neveu préféré, son véritable fils, et bien sûr la belle Angelica, fille de Don Calogero Sedara, le paysan enrichi, personnification des temps nouveaux. Seule et unique œuvre de Giuseppe Tomasi di Lampedusa (1896-1957), lui-même prince sicilien, <i>Il Gattopardo,</i> paru quelques mois après la mort de son auteur, s’inspire en bonne partie de la vie de son arrière-grand-père.</p>
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<h4 style="text-align: center;">Migrants débarquant à Lampedusa © DR </h4>
<h3>L'engloutissement de l'ancien monde</h3>
<p>Le livre raconte la fin du Royaume des Deux-Siciles rallié de force au nouveau Royaume d’Italie à la suite du débarquement des <i>Mille</i>, les partisans de Garibaldi, et l’avènement d’une nouvelle société. Celle du <i>Risorgimento</i> que représente Don Calogero. Dans l’entourage du prince, un homme a compris qu’il ne faut pas laisser faire la révolution sans en être, sous peine de tout perdre, c’est Tancredi. Qui, au grand dam de son oncle, s’en va rejoindre les partisans de Garibaldi.«<i>‘’Un Falconeri dev'essere con noi, per il Re’’ Gli occhi ripresero a sorridere. ‘’Per il Re, certo, ma per quale Re?’’ Il ragazzo ebbe una delle sue crisi di serietà che lo rendevano impenetrabile e caro. ‘’Se non ci siamo anche noi, quelli ti combinano la repubblica. Se vogliamo che tutto rimanga come è, bisogna che tutto cambi.’’</i>» </p>
<p>Si nous voulons que tout reste tel quel, il faut que tout change: sans doute l’un des propos les plus forts du roman. Et l’une des plus grandes leçons politiques qui soit. Cynisme? Non, extraordinaire lucidité au contraire. A propos de tant de prétendues révolutions, tant de changements qui ne sont que de façade, une classe en remplaçant simplement une autre, voilà tout. Le prince, dont les yeux se sont décillés grâce à son neveu, finit par le comprendre lorsqu’il accueille dans son palais d’été de Donnafugata, l’homme nouveau. Don Calogero, vêtu d’un frac d’autant moins de circonstance qu’il est trop petit, mal coupé, mais qui n’en marque pas moins sa récente ascension.«Un instant qui est peut-être la seconde décisive du film, écrit Maylis de Kerangal, ce mouvement de bascule entraînant l’engloutissement de l’ancien monde, l’instant où l’aristocratie sicilienne chavire.» </p>
<p>Dans le film de Visconti, on l’a rappelé, c’est Burt Lancaster qui est Don Fabrizio.«Plus j’y pense, note Maylis de Kerangal, plus je trouve extraordinaire que Burt Lancaster, désigné si souvent comme un ‘’aristocrate’’ du cinéma, soit né à New York en 1913, issu de l’émigration anglo-irlandaise, et tienne ensemble ces deux identités qui cohabitent dans le nom de Lampedusa: il est le prince et le migrant.» </p>
<p>Comme on le sait, l’un des grands moments du roman, mais plus encore du film, c’est bien sûr le bal que donnent les Panteleone, à Palerme, et auquel assistent le prince, son neveu et Angelica.«Elle est la fille si belle de Don Calogero, le paysan parvenu, et tout juste fiancée à Tancredi (…), elle est ce corps qui prend le pouvoir, et enfin, elle est l’étrangère », dont l’éclat fait ressortir avec d’autant plus de cruauté le côté décadent de cette aristocratie. De «cette noblesse rongée par l’endogamie, corrodée par sa propre vacuité.» Après avoir revu dans un cinéma de la Rive gauche <i>Le Guépard</i> dans sa version restaurée, rentrant chez elle par le boulevard Saint-Michel, repensant à cette scène, «à l’instant où j’allais passer le fleuve, écrit Maylis de Kerangal, et couper par le parvis de Notre-Dame, j’ai réalisé que Visconti avait filmé le bal du <i>Guépard</i> exactement comme un naufrage.» </p>
<p>A l’exemple de l’auteure d’<i>A ce stade de la nuit,</i> je l’ai dit, Lampedusa s’est longtemps confondue pour moi avec <i>Le Guépard</i>. Lu et relu tant de fois, aussi bien en italien qu’en traduction. Aujourd’hui, le destin de tous ces hommes, femmes, enfants qui, à la merci de passeurs qui ne sont rien d’autres que des trafiquants de chair humaine, risquent leur vie sur des esquifs de misère, ce destin rejoint celui, non moins crépusculaire, des personnages du romancier italien balayés par le vent de l’Histoire. </p>
<p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1607256929_il_gattopardo.jpg" class="img-responsive img-fluid center " /></p>
<h4 style="text-align: center;">Claudia Cardinale, Burt Lancaster et Alain Delon dans <em>Le Guépard</em> de Luchino Visconti. </h4>
<p>Donnons une dernière fois la parole à Maylis de Kerangal – c’est à cet instant seulement que je m’avise que son nom, comme celui de l’auteur du <i>Guépard</i>, est à particule. «J’ai pensé à la matière silencieuse qui s’échappe des noms, à ce qu’ils écrivent à l’encre invisible. A voix haute, le dos bien droit redressée sur ma chaise et les mains bien à plat sur la table – surement ridicule en cet instant pour qui m’aurait surprise, solennelle, empruntée –, je prononce doucement: Lampedusa.»</p>
<hr />
<p><i>Cette chronique est la dernière de cette année si particulière. Je vous donne rendez-vous le 20 janvier 2021. Je vous souhaite de très belles fêtes néanmoins et surtout ne lâchez rien!</i></p>
<hr />
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<h4><b>Maylis de Kerangal, <i>A ce stade de la nuit</i>, Editions Verticales, 2015</b></h4>
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<h4><b>Giuseppe Tomasi di Lampedusa, <i>Le Guépard</i>, Seuil «Points», 2007</b></h4>
<hr />
<h4>A voir aussi: <a href="https://www.bing.com/videos/search?q=le+gu%c3%a9pard+film&docid=608047561469660017&mid=4480BCC1E5DCCF8D73FA4480BCC1E5DCCF8D73FA&view=detail&FORM=VIRE" target="_blank" rel="noopener"><i>Le Guépard</i>, film de Luchino Visconti (1963) - la valse</a>.</h4>
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Me rendant il y a bien longtemps en Libye, je me souviens avoir aperçu depuis les airs Lampedusa alors que l’avion amorçait déjà sa descente sur Tripoli. Et j’avais été surpris de sa proximité avec la côte. Ceci explique donc cela, qui, encore une fois, n’a rien à voir avec <i>Le Guépard</i>.</p> <p><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1607256479_burtlancaster.png" class="img-responsive img-fluid center " /></p> <h4 style="text-align: center;"><i>Le Guépard</i> (Burt Lancaster), film de Luchino Visconti. Saisie d’écran.</h4> <p>Il y a pourtant autre chose. Et c’est un livre, qu’on m’a prêté récemment, qui m’a permis de le comprendre. Son titre: <i>A ce stade de la nuit</i> de Maylis de Kerangal. </p> <p>Avant de la lire, j’avoue n’en avoir jamais entendu parler. Quinquagénaire, issue d’une vieille famille bretonne, ai-je appris depuis, ayant publié une quinzaine d’ouvrages, romans, récits, albums pour enfants, récompensée en 2010 du Prix Médicis. 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Chronique / Le prince et le migrant
Le nom de Lampedusa n’a pas toujours été synonyme de tragédie, celle des migrants venus s’échouer sur ses plages. C’est d’abord le patronyme de l’un
Raphaël Aubert, écrivain
B Article réservé aux abonnés
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<h4 style="text-align: center;">Couverture de <i>Plexus</i>, Le Livre de Poche, 1969 © Coll. part.</h4>
<p>De tous les livres de Miller que j’ai lus, <i>Plexus</i> demeure l’un de mes préférés. Peut-être parce qu’il reste associé à ma découverte de la littérature, à mon propre désir d’écrire. Dans ce gros livre, qui échappe à toutes les classifications, à la fois roman, autobiographie, autofiction, Miller raconte ce qui constitue une rupture doublée d’une libération. Son abandon, à trente ans passé, de la vie rangée qui était jusque-là la sienne de directeur du personnel de la Western Union Telegraph, pour enfin sauter le pas et se consacrer entièrement à l’écriture, à la littérature. Encouragé en cela par sa seconde épouse, June, une jeune femme rencontrée dans un dancing – Mona dans <i>Plexus</i> – et qui va l’aider à accomplir véritablement ce pour quoi il est destiné. </p>
<p>C’est cette existence nouvelle, faite d’expédients, sans guère de perspectives d’avenir, qui nous est relatée ici par le menu, souvent de façon cocasse. Comme lorsque Mona et Val – ainsi appelle-t-elle Miller – entreprennent de vendre des bonbons pour vivre! Heureusement, il y a les amis qui les soutiennent. Tel Ulric qui ne tarit pas d’éloge à son propos.«Il arrive, dit Ulric, quand je parle de toi à mes amis que cela me paraisse fabuleux, même à moi. En si peu de temps, depuis que nous nous sommes retrouvés, il me semble que tu as déjà vécu une douzaine de vies.» Ou Marjorie, la propriétaire de l’appartement que loue le couple, qui devient bien vite une proche.«Nous ne mîmes pas longtemps à nous taper affectueusement sur la croupe. Elle était de cette sorte de femmes qui sont capables de vous saisir la queue et de vous faire rire en même temps.» Figure haute en couleurs, généreuse, Marjorie admire Miller parce qu’il écrit. Quand bien même il n’a encore rien publié et que tout ce qu’il écrit est systématiquement refusé. Et puis il y a Mona, la compagne de Miller, son plus sûr appui. <i>Plexus </i>s’ouvre d’ailleurs par un portrait de la jeune femme.«Dans sa robe persane collante, avec un turban assorti, elle était ravissante. Le printemps était venu et elle avait mis une paire de gants longs et une belle fourrure de taupe, négligemment jetée autour de son cou plein, pareil à une colonne.»</p>
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<h4 style="text-align: center;">Henry Miller, années 1970. Saisie d’écran</h4>
<p>Tout l’effort de Miller se focalise alors sur ce seul but, écrire. Mais quoi? Au fond, il ne le sait pas encore. Et imagine toutes sortes de stratagèmes. Se sent capable d’écrire à peu près sur tout. Encore faut-il convaincre éditeurs et rédacteurs.«Il me semblait que la chose la plus naturelle du monde fût de dresser une liste des thèmes que je croyais présenter de l’intérêt et de la soumettre aux directeurs de revues afin qu’ils pussent faire leur choix.» </p>
<h3>Le New York de Miller et la Grèce de Durrell</h3>
<p>Ce que vit alors Miller, fût-ce à retardement, ce sont en fait ses années d’apprentissage. Durant lesquelles, bien qu’il l’ignore, il emmagasine la matière de l’œuvre à venir qui n’est autre que sa propre vie. Il lit énormément, Dostoïevski, Spengler, Nietzsche, Elie Faure. Se promène, rêve, se remémore son enfance de fils de tailleur à Brooklyn. Car <i>Plexus</i> est aussi une magnifique évocation de New York. Notamment le quartier de Williamsburg qui a donné son nom au pont qui enjambe l’East River et relie l’arrondissement à Manhattan. «Parfois le soir, j’allais faire une promenade solitaire. Je connaissais intimement le quartier, ayant demeuré pendant un certain temps juste en face du Parc. A quelques rues à peine de là – la ligne frontière était Myrtle Avenue – commençaient les taudis. Après avoir traversé en flânant les quartiers tranquilles, il était excitant de franchir la ligne, de se mêler aux Italiens, Philippins, Chinois et autres ‘’indésirables’’(…) Les boutiques étaient pleines de marchandises nostalgiques, familières depuis l’enfance.» </p>
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<h4 style="text-align: center;">Lawrence Durrell en 1962 © Coll. Part.</h4>
<p>Lors de mon premier séjour newyorkais, il y a quelques années déjà, logeant moi-même à Brooklyn, j’ai tout naturellement pensé à Miller et à <i>Plexus</i>. Je me suis beaucoup promené, m’imprégnant à mon tour de l’atmosphère de cette portion de New York. Avec ses immeubles de briques et leurs escaliers de fer escaladant les façades, les vieux réservoirs d’eau sur les toits, les enseignes de toutes sortes.</p>
<p><i>The Rosy crucifixion </i>se clôt par le départ de l’auteur pour la France en 1930 où June l’a précédé. Si pour le couple la vie est tout aussi difficile qu’à New York, c’est à Paris néanmoins que Miller devient écrivain, publie ses premiers livres, <i>Tropique du Cancer</i> (1934), <i>Printemps Noir</i> (1936). A Montparnasse, il fréquente Le Dôme où se retrouvent nombre d’Américains. Il rencontre Alfred Perlès – le Carl de <i>Jours tranquilles à Clichy</i> – Brassaï, qui lui consacrera plus tard un ouvrage auquel est emprunté le titre de cette chronique, Lawrence Durrell, qui le convie à Corfou en 1939. Miller y séjourna toute une année et en ramena ce magnifique hymne à la Grèce qu’est <i>Le Colosse de Maroussi</i>. </p>
<p>Disant adieu au Vieux Continent en proie à la guerre, Miller retourne alors à New York. En 1942, il s’installe en Californie, d’abord à Big Sur pendant une dizaine d’année – sa maison est aujourd’hui un musée; à Pacific Palisades ensuite. Au tournant des années 1960-1970, ses livres, bien que toujours interdits aux USA, le font connaître, notamment de ce qu’on appellera la <i>Beat Generation</i> et contribuent à la révolution sexuelle. Sa vie privée est toujours aussi tumultueuse; il divorce et se remarie un nombre incalculable de fois, à chaque fois avec des femmes bien plus jeunes que lui. Il peint et puis bien sûr il écrit, écrit. Car Miller est avant tout un prodigieux prosateur, un formidable écrivain. Peut-être infiniment plus classique qu’il n’y paraît. Témoin ces quelques lignes, tirées du <i>Colosse de Maroussi</i>, que je rapporte ici en conclusion de cette chronique à bien des égards impossible – car comment vraiment parler de Miller? «Je revois les silhouettes d’hommes solitaires marchant dans le sillage des troupeaux et franchissant l’échine nue des monts, parmi l’écume légère des toisons, dorées comme aux jours de légende; je revois les femmes assemblées autour des puits au milieu des oliveraies et leur costume, leurs manières, leur parler qui reste semblable à celui des temps bibliques ( …) La lumière grecque m’a ouvert les yeux; elle a pénétré mes pores et dilaté tout mon être. Je me suis retrouvé chez moi dans le monde, ayant découvert le centre de vérité.»</p>
<hr />
<p><b><img src="https://media.bonpourlatete.com/default/w1200/1606039718_millerlecolossedemaroussi.jpg" class="img-responsive img-fluid left " width="197" height="286" /></b></p>
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Son abandon, à trente ans passé, de la vie rangée qui était jusque-là la sienne de directeur du personnel de la Western Union Telegraph, pour enfin sauter le pas et se consacrer entièrement à l’écriture, à la littérature. Encouragé en cela par sa seconde épouse, June, une jeune femme rencontrée dans un dancing – Mona dans <i>Plexus</i> – et qui va l’aider à accomplir véritablement ce pour quoi il est destiné. </p> <p>C’est cette existence nouvelle, faite d’expédients, sans guère de perspectives d’avenir, qui nous est relatée ici par le menu, souvent de façon cocasse. Comme lorsque Mona et Val – ainsi appelle-t-elle Miller – entreprennent de vendre des bonbons pour vivre! Heureusement, il y a les amis qui les soutiennent. Tel Ulric qui ne tarit pas d’éloge à son propos.«Il arrive, dit Ulric, quand je parle de toi à mes amis que cela me paraisse fabuleux, même à moi. 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Avec ses immeubles de briques et leurs escaliers de fer escaladant les façades, les vieux réservoirs d’eau sur les toits, les enseignes de toutes sortes.</p> <p><i>The Rosy crucifixion </i>se clôt par le départ de l’auteur pour la France en 1930 où June l’a précédé. Si pour le couple la vie est tout aussi difficile qu’à New York, c’est à Paris néanmoins que Miller devient écrivain, publie ses premiers livres, <i>Tropique du Cancer</i> (1934), <i>Printemps Noir</i> (1936). A Montparnasse, il fréquente Le Dôme où se retrouvent nombre d’Américains. Il rencontre Alfred Perlès – le Carl de <i>Jours tranquilles à Clichy</i> – Brassaï, qui lui consacrera plus tard un ouvrage auquel est emprunté le titre de cette chronique, Lawrence Durrell, qui le convie à Corfou en 1939. Miller y séjourna toute une année et en ramena ce magnifique hymne à la Grèce qu’est <i>Le Colosse de Maroussi</i>. </p> <p>Disant adieu au Vieux Continent en proie à la guerre, Miller retourne alors à New York. 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Chronique / Henry Miller grandeur nature
Relu Plexus d’Henry Miller. L’auteur américain disparu il y a quarante ans, en 1980. Un anniversaire passé quasi inaperçu. Peut-être parce qu’on ne
Raphaël Aubert, écrivain
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