Culture / Isamu Noguchi, périple politique
Isamu Noguchi Play Sculpture, ca. 1965, fabriqué en 2017 Acier et couleur 112,7 × 261,6 × 261,6 cm. Photo: Nicholas Knight/The Noguchi Museum Archives © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich
Isamu Noguchi dans son atelier à Gen-tilly près de Paris, 1927 Photo: Atelier Stone The Noguchi Museum Archives, 03716 © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich
Le Centre Paul Klee (ZPK) de Berne consacre jusqu’au 8 janvier 2023 une exposition exhaustive à Isamu Noguchi. L’artiste, qui se considérait comme un citoyen du monde, lui qui n’a cessé de voyager tout au long de sa vie, laisse entrevoir une œuvre féconde, interdisciplinaire et radicale.
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L’exposition à la Sécession de Vienne dont Hodler est l’invité d’honneur en 1904 l’a fait reconnaître de la scène artistique européenne. L’artiste a exploré les mouvements contemporains majeurs – du réalisme d’Anker à l’expressionnisme réinventé en <i>parallélisme</i>, puis au symbolisme auquel puisent ses compositions de grand format. Aussi divers soient les registres – bûcherons musculeux ou Guillaume Tell, autoportraits innombrables, paysages alpins majestueux et allégories hypnotiques – le langage hodlérien est reconnaissable entre tous. Ainsi dans les salles du musée veveysan, dont l’essentiel évoque Valentine telle qu’elle apparaît d’allégories en portraits colorés, esquisses sombres au crayon, graphite ou fusain.</p> <p>En 1908, la jeune Française, divorcée depuis peu, est installée à Genève, où elle tient un rôle dans une opérette. 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De Valentine, il écrira aussi qu’elle fut «la passion la plus intense de sa vie».</p> <p>Quelle fut l’attitude de celle-ci face à son projet de mise à nu de son intimité, de sa finitude et de sa déchéance? Impossible de le savoir, dans la mesure où la correspondance entre les deux amants a été détruite pour l’essentiel. Etait-elle consentante? Il semble que l’artiste ait été sincèrement affecté par le destin de son amoureuse et à la fois, ce voyeurisme dérange. Hodler se soucie de la santé de Valentine et des traitements possibles et en même temps, il s’ouvre à son amie Gertrud Dubi-Müller du caractère novateur de son projet: relater par le menu la disparition d’un être aimé, en lui confiant que «personne n’a encore jamais fait cela».</p> <p>«La mort a la beauté de la vérité, écrit-il par ailleurs. Voilà pourquoi elle m’attire. C’est elle, c’est sa grandeur que je vois à travers ces traits qui furent aimables, aimés, adorés et qu’elle envahit. 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Des gâteaux à la crème donc: «Je me suis retrouvé avec ces rangées d’ovales et de triangles et j’en étais stupéfait moi-même…» Le propos n’est pas de faire une nature morte ou une simple évocation réaliste, l’artiste entend plutôt s’emparer d’un cliché, d’un lieu commun, un thème banal, et lui insuffler de la vitalité…</p> <p>Certaines toiles rappellent – tel ce <em>Mickey</em> <em>Mouse</em> (1988) – les origines de la culture pop et la première formation de graphiste et designer de Wayne Thiebaud, qui travailla pour le cinéma et les studios Disney… Il est un des représentants majeurs de l’art figuratif américain, proche de la manière de Hopper ou de Georgia O’Keeffe et ses œuvres sont installées dans les plus grands musées états-uniens. Fasciné par la BD et l’animation, il est aussi un remarquable technicien et pédagogue – enseignant sa vie durant à l’Université d’Etat de Californie.</p> <p>Wayne Thiebaud explore patiemment la frontière entre visible et imaginaire, détaillant cet environnement figé dans la consommation et la contemplation; une étudiante, parmi les premières à dévisager le visiteur à son arrivée, (<em>Student</em>, 1968) pose sur un fond blanc immatériel, une main sur un pupitre, l’autre sur ses cuisses, avec pour seul détail extérieur une pendule qui marque le passage du temps. Ailleurs, il saisit deux femmes censément en train de faire de l’exercice ou des baigneuses athlétiques dans leur costume rétro des sixties. </p> <p>Cette autre jeune femme au chapeau rose (<em>Girl with pink hat</em>, 1973) est une des rares commandes qu’ait accepté l’artiste, à la demande d’un ami: buste et seins nus, le regard perdu dans le vague, entre nostalgie et introversion. 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Pour rappel, cette religion a vu le jour en Inde en même temps que le bouddhisme mais s’est, contrairement à celui-ci, essentiellement cantonnée à son pays d’origine jusqu’au XXème siècle. Aujourd’hui forte de quelque cinq millions d’individus et d’une diaspora, cette communauté jouit d’une importance économique inversement proportionnelle à son nombre. La vision du monde et la spiritualité jaïne semblent particulièrement pertinentes, relève l’exposition, à l’heure des crises profondes de nos sociétés.</p> <p>Le Musée Rietberg dévoile la diversité et l’ancienneté de ses représentations – sculptures et objets rituels, tableaux et textiles de grand format, manuscrits richement enluminés, soit quelque 200 chefs-d’œuvre provenant de ses propres collections mais aussi de privés et de grands musées indiens. Les plus anciens ont près de 2000 ans, les plus récents datent du XXème siècle et sont éclairés par plusieurs films, récits et témoignages de Jaïns vivant sur trois continents. 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Pour beaucoup Isamu Noguchi (1904-1988) n’est autre que le génie de la lampe Akari: sculptures lumineuses, lanternes poétiques défiant l’apesanteur, assemblées à la main avec une simplicité déconcertante en mélangeant papier, bambou et métal. Produits pour la première fois en 1952 – et édités par Vitra – ces luminaires font encore aujourd’hui s’émerveiller les amateurs de design. Mais Isamu Noguchi ne se laisse pas résumer par son œuvre la plus connue. Le sculpteur et designer américano-japonais a en effet toujours pratiqué une approche interdisciplinaire de l’art. Il a sculpté, bien sûr, mais il a également peint, conçu des meubles, imaginé des jardins et des aires de jeu pour enfants (lire ci-dessous), composé des décors de théâtre et tant d’autres formes créatives.
Un univers qui brouille complètement les frontières entre art et design – on lui doit aussi bien des sculptures sur marbre que le design d’un des tout premiers babyphones, en 1937 – et qui se rit joyeusement des règles et des querelles de clocher.
«Isamu Noguchi compte parmi les créateurs les plus expérimentaux du XXème siècle. Il est l’un des plus importants sculpteurs et designers des Etats-Unis», résume la commissaire d’exposition Fabienne Eggelhöfer, qui souligne que le ZPK (Zentrum Paul Klee) a conçu cette exposition avec le Barbican de Londres, le Museum Ludwig de Cologne et avec la participation du LaM, le Musée d’art moderne de Lille. Insaisissable, Noguchi s’est notamment inspiré des cultures anciennes asiatiques, des jardins japonais, d’un site astronomique en Inde mais aussi d’art abstrait et de surréalisme.
«Il élargit la conception de la sculpture par son approche interdisciplinaire et intellectuelle. Il n’était pas question pour lui de fabriquer des objets uniques pour les galeries et les musées, mais de créer des objets et des espaces pour la société», décrit Fabienne Eggelhöfer. Et pour rendre hommage à la philosophie du créateur, le ZPK n’a pas conçu sa rétrospective comme un chemin balisé et chronologique. Très peu sectorisé, l’espace d’exposition se laisse arpenter dans le désordre. Le visiteur peut ainsi papillonner comme bon lui semble entre de monumentales sculptures en marbre, des tableaux grand format, des luminaires en papier ou des sculptures équilibristes en bois. Un apparent capharnaüm très décomplexant pour le profane et qui rend surtout compte de l’incroyable diversité de la production artistique de Noguchi.
Un engagement social
Ayant vécu aux Etats-Unis, au Japon et en France tout en voyageant incessamment autour du globe, Isamu Noguchi s’est nourri de fusion artistique. «Je ne crois pas qu’il faille s’en tenir à un seul matériau. Je crains qu’il ne me domine et devienne ma marque de fabrique», clamait le maître. Illustration parfaite de ce credo: sa série Portrait Heads, des œuvres figuratives des années 1920 – soit le début de sa carrière – composées de bustes-portraits d’amis ou de collaborateurs professionnels et déclinées en bronze, en pierre, en céramique ou en terre cuite.
La section Tortured Earth, quant à elle, présente l’artiste comme un commentateur politique. Face au racisme qui sévit aux Etats-Unis et touche le plus durement la population afro-américaine, Isamu Noguchi s’engage en tant qu’artiste. «Il était de mère américaine et de père japonais. A cheval entre des deux cultures il a souvent été considéré comme un étranger des deux côtés du Pacifique», rappelle la commissaire d’exposition. Noguchi conçoit par exemple le décor de la pièce d’Erick Hawkins sur la lutte de John Brown contre l’esclavage. «Il est clair que j’aspire à mettre la sculpture en contact le plus direct avec les expériences de la vie quotidienne», disait-il. Le ZPK présente également une série de projets conceptuels qui abordent des questions sociales. Notamment une œuvre en hommage aux victimes de la bombe atomique larguée à Hiroshima, un épisode historique qui a bouleversé l’artiste.
Des icônes du design
Fils de l’écrivaine américaine Léonie Gilmour et du poète japonais Yonejiro Noguchi, Isamu Noguchi a vécu et travaillé dans ses deux patries. «Dans ses créations, il associe des inspirations issues de cultures anciennes et contemporaines comme les jardins japonais ou les monticules des cultures préhistoriques nord-américaines. Elles trouvent un écho dans son œuvre tout comme l’art abstrait du début du XXème siècle», explique Fabienne Eggelhöfer. Noguchi a également multiplié les supports et les techniques. Il a travaillé aussi bien le bois que la pierre, le métal, le plastique, la céramique, le papier et les composants électriques. «Il s’approprie aussi bien les techniques artisanales que les techniques industrielles modernes», ajoute la commissaire d’exposition.
Les meubles de Noguchi, créés pour la plupart dans les années 1940 et 1950, sont devenus des classiques du design, à l’instar des sculptures lumineuses Akari, les plus connues. Les visiteurs du ZPK pourront notamment regarder un film documentaire sur le sculpteur voyageur confortablement assis sur un sofa griffé du maître. «Il veut créer des espaces sculpturaux dans lesquels les gens, de par leurs mouvements, perçoivent l’espace et les sculptures de différentes manières», conclut la spécialiste.
L’art, comme un jeu d’enfant
Convaincu du pouvoir créatif des enfants, Isamu Noguchi s’est intéressé très tôt à leur univers. Notamment en concevant des aires de jeu. Le Musée des enfants Creaviva propose au jeune public une expo interactive.
En japonais, Kodomo no kuni peut se traduire par Au pays des enfants. C’est le nom d’une place de jeu à Yokohama, conçue par l’artiste américano-japonais Isamu Noguchi. C’est aussi le nom choisi par le Musée des enfants Creaviva – à l’étage inférieur du ZPK, à Berne – pour sa nouvelle exposition interactive. Fidèle à sa mission de vulgarisation artistique et de découverte, le musée invite les enfants à laisser libre cours à leur imagination débordante. L’eau ne sert-elle qu’à boire? Que puis-je construire avec du sable, au-delà des châteaux? Comment un arbre pousse-t-il dans un musée? Autant de questions qui trouveront réponse dans l’exposition Kodomo no kuni.
«Il était convaincu que la curiosité des enfants, leur besoin d’explorer, leur soif constante d’apprendre et leur esprit ludique devaient également être une source d’inspiration pour les artistes»
Après avoir enlevé leurs chaussures, les jeunes pourront par exemple construire des tours avec des pierres issues des rives de l’Aar, sur de grands tapis moelleux. Ils pourront aussi laisser des traces dans le sable avec différents outils. Sans oublier la création d’une œuvre d’art collective, une sculpture inspirée des Interlocking Figures de Noguchi – que l’on peut admirer dans la salle principale – et qui prendra forme tout au long de l’exposition, jusqu’au 8 janvier 2023.
Mais pourquoi l’artiste et designer Isamu Noguchi s’est-il focalisé sur les aires de jeu pour enfants? «Il était convaincu que la curiosité des enfants, leur besoin d’explorer, leur soif constante d’apprendre et leur esprit ludique devaient également être une source d’inspiration pour les artistes, qu’il s’agissait de cultiver», explique Pia Lädrach, directrice du Musée des enfants Creaviva. Le loft du musée deviendra donc un espace de création et d’expérience ludique… Il voyait ses aires de jeu comme des univers miniatures permettant aux enfants de s’y mouvoir selon leur imagination. Il n’y avait par exemple jamais d’instructions ni de directives explicites dans ses créations.» Et si à la sortie de Creaviva les enfants ont encore de l’énergie, ils ne manqueront pas de la dépenser sur la Play Sculpture (dessinée en 1965 et réalisée en 2017), monumental boudin circulaire et ondulant, d’un rouge vif qu’on ne peut ignorer, et qui a été installé dans l’herbe le long du chemin menant à l’entrée principale du ZPK. A vos marques, prêts, jouez!
«Isamu Noguchi», Zentrum Paul Klee, Berne, jusqu'au 8 janvier 2023.
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L’exposition à la Sécession de Vienne dont Hodler est l’invité d’honneur en 1904 l’a fait reconnaître de la scène artistique européenne. L’artiste a exploré les mouvements contemporains majeurs – du réalisme d’Anker à l’expressionnisme réinventé en <i>parallélisme</i>, puis au symbolisme auquel puisent ses compositions de grand format. Aussi divers soient les registres – bûcherons musculeux ou Guillaume Tell, autoportraits innombrables, paysages alpins majestueux et allégories hypnotiques – le langage hodlérien est reconnaissable entre tous. Ainsi dans les salles du musée veveysan, dont l’essentiel évoque Valentine telle qu’elle apparaît d’allégories en portraits colorés, esquisses sombres au crayon, graphite ou fusain.</p> <p>En 1908, la jeune Française, divorcée depuis peu, est installée à Genève, où elle tient un rôle dans une opérette. 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Des gâteaux à la crème donc: «Je me suis retrouvé avec ces rangées d’ovales et de triangles et j’en étais stupéfait moi-même…» Le propos n’est pas de faire une nature morte ou une simple évocation réaliste, l’artiste entend plutôt s’emparer d’un cliché, d’un lieu commun, un thème banal, et lui insuffler de la vitalité…</p> <p>Certaines toiles rappellent – tel ce <em>Mickey</em> <em>Mouse</em> (1988) – les origines de la culture pop et la première formation de graphiste et designer de Wayne Thiebaud, qui travailla pour le cinéma et les studios Disney… Il est un des représentants majeurs de l’art figuratif américain, proche de la manière de Hopper ou de Georgia O’Keeffe et ses œuvres sont installées dans les plus grands musées états-uniens. 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Pour rappel, cette religion a vu le jour en Inde en même temps que le bouddhisme mais s’est, contrairement à celui-ci, essentiellement cantonnée à son pays d’origine jusqu’au XXème siècle. Aujourd’hui forte de quelque cinq millions d’individus et d’une diaspora, cette communauté jouit d’une importance économique inversement proportionnelle à son nombre. La vision du monde et la spiritualité jaïne semblent particulièrement pertinentes, relève l’exposition, à l’heure des crises profondes de nos sociétés.</p> <p>Le Musée Rietberg dévoile la diversité et l’ancienneté de ses représentations – sculptures et objets rituels, tableaux et textiles de grand format, manuscrits richement enluminés, soit quelque 200 chefs-d’œuvre provenant de ses propres collections mais aussi de privés et de grands musées indiens. Les plus anciens ont près de 2000 ans, les plus récents datent du XXème siècle et sont éclairés par plusieurs films, récits et témoignages de Jaïns vivant sur trois continents. 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1 Commentaire
@Philippe37 25.11.2022 | 14h59
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